Esta semana el hilo fue la circulación: qué obras se mueven de un país a otro, hacia dónde va el dinero que mueve el mercado del arte, y quién consigue un lugar en la feria cuando el espacio es limitado.

Un museo en Francia presta 40 piezas emblemáticas a México mientras remodela su edificio. Un reporte confirma que un puñado de obras concentra más de la mitad de las ventas de subasta del año. Y una feria en Nueva York rediseña su piso entero para dedicarle una entrada completa al Caribe y su diáspora.

Ninguna de las tres historias trata solo de arte. Tratan de quién decide qué circula, hacia dónde, y quién se queda esperando su turno.

Esto es PULSAR. Una señal semanal sobre arte, cultura y creación.

1. Cuarenta obras del Centre Pompidou llegan a Bellas Artes

Mientras el Centre Pompidou de París cierra por una remodelación de varios años, 40 piezas de su colección —arte cinético, óptico, cine de vanguardia, incluida una proyección de Marcel Duchamp— viajan al Museo del Palacio de Bellas Artes. La exposición se llama “Las formas de la energía” y forma parte de La Gran Fiesta Franco-Mexicana, que celebra 200 años de relaciones diplomáticas entre México y Francia. Abre del 12 al 30 de noviembre.

La pregunta que nos deja: Cuando un museo cierra sus puertas, ¿su colección deja de pertenecerle a una sola ciudad?

Fuente: The Rio Times

2. Un puñado de obras concentra más de la mitad de las ventas de subasta del mundo

Según un análisis reciente, alrededor de 150 obras representaron casi el 60% de las ventas globales de subasta durante la primera mitad de 2026. El resto del mercado —miles de artistas, galerías y coleccionistas— se reparte lo que queda. Algunas voces del sector proponen diversificar el financiamiento cultural con membresías más amplias, micromecenazgo y fondos de inversión cultural, aunque nadie pretende que eso revierta la concentración en la cima.

La pregunta que nos deja: ¿Le conviene a la escena artística en general que el mercado dependa tanto de tan pocas obras y tan pocos compradores?

Fuente: The Art Newspaper

3. The Armory Show rediseña su entrada para dedicarla al Caribe y su diáspora

La feria neoyorquina anunció su lista de 230 galerías de más de 30 países para su edición de este año, que además se movió a finales de septiembre para no chocar con Frieze Seúl. Por primera vez, la entrada sur del recinto se dedica por completo a galerías que presentan artistas del Caribe y sus diásporas, incluida una muestra colectiva de artistas cubanos.

La pregunta que nos deja: ¿Qué cambia realmente para una escena artística cuando una feria le dedica una entrada propia, en lugar de repartirla entre los pasillos generales?

Fuente: The Art Newspaper

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Revista —

“Colabora con Catarxis” — convocatoria abierta → Reabrimos las puertas de Catarxis para recibir propuestas de texto, imagen y música de quienes crean, escriben, fotografían o hacen música.

No estamos pidiendo trayectoria ni seguidores.

Si llevas tiempo guardando algo que no sabes dónde compartir, quizá esta sea tu señal.

Catarxis FM —

RECIENTE:

URBANO invitado: Boxer 2HP

Escuchanos en VIVO

Esta semana mi recomendación es:

UN OBJETO: Que nos regresa o acerca.

He estado buscando nuevas formas de designarle su lugar a cada cosa. Mi celular, por ejemplo: me doy cuenta de que cada vez ocupo más tiempo, tareas y herramientas en un solo aparato. ¡Es demasiado!

Mi yo de 20 años seguramente no necesitaba tener todo en un solo lugar, y qué decir de cuando tenía 15, ¡ja!

Por eso mismo recurro a la música offline. A cuando uno se emocionaba de cargar archivos MP3 o WAV a su DAP, lo desconectaba de la computadora y, de cierta forma, también se desconectaba uno. Le dabas play de manera aleatoria y no sabías qué canción te tocaría escuchar de camino a tu destino.

Disfrutar de la música. Poner atención a sus detalles, a lo que realmente importa: LA CREACIÓN.

Llegar a tu destino, quitarte los audífonos y volver a conectarte con tus actividades.

Hoy te recomiendo eso.

Yo adquirí este HiBy R1 (no es primo, me encantaría que lo fuera, pero no es así). Tiene un precio accesible y buen soporte de audio. Sí, existen mejores opciones, pero yo estoy empezando con este.

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Los stickers, pequeñas piezas de arte y diseño que se adhieren a superficies cotidianas, han evolucionado a lo largo de las décadas, pasando de ser simples herramientas publicitarias a poderosos medios de expresión artística, social y política. Hoy en día, los stickers forman parte integral de la cultura urbana, el arte callejero y el activismo visual, conectando a creadores y espectadores en un diálogo que se despliega en el espacio público y, cada vez más, en el digital.

Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Septiembre 2026

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Orígenes y Evolución: Del Marketing al Arte

El sticker, tal como lo conocemos, tiene sus raíces en los años 70, cuando comenzó a usarse principalmente para la promoción de bandas musicales, marcas de skate y eventos culturales. Era una forma económica y efectiva de visibilizar mensajes en entornos urbanos. Durante esa misma época, la contracultura punk adoptó el sticker como una forma de protesta visual, y a partir de allí, el arte del sticker empezó a despegar.

A medida que el arte callejero ganaba popularidad, los stickers encontraron su lugar junto a los murales y el graffiti. En lugar de ser pintados directamente sobre las paredes, estos pequeños trozos de papel o vinilo adherible permitían a los artistas actuar con mayor rapidez y distribuir su obra de manera más amplia y accesible. Este formato portátil se convirtió en una especie de galería móvil, visible en paredes, postes de luz y señales de tráfico de las grandes ciudades .

El Sticker como Herramienta de Expresión

El sticker tiene una capacidad única para fusionar arte, diseño y activismo. Artistas como Shepard Fairey y Banksy popularizaron su uso como medio de crítica política y social, difundiendo mensajes que desafiaban el statu quo de manera provocadora . A través de la simplicidad de su diseño y la contundencia de sus mensajes, los stickers se han convertido en un vehículo para expresar opiniones políticas, identidades culturales y movimientos sociales .

En la actualidad, los stickers no solo adornan las calles; también han migrado al ámbito digital, donde su popularidad se ha multiplicado. En plataformas de mensajería y redes sociales, los stickers digitales actúan como un medio visual para expresar emociones o ideas, de forma similar a los emojis, pero con mayor versatilidad y personalización . Este salto al entorno digital ha permitido que la cultura del sticker continúe expandiéndose, alcanzando a millones de personas alrededor del mundo.

La Subversión en el Espacio Público

El sticker es, además, una herramienta de subversión. A diferencia de los anuncios publicitarios, que están aprobados y regulados, los stickers a menudo operan fuera de las leyes que gobiernan el espacio público . Al igual que el graffiti, se apropian de los entornos urbanos, muchas veces desafiando normas estéticas y legales. En este sentido, los stickers son parte de una estrategia visual que desestabiliza los límites entre lo legal y lo ilegal, entre lo público y lo privado.

Para muchos creadores, colocar un sticker en un espacio visible es un acto de resistencia, una forma de recuperar el espacio público para expresar opiniones o cuestionar el sistema. En ciudades donde el arte urbano es criminalizado, los stickers pueden convertirse en pequeños actos de rebeldía.

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La Cultura Visual del Sticker: Diversidad y Significado

El valor cultural del sticker radica en su versatilidad. Desde la ilustración humorística hasta las críticas punzantes, los stickers abordan una variedad inmensa de temas. Existen comunidades enteras de diseñadores gráficos, artistas callejeros y activistas que utilizan este formato para hablar de cuestiones relacionadas con la ecología, el feminismo, los derechos humanos, la identidad racial, entre otros temas .

Los stickers también reflejan el contexto en el que son creados y pegados. Una pegatina puede representar la lucha de una comunidad o las aspiraciones creativas de un individuo. Los stickers locales suelen reflejar las inquietudes y particularidades de un lugar, mientras que las obras de artistas reconocidos pueden viajar globalmente, tanto física como digitalmente .

Conclusión: El Sticker como Fenómeno Cultural y Artístico

En el cruce entre arte, diseño gráfico y activismo, los stickers han consolidado su lugar en la cultura contemporánea. Su accesibilidad y portabilidad los convierten en un medio poderoso para que los creadores expresen sus ideas y conecten con el público. Ya sea en las calles de una gran ciudad o en las pantallas de los dispositivos móviles, los stickers continúan evolucionando, mostrando que el arte no siempre necesita ser monumental para tener un impacto profundo.

En la era de la sobrecarga visual, los stickers son una forma de interrumpir el flujo constante de información con un mensaje claro y provocador. Al pegar uno en una pared o al enviarlo en una conversación digital, estamos participando en un movimiento artístico que sigue redefiniendo cómo nos comunicamos y expresamos en el mundo moderno.

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Cuento · Utiel, Valencia, España, 2026

Maria Dolores Sherezade Ariana Carlota Olivares de la Sierra se ajustó el pañuelo que tapaba su cabello, quitó las minúsculas motas de polvo inexistentes de su vestido y con un suspiro salió de casa lista para comprar algunas cosas en el mercado.

Era la hija del herrero del pueblo, un hombre bastante parco en palabras, pero mucho en hechos.

Y por alguna razón se le había metido en la cabeza que era hora de casarla.

¿El problema? Que su gusto era algo… Deficiente.

Algunos le triplicaban la edad, otros tenían mal olor, otros la miraban de una forma que le hacía sentir incómoda…

Hoy estaba en el mercado haciendo la compra para la cena que tenía en unos días con José el carpintero.

Suspiró, no era malo, un poco mayor para su gusto, tenía su dentadura al completo, era medianamente limpio, tenía un trabajo estable, era dueño de su propia carpintería…

Así a primera vista no era malo, pero tenía un problema: le gustaba empinar el codo, bastante si tenía que hacer caso a algunos rumores que circulaban.

Por supuesto que ninguno de sus padres le decía la razón por la que la querían casar tan deprisa, pero escuchando a escondidas descubrió que su dote haría pagar algunas deudas que tenían que saldar urgentemente.

Apretó los labios mientras cogía una calabaza y se quedó mirando al vacío, a su lado un hombre cogía algún tipo de fruta de la tienda y un soldado se quedaba mirando algún tipo de objeto de plata.

Se acordó de su tía, una mujer que nadie en la familia hablaba de ella, se decía que era una viuda negra y que había matado a cada uno de los maridos que había tenido.

Claro que nunca la habían acusado porque curiosamente siempre había sido ella la que había encontrado el cuerpo, aún así las malas lenguas no se habían hecho esperar.

María o como le gustaba llamarse a sí misma Sherezade, meditó un momento sobre qué hacer a continuación.

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Su tía Francesca siempre la había recibido en su casa, claro que a escondidas, ya que ninguno de sus padres aprobaba que la viera, especialmente su madre ya que creía cada uno de esos rumores que circulaban sobre ella y los desafortunados accidentes que se habían llevado a cada uno de sus maridos.

Menos mal que era su propia hermana de quien hablaba.

Con cuidado de que no la viera nadie sacó un pequeño trozo de pergamino que su tía le había enviado después de descubrir lo que sus padres intentaban hacer con ella en una de sus reuniones clandestinas.

Volvió a leer la nota distraídamente.

Ladeó la cabeza mientras encerraba los ojos.

¿Eso era una dirección? ¿De qué le sonaba? Un viejo recuerdo le pasó por la mente.

Recordó que en los paseos con su tía cuando era pequeña, iba a un lugar muy extraño, a una vieja casa abandonada, donde al entrar se topaba con miles de objetos extraños que colgaban de los techos y paredes, la luz casi inexistente salvo por pequeñas velas estratégicamente colocadas a lo largo de la casa para proporcionar una luz adecuada.

Y una señora que le faltaban algunos dientes y tenía una verruga en su mejilla izquierda.

Su tía la dejaba en un sillón de esa cabaña (sorprendentemente cómodo) y le decía que fuera una buena niña y que la esperara unos minutos, le daba para entretenerse algún juego.

Nunca tardaba más de media hora y esa señora con esa verruga y sin dientes, a pesar de su aspecto un poco aterrador tenía ojos extraños, extrañamente vacíos.

Todos le decían que era la loca del pueblo, pero por lo poco que había interaccionado con ella, estaba segura de que no era así, que estaba más cuerda que todo el pueblo junto.

Simplemente era extraña, extraña y aterradora.

Eso sí, lo que sí recordaba con total claridad era la advertencia que siempre le daba su tía: no tocar nada ni tampoco probar ninguno de esos líquidos que veía en los miles de tarros que adornaban los muebles de esa casa.

Saliendo del recuerdo y mirando de nuevo la calabaza, reflexionó otro momento y decidió ver qué pasaría en esa cena con José el carpintero y qué tan ciertos eran los rumores sobre que le gustaba empinar el codo y si era así cuánto era así.

Si eran mentira tal vez y sólo tal vez le podría dar una oportunidad, de todos los que había conocido era el más decente y el que podría darle una vida medianamente cómoda.

Si le gustaba mucho empinar el codo…

Bueno siempre podría hacerle una visita a su tía, pedirle que la acompañara a esa vieja casa abandonada con esa anciana extraña pero amable (o al menos así siempre había sido con ella) y ver qué tan ciertos eran los rumores con respecto a sus maridos.

Tal vez y sólo tal vez había algunas tradiciones silenciosas que mantener y pasar a la siguiente generación.

MARÍA BLASCO | Utiel, Valencia, España, 2026

Actualmente en búsqueda de empleo y en proceso de formación laboral, María empezó a escribir hace dos años en una plataforma de empleo, un ejercicio que terminó por convertirse en costumbre y en confianza para compartir lo que escribe. Hoy publica cada semana en su Substack y mantiene un blog propio, donde conviven relatos que mezclan tradición popular, humor negro y un ojo atento a lo doméstico.

marablasco.substack.com

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En la conversación aparece además algo que va más allá de él: cómo la escena de San Luis Potosí pasó de ser purista a estar abierta a la experimentación.

El 20 de septiembre sale Mysterium Tremendum, su próximo álbum.

Momentos 00:56 — Por qué llama a lo suyo un proyecto artístico y no un disco de rap

04:43 — La canción que hizo para un torneo de fútbol

06:07 — Un método de trabajo que cambia cada vez

07:11 — Producir solo y producir con otros: Néstor Wallas y el proyecto Yugi 09:20 — De una escena purista a una que experimenta

12:48 — Mysterium Tremendum: qué hay detrás del título

15:47 — El Roots Bar, donde conoció a sus referentes

URBANO se transmite los martes a las 18:00 en Catarxis FM. Conduce Stranger Beats.

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Cuento · San Luis Potosí, S.L.P, 2026

Siempre me han gustado las películas viejas. Cuando era pequeña solía verlas con mi abuela en De Película, aquel canal viejo mexicano que pasa películas a blanco y negro, que nadie en realidad ve, pero sigue existiendo por mera nostalgia. Las veíamos en la sala después de la comida mientras mi abuelo dormía en su habitación, intentábamos no hacer ruido, y cada vez que mi abuelo gritaba que bajáramos el volumen, mi abuela se encogía, se hacía pequeña. Y nunca entendí el por qué.

Y aunque siempre me han gustado las películas mexicanas, nunca me ha molestado como se retrata mi país en películas gringas. Aquel lugar desértico, con un filtro sepia y señores bigotones con sombreros charros. Para muchos es estereotípico y controversial disfrutar este tipo de contenido, pero para mí, es mi infancia, es lo que he conocido creciendo en este lugar demasiado complicado. Son los juegos de trompo, y los tatuajes de estampa, el gel con brillos, y la palpable inseguridad. La efímera felicidad.

Pero claro, yo no sabía eso, era una niña. Éramos niños todos.

Crecí alrededor de risas y fiestas con castillos inflables. Existía una niña que siempre iba a mis fiestas de cumpleaños, no era de mi familia, pero era tan común abrir tu hogar a tus vecinos, a tu comunidad. Le decíamos Clarita, era güerita con los ojos grandes y verdes, tenía la risa más melodiosa que yo había escuchado en mi vida. A veces sentía envidia, por su belleza y su facilidad de iluminar una habitación, pero me compartía de sus galletas de animalitos y tomábamos de la misma caja de jugo, y eso era suficiente para saber que era mi amiga. Esos son buenos recuerdos, los tengo en mi memoria pintados de un color tostado, cálido, hogareño. Era hija de Esther, la señora que vendía jugos los fines de semana, una señora amable con manos arrugadas que amaba a su hija con locura.

“Cuídala mucho, Esthercita, que a las niñas bonitas las andan robando”, le decían todos y Esther sólo asentía abrazando a su niña. Yo jamás entendí eso, digo, ¿Qué le querrán robar a una niña de 6 años? Pero mis dudas nunca tuvieron respuesta, pues al pasar de los años Clarita dejó de aparecer en las fotos de mis cumpleaños, la silla con dibujos de princesas que ella ocupaba quedó vacía, y yo en realidad nunca supe por qué. Mi mamá me explicó que Clarita y su familia se habían ido a vivir a otra colonia porque aquí no le iba tan bien a su mamá con sus jugos, no vendía tanto.

Y no lo cuestioné, ojalá lo hubiera hecho.

Llevo tatuadas en el corazón las largas caminatas por la colonia Hogares, de la mano de mi mamá. Aquellas veces que nos escapábamos de mi papá y nos íbamos a comprar refrescos en bolsa o raspados de rompope, y mi mamá apretaba mi mano con fuerza cada vez que una camioneta se paraba a nuestro lado.

Pero yo aún no era nadie, aún me callaban en las reuniones familiares porque nadie quiere escuchar a una simple niña, ¿Por qué preguntaría algo tan obvio? A mi mamá claramente le preocupaba que un carro me pegara, nada más y nada menos.

Y cuando fui creciendo, fue que se terminaron las largas caminatas. Le pregunté a mi mamá por qué ya no podía salir con blusas de tirantes cuando íbamos a la tienda. Nunca me dio respuesta. Solo recuerdo veranos calurosos y aquel día en el que yo traía puesta una falda de flores y mis sandalias de plataforma, mi hermana había pintado mis uñas de rosa. Ese día, de repente, me acordé de Clarita, de seguro ella también se vestía así ahora que éramos más grandes.

Mi hermana y yo decidimos ir nosotras a la tienda a espaldas de mi mamá, y quisiera jamás haber tomado esa decisión. Aún recuerdo el grupo de niños, algunos hasta más jóvenes que yo, gritarme que me quitara la ropa, seguirme a casa entre risas mientras yo me retorcía del horror. Y llegar a casa con mi mamá, recibiéndome con un “¿Y qué quieres que haga? Son los escuincles de la colonia del Polvorín, nada más no salgas vestida así y ya”.

Yo tenía 11 años.

Quisiera haber escuchado a mi mamá y haber traducido sus apretones de mano y sus palabras de advertencia. Era miedo, todo lo que teníamos era miedo. Y aunque bloqueé la mayoría de ese recuerdo, tengo clara en la mente el color con el que se pintó mi vida desde ese entonces.

Fue entonces que el tono sepia fue desapareciendo de a poco, tornándose un gris azulado, un tono de realidad.

Llegó un día en el que ya no era una niña, mi voz ya no era tan aguda, mi cuerpo no era el mismo, y mis entrañas se rehusaban a afrontar el mundo por lo que era. ¿Cómo puede uno volver a creer, volver simplemente a ser? Después de haber visto la verdad, de haberla vivido.

¿Cómo hacerlo? Imposible, aún más cuando, años después de que pasó, mi mamá me confesó la verdad sobre Clarita.

Clarita desapareció sin rastro, jamás la volvieron a ver con vida. Y su madre se mudó porque encontraron la ropita que traía la niña en un lote baldío cerca de su casa,machada de sangre, y el sonido de su corazón quebrándose se escuchó por toda la colonia.

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Se me cayó el corazón a los pies cuando me dijo lo que Clarita traía puesto: una falda de flores.

No he vuelto a usar nada con flores desde ese entonces.

¿Será eso crecer? No poder voltear a ver aquello que amaba porque ahora está manchado de tinta indeleble. Me encantaría ser más optimista, pensar en mi vida en este lugar y quedarme con los tazos y las botellas de Coca Cola retornables. Pero la realidad es que no camino por estas calles segura, no conozco a nadie que viva aquí que no tenga estas historias, y no sé cómo robar de regreso mi ignorancia. Quisiera rogar por ella. Quisiera tantas cosas.

Quisiera recordar la risa de Clarita, quisiera haber apretado la mano de mi mamá, quisiera haber sido la salvadora de las mujeres de mi vida. Quisiera, quisiera, y vuelvo a querer.

Al final del día, el querer no basta en este lugar.

Siempre me han gustado las películas viejas, el sentimiento de ver frente a ti algo que ya no existe, algo que se ha esfumado como humo en el aire. Veo la imagen a blanco y negro y observo lo más hermoso que he tenido y que se ha deslizado entre mis dedos. Mis sueños, mi identidad, y mi amor, plasmados en la pantalla como si fueran antiguos, oxidados, obsoletos. Completamente olvidados.

Intento mantenerlos vivos en mi memoria, pero han sido plagados con el azul más frío. Melancolía, madurez.

Si cierro los ojos, puedo ver serpentina de colores, y cabello dorado, y agua cristalina, y sandalias de plataforma. Si cierro los ojos, estoy ahí de nuevo. Quizá así lograría regresar, volver a estar abrazada de mi abuela, volver a aquellas películas gringas; volver, volver, y volver.

Pero ya es muy tarde, De Película ha dejado de pasar mi filme favorito, mi abuela ya no está, y yo he apagado el televisor.

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Hay una vía férrea abandonada en algún punto de los Campos Gerais, en el sur de Brasil, donde el óxido dibuja sobre el metal una escritura que nadie planeó. No hay nadie ahí. Pero el lugar, de alguna manera, recuerda.

Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Agosto, 2026

La escena

Vestígios es un proyecto artístico multidisciplinario en curso de la escritora y artista visual brasileña Catarine Castilho, que combina fotografía original, literatura, videopoesía, sonido e instalación. No documenta lugares: investiga cómo los paisajes preservan la memoria a través de las huellas que dejan el tiempo, la ausencia y la presencia humana. Formaciones geológicas, vías férreas abandonadas, campos nativos y espacios cotidianos del sur de Brasil se convierten en narrativas poéticas donde territorio, silencio e identidad quedan entrelazados. Cada capítulo funciona como un poema visual independiente, aunque todos alimentan la misma investigación de fondo.

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“Estos lugares no eran simples locaciones, sino repositorios de memoria.”

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Eres Artista o tienes un proyecto y le quieres dar difusión con una nota de prensa como esta?

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El proceso

El proyecto nació sin esa intención: fueron años de viajar, fotografiar y escribir por el sur de Brasil los que llevaron a Castilho a notar que ciertos paisajes cargaban marcas visibles del tiempo —piedra desgastada, arquitectura olvidada, entornos naturales en silencio—. Esa observación reorganizó su práctica. Escritura, fotografía y sonido dejaron de funcionar por separado para converger en videopoemas donde ningún lenguaje domina a los otros: ni la fotografía ilustra la poesía, ni la imagen es solo apoyo visual. La artista dice haber aprendido a abrazar el silencio y la ambigüedad, dejando que quien mira construya su propia conexión emocional en lugar de recibir una explicación cerrada. Fue ese giro el que transformó su fotografía: de documentación a acto poético de escucha.

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“Transformo paisajes reales en territorios emocionales.”

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Lo que queda

Vestígios entra ahora en una nueva etapa con Vestígios III, que se presenta públicamente a través de una instalación y una charla con la artista en la Casa de Cultura Mario Quintana, en Porto Alegre. En paralelo, Castilho prepara la publicación de su novela O Outro Lado da Parede, que explora la memoria y las relaciones humanas desde la ficción — un eco literario del mismo territorio que fotografía. El proyecto sigue expandiéndose con nueva investigación fotográfica, futuros videopoemas y exhibiciones interdisciplinarias, sin intención de cerrarse. Su apuesta, en el fondo, es simple: que quien vea su trabajo aprenda a mirar con más atención los lugares que habita, y a reconocer las historias que esos lugares guardan en silencio.

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Un texto que escribes porque no puedes dejar de pensarlo.
Una fotografía que guardaste porque algo en ella te llamó.
Un dibujo que hiciste sin saber todavía hacia dónde iba.
Una canción que llevas semanas escuchando.
Una idea que todavía estás tratando de entender.

Queremos conocerlas.

Catarxis abre nuevamente su espacio para recibir propuestas de quienes crean, escriben, fotografían, dibujan, investigan, hacen música o simplemente tienen una mirada particular sobre el mundo.

No necesitas una gran trayectoria.
No necesitas miles de seguidores.
No necesitas pertenecer a una institución.

Queremos voces nuevas. Queremos miradas propias.

¿Qué puedes enviarnos?

TEXTO
Poesía, crónica, cuento, relato, ensayo, reseña o comentario, notas personales, diario o texto híbrido.

IMAGEN
Fotografía, dibujo o ilustración. Recibimos series de mínimo 3 piezas.

MÚSICA
Canciones, proyectos musicales y propuestas para Catarxis FM.

Nos interesan especialmente las propuestas que tengan algo propio que decir. No buscamos que escribas, fotografíes o crees como alguien más.

Queremos saber cómo miras tú.

¿Y si apenas estás comenzando?

Mejor.

Catarxis quiere ser también ese lugar al que puedas acercarte mientras encuentras tu voz, tu lenguaje o tu camino.

Porque creemos que lo independiente no solamente tiene que ver con estar fuera de una institución.

También tiene que ver con crear desde adentro.

CONOCE LAS BASES

Cuéntanos quién eres, qué estás haciendo y mándanos eso que quieres compartir.

Nosotros lo leemos.

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Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Julio, 2026

Y con ella regresa una pregunta antigua, aunque formulada con nuevas palabras:

¿qué significa crear?

Cuando la fotografía apareció en el siglo XIX, muchos pensaron que la pintura perdería su sentido. Si una máquina podía capturar la realidad con mayor precisión, ¿qué futuro tendría el pintor? Sin embargo, la pintura no desapareció. En lugar de morir, se liberó de la obligación de representar únicamente lo visible y comenzó a explorar territorios como la abstracción, la emoción y la percepción.

Algo similar ocurre ahora con la inteligencia artificial.

Las máquinas pueden generar imágenes, escribir textos, crear composiciones musicales y producir objetos visuales en segundos. Su capacidad parece desafiar una idea profundamente humana: que la creación es una expresión exclusiva de nuestra imaginación.

Pero quizá el problema está en cómo hemos definido la creación.

En La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica, Walter Benjamin planteó que las nuevas tecnologías de reproducción modificaban nuestra relación con las obras. Para él, una obra poseía una “aura”: una presencia vinculada con su historia, su contexto y su existencia única. La reproducción técnica no destruía necesariamente el arte, pero sí transformaba la manera en que lo experimentábamos. ^{(University of Birmingham)}

Casi un siglo después, la inteligencia artificial lleva esa discusión a un nuevo territorio. Ya no hablamos únicamente de reproducir una obra existente, sino de generar nuevas imágenes, sonidos y textos a partir de enormes cantidades de información.

La pregunta entonces cambia: si una máquina puede producir una imagen, ¿esa imagen posee una experiencia detrás?

John Berger, en Ways of Seeing, reflexionó sobre cómo las imágenes nunca existen aisladas: siempre están rodeadas por una historia, una cultura y una forma particular de ser observadas. Una obra no significa únicamente por lo que muestra, sino por la manera en que aprendemos a mirarla. ^{(Ways of Seeing)}

Tal vez ese sea uno de los grandes desafíos de la era de la inteligencia artificial. No estamos entrando en un mundo con pocas imágenes, sino en uno donde las imágenes son infinitas. El problema ya no será producir más, sino encontrar aquello que realmente merece nuestra atención.

La filósofa e investigadora Margaret Boden ha señalado que la creatividad puede entenderse desde diferentes dimensiones, como la combinación de ideas existentes, la exploración de posibilidades y la transformación de conceptos. Su trabajo sobre creatividad e inteligencia artificial abre una pregunta fundamental: aunque una máquina pueda producir resultados sorprendentes, ¿posee intención, conciencia o una experiencia propia del mundo? ^(PhilPapers)

Porque una obra de arte nunca ha sido solamente un resultado.

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Detrás de una pintura existe una vida. Detrás de una canción existe una memoria. Detrás de una película existe una manera particular de observar la existencia.

El arte nace muchas veces de aquello que escapa a la eficiencia: una obsesión, una pérdida, una contradicción, una pregunta que permanece sin respuesta. La creación humana no siempre busca optimizar; a veces busca comprender.

Por eso quizá el futuro del arte no dependa de competir contra las máquinas, sino de recuperar aquello que vuelve significativa una obra: una mirada.

En un mundo donde cualquier persona puede generar miles de imágenes en segundos, la verdadera diferencia estará en quienes tengan algo que decir.

La inteligencia artificial puede convertirse en una nueva herramienta creativa, como alguna vez lo fueron la cámara fotográfica, el sintetizador o el software digital. Pero la herramienta nunca reemplaza la pregunta esencial del artista:

¿Por qué crear algo que antes no existía?

Mientras sigamos buscando respuestas sobre quiénes somos, qué sentimos y qué mundo queremos construir, el arte seguirá siendo necesario.

Porque antes de ser una técnica, el arte es una forma de estar vivos.

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Frente a la lógica de los algoritmos, los clics rápidos y las tendencias pasajeras, existen publicaciones que siguen apostando por algo diferente: textos con profundidad, conversaciones con artistas, investigaciones culturales y nuevas formas de mirar el mundo.

Las revistas independientes digitales han encontrado en internet no solamente un espacio de publicación, sino una posibilidad de crear comunidades globales. Ya no necesitan una gran infraestructura editorial para llegar a lectores de distintos países; necesitan una voz clara, una identidad y una mirada capaz de generar conversación.

Estas son cinco publicaciones digitales independientes que exploran el arte, la creatividad y la cultura desde perspectivas únicas.

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1. The Creative Independent

Creada como una plataforma digital para personas creativas, The Creative Independent explora los procesos detrás de la creación artística.

Su propuesta no se centra únicamente en mostrar obras terminadas, sino en revelar aquello que normalmente permanece oculto: las dudas, los métodos, los bloqueos y las decisiones que forman parte del camino creativo.

A través de entrevistas y ensayos, reúne experiencias de escritores, músicos, diseñadores y artistas visuales que comparten cómo construyen su práctica.

Su mayor valor está en recordar que detrás de cada obra existe un proceso humano.

Ideal para quienes buscan: inspiración, herramientas creativas y reflexiones sobre la práctica artística.

2. The White Review

The White Review es una publicación independiente dedicada a la literatura, el arte y el pensamiento contemporáneo.

Su edición digital funciona como un espacio para nuevas voces, ensayos críticos y conversaciones alrededor de la creación.

La revista demuestra que el formato digital puede conservar la profundidad y el cuidado editorial de las publicaciones tradicionales, creando un lugar donde las ideas tienen tiempo para desarrollarse.

Ideal para quienes disfrutan: literatura contemporánea, crítica cultural y pensamiento artístico.

3. Hyperallergic

Fundada en Nueva York en 2009, Hyperallergic es una publicación digital independiente enfocada en arte y cultura visual.

Su modelo representa una nueva generación de periodismo cultural: una plataforma capaz de responder a la actualidad artística sin abandonar una mirada crítica.

Publica análisis, entrevistas, noticias y ensayos sobre artistas, exposiciones, museos y debates que atraviesan el mundo del arte contemporáneo.

Ideal para quienes quieren: seguir las conversaciones actuales del arte y conocer nuevas perspectivas.

4. Aeon

Aunque no está dedicada exclusivamente al arte, Aeon se ha convertido en una de las publicaciones digitales más interesantes para quienes buscan reflexionar sobre cultura, filosofía, ciencia y sociedad.

Su propuesta apuesta por el ensayo largo y por preguntas profundas sobre la experiencia humana.

En una época dominada por la velocidad, Aeon recuerda el valor de detenerse a pensar.

Ideal para quienes buscan: filosofía, cultura e ideas que invitan a observar el mundo desde otros ángulos.

5. Catarxis Magazine

La nueva generación de revistas digitales independientes nace con un desafío: crear espacios culturales fuera de los modelos tradicionales.

Catarxis Magazine forma parte de esta búsqueda: construir una publicación dedicada al arte, la creatividad y la cultura, conectando artistas, escritores y lectores alrededor de nuevas conversaciones.

Una revista digital independiente no solamente publica contenido.

Construye una comunidad.

El futuro pertenece a las publicaciones con una mirada propia

La era digital permitió que miles de voces encontraran un espacio para existir. Pero también creó una paradoja: nunca habíamos tenido tanta información y, al mismo tiempo, tanta dificultad para encontrar algo verdaderamente significativo.

Por eso las revistas independientes siguen siendo importantes.

No compiten únicamente por producir más contenido.

Compiten por ofrecer una perspectiva.

En un mundo donde cualquiera puede publicar, la verdadera diferencia está en tener algo que decir.

Porque una buena revista no solamente informa sobre una época.

Ayuda a interpretarla.

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Ese umbral —incómodo, frágil, casi imposible de nombrar— es el verdadero tema de su pintura.

Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Julio, 2026

Vaynberg trabaja entre Londres y la Costa Blanca española, y su técnica combina algo que en teoría no debería combinarse: la precisión casi fotográfica del hiperrealismo con la disolución deliberada de la abstracción simbólica. El resultado son figuras que empiezan nítidas, reconocibles, casi retratos, y que a medida que el ojo recorre el lienzo se van desdibujando en luz, en color, en gesto. No es un efecto técnico. Es una decisión conceptual.

Cuando el cuerpo pictórico se convierte en umbral

En su serie Feminine Force, presentada en 2025 en el Forbes Villa Showcase de Cannes, Vaynberg no ilustra la fuerza femenina como un símbolo cerrado —una mujer poderosa, una postura triunfal—, sino como un proceso en curso: vulnerabilidad y resiliencia ocurriendo al mismo tiempo, en la misma superficie. Las obras fueron adquiridas por coleccionistas privados y llamaron la atención internacional casi de inmediato, lo cual dice algo: ese lenguaje visual, aunque ambiguo, comunica.

Meses después, durante la Semana de la Moda en París, la artista llevó dos piezas clave de la serie junto con una obra nueva a una vista previa privada, extendiendo la conversación de su trabajo a un contexto distinto, más ligado a la estética y la performatividad del cuerpo. No es casual: si algo atraviesa su práctica es justamente la pregunta de cómo se habita —y se transforma— un cuerpo, una imagen, una idea de una misma.

Piezas como I Close My Eyes To See, I Melt To Remember Who I Am o I Am Listening To Myself no son solo títulos evocadores; son casi instrucciones de lectura.

Cada una nombra un gesto interior —cerrar los ojos, derretirse, escuchar— que en la pintura se vuelve visible sin volverse literal.

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La incertidumbre como método, no como obstáculo

Lo que más me interesa de Vaynberg no es solo el resultado, sino cómo describe el proceso. Ella misma lo dice así: hay una tensión constante entre mantener la fuerza visual de la pieza y, al mismo tiempo, dejar espacio para la ambigüedad, para que quien mira pueda proyectar su propia experiencia de cambio. Eso es más difícil de lo que suena. La mayoría de las obras que intentan hablar de transformación caen en la ilustración: una mariposa, una puerta, una figura partiéndose en dos. Vaynberg evita esa trampa. No ilustra la transformación; la deja ocurrir en la pintura misma, en cómo un rostro pierde nitidez sin perder presencia.

Es una postura que exige tolerar la incertidumbre como parte del oficio, no como un problema a resolver. Y quizás por eso su obra no ofrece cierre: no hay una figura “resuelta” al final del cuadro, solo el registro de un movimiento que sigue en curso.

Lo que estos casos tienen en común

Cannes, París, las colecciones privadas, la presencia en plataformas como Saatchi Art: todo esto podría leerse simplemente como una trayectoria en ascenso. Pero lo que conecta cada uno de estos momentos es algo más específico: Vaynberg ha encontrado una manera de pintar la experiencia —muy humana, muy poco discutida en el arte contemporáneo con esta honestidad— de no ser todavía quien se está por convertir. Esa zona gris, esa pérdida temporal de definición, suele vivirse en privado. Ella la pone en un lienzo y la hace mirable.

La artista continúa en una etapa activa de desarrollo, explorando espacios de exhibición y colaboración en Londres y España. Nada está confirmado todavía —y esa misma indefinición, dice, es parte del proceso que sostiene su trabajo.

Catarxis

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