Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Abril 2026

Una pregunta distinta

La mayoría de la historia del arte tradicional pregunta “¿qué significa esta imagen?” o “¿quién la hizo y cuándo?”. Gombrich propone una pregunta distinta y más incómoda: “¿para qué sirvió esta imagen?”. El libro asume que separar la forma de la función ha sido un error metodológico recurrente en la disciplina, y se propone corregirlo recorriendo usos tan diversos como la magia simpática, la propaganda política, la ilustración científica y la publicidad comercial.

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Estructura y enfoque

El libro no avanza cronológicamente ni busca una narrativa unificada. Cada ensayo aborda un uso específico —la imagen como sustituto mágico, como símbolo de estatus, como herramienta didáctica, como instrumento persuasivo— y los conecta con la psicología de la percepción que Gombrich había desarrollado previamente en Arte e ilusión (1960). El resultado es menos un tratado sistemático que una caja de herramientas conceptuales para analizar cualquier imagen en su contexto de uso.

Relevancia y vigencia

En un momento en que la cultura visual contemporánea —memes, publicidad digital, propaganda en redes— vuelve urgente preguntarse por la función social de las imágenes, este libro de Gombrich anticipa buena parte de esas preocupaciones desde una perspectiva histórica. Su insistencia en que ninguna imagen es neutral, y en que toda representación responde a una necesidad social, sigue siendo un marco útil mucho más allá de la historia del arte clásica.

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Hay pinturas que no se miran, se escuchan. Las de Seong Ryul tienen el sonido de las cigarras en verano, el silencio de un pasillo vacío a mediodía, el zumbido lejano de una ciudad que ya no existe. Son imágenes que llegan despacio, que no gritan ni compiten, y que sin embargo se instalan en la memoria con una persistencia extraña. El tipo de imágenes que uno recuerda días después de haberlas visto, sin saber exactamente por qué.

Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Junio 2026

Seong Ryul es un acuarelista e ilustrador coreano con una habilidad singular para capturar la luz y la sombra de la vida real y transformarlas en imágenes profundamente nostálgicas. Su estilo es tan reconocible que resulta difícil confundirlo con el de cualquier otro artista. En el vasto universo visual de las redes sociales, donde millones de imágenes compiten por la atención del usuario, las suyas tienen la extraña virtud de hacer que el scroll se detenga. Cuenta con casi 480.000 seguidores en Instagram, una cifra que habla no solo de talento, sino de algo más profundo: la capacidad de conectar con una sensibilidad compartida, con esa nostalgia difusa que muchos sienten pero pocos saben nombrar.

El artista y su mundo

Nacido en 1994, Seong Ryul vive y trabaja en Seúl. Estudió animación en la Korea National University of Arts, una de las instituciones artísticas más prestigiosas del país, donde se graduó en 2020 con un Bachelor of Fine Arts. Su formación en animación no es un dato menor: explica mucho sobre su manera de entender la imagen como algo en movimiento, como un instante suspendido dentro de una secuencia mayor. Sus ilustraciones tienen esa cualidad cinematográfica, la sensación de que un segundo antes y un segundo después existe toda una historia.

Seong Ryul se siente atraído por los espacios que ya han desaparecido o que están a punto de hacerlo. Esos lugares acumulan historias propias a lo largo de los años, y al seguir sus rastros, el artista siente una reverencia silenciosa por todo lo que ha sobrevivido al tiempo. Dentro de ese silencio desgastado encuentra calma y quietud. Su trabajo busca registrar que esos fueron alguna vez lugares donde la gente vivió su vida, guiado por la convicción de que la vida consiste, en esencia, en recordar y cuidar a los demás.

No pinta monumentos ni grandes paisajes urbanos. Sus escenas preferidas son los rincones cotidianos de la ciudad: tiendas de conveniencia, pasillos, túneles, el camino de regreso a casa desde la escuela. No son panorámicas grandiosas, sino momentos íntimos y discretos que narran historias de soledad. En ese sentido, Seong Ryul pertenece a una larga tradición de artistas que encontraron lo extraordinario en lo ordinario, que convirtieron lo mundano en el territorio más fértil de la expresión artística.

La técnica: agua, pigmento e “infinitos píxeles”

La acuarela es el centro de su práctica, un medio que siente inseparable de su identidad. En una época dominada por imágenes digitales y generadas por inteligencia artificial, sus escenas delicadas ralentizan el tiempo, capturando paisajes cotidianos que han desaparecido o que algún día desaparecerán.

Lo que hace Seong Ryul con el agua y el pigmento trasciende la habilidad técnica. Está fascinado por el modo en que el pigmento se expande y se filtra a través del agua sobre el papel. Un solo color puede disolverse en infinidad de tonos según el movimiento del agua, creando lo que él describe como “píxeles infinitos”. El papel ha sido su medio principal por esta razón, aunque recientemente ha comenzado a experimentar con el lienzo para obtener una superficie más firme.

Su paleta es contenida y deliberada: los azules y verdes dominan y establecen el estado de ánimo, pero siempre aparece un detalle cálido que ancla la mirada. Un sombrero amarillo sobre una figura, una motocicleta roja en medio de una escena nevada, el naranja de un gato calico. Pequeños focos de calor en mundos de luz difusa que actúan como puntos de fuga visual, como señales que dirigen el ojo hacia lo que más importa.

Otro rasgo definitorio es la textura de grano o ruido sutil que aparece en casi todas sus obras. Este efecto otorga a sus ilustraciones un aspecto cinematográfico, como si cada imagen fuera un fotograma rescatado de una película nunca rodada, o una fotografía analógica revelada muchos años después. También destaca su dominio del encuadre y la profundidad: con frecuencia muestra perspectivas a través de ventanas, barandillas o tejados, dividiendo la imagen de un modo que hace sentir al espectador que observa un momento desde afuera, añadiendo misterio y capas narrativas a la escena.

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In the Summer: la obra que lo cambió todo

El primer gran punto de inflexión en su carrera llegó con un libro pequeño, casi discreto, que sin embargo sacudió el mundo del manga internacional. In the Summer es una publicación breve compuesta por dos historietas cortas: “In the Summer” y “A Panorama”, editadas por Munhak Dongne Publishing en 2020. Seong Ryul las trabajó mientras todavía cursaba sus estudios en el departamento de Animación.

Con esta obra, Seong Ryul ganó el Premio de Oro en la 16ª edición del Japan International Manga Award, un concurso organizado anualmente por el Ministerio de Asuntos Exteriores de Japón desde 2007. En esa edición compitieron 503 obras provenientes de 77 países y regiones, la tasa de participación más alta en la historia del certamen. Seong Ryul se convirtió así en el primer coreano en ganar el premio.

Un logro de esa magnitud a tan corta edad y con una obra creada durante los estudios universitarios dice mucho sobre la madurez artística de Seong Ryul. No era un artista que imitara estilos establecidos ni que buscara encajar en ninguna categoría existente. Desde el principio, su voz fue propia.

Más allá de la ilustración: colaboraciones entre disciplinas

La obra de Seong Ryul no se queda encerrada en los límites de la ilustración. Desde que se graduó, ha colaborado con artistas de campos muy diversos, entre ellos Cartoon Network, la cantante wolftyla, la DJ y productora Yaeji, y la cantante indie coreana Baek Yerin. Esta capacidad para moverse entre el arte visual, la música y la cultura popular lo posiciona como algo más que un ilustrador: es una voz estética transversal, alguien cuyo lenguaje visual resuena con igual fuerza en un álbum de música que en las paredes de una galería.

Sus composiciones fluidas, como pinturas aún en movimiento, invitan a los espectadores a llenar los espacios entre fragmentos familiares y oníricos con sus propias historias. Esa apertura narrativa es lo que lo hace tan valioso para otros creadores: sus imágenes no imponen un significado, lo sugieren. Son marcos vacíos que cada espectador llena con sus propios recuerdos.

Lo que sus imágenes nos dicen sobre el tiempo

Sus ilustraciones son una hermosa reflexión sobre la cultura coreana contemporánea: elegancia contenida, apreciación profunda de la naturaleza y la importancia de encontrar belleza en la simplicidad. Pero también son algo más universal. Son un recordatorio de que la belleza no vive en lo excepcional sino en lo que se repite, en lo que cada día ignoramos porque está demasiado cerca.

Sus paisajes en acuarela, con sus lavados suaves y sus pinceladas finas, despiertan recuerdos y sentimientos que a menudo olvidamos. Pueden llevarnos a lugares lejanos o devolvernos a momentos que se sienten familiares: una carrera por las calles, la luz y la sombra entre los callejones, la mezcla de vida cotidiana y ensoñación.

En ese espacio entre lo visible y lo recordado, entre el pigmento que se mueve sobre el papel mojado y la emoción que provoca en quien lo mira, es donde vive el arte de Seong Ryul. Un arte que no pretende ser monumental ni urgente. Que propone, simplemente, detenerse. Mirar. Recordar.

En un mundo que corre, eso es, quizás, el gesto más radical de todos.

Seong Ryul puede seguirse en Instagram como @sseongryul

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La respuesta llegó el 30 de septiembre de 1922 en Stuttgart. Tres bailarines. Doce danzas. Dieciocho trajes. Y una obra que no se parecía a nada que el mundo hubiera visto sobre un escenario.

Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Junio , 2026

El problema del cuerpo

Schlemmer no era coreógrafo. Era pintor, escultor y diseñador, obsesionado con una idea que la Bauhaus haría suya: que el arte no debía decorar la vida moderna sino reorganizarla. Y el cuerpo humano, con toda su carga expresiva y sentimental, era el último territorio sin ordenar.

La idea del Ballet Triádico comenzó a tomar forma en 1912, cuando Schlemmer conoció a los bailarines Albert Burger y Elsa Hötzel. Cuatro años después, en plena Primera Guerra Mundial, presentó los primeros bocetos en un evento de beneficencia de su regimiento en Stuttgart. La guerra no fue un paréntesis en el proyecto: fue parte de su contexto. Schlemmer observó de cerca cómo el cuerpo humano podía ser industrializado, serializado y desechado, y respondió a ese horror no con un grito sino con algo más perturbador: con orden. Con geometría. Con la proposición de que tal vez el cuerpo necesitaba ser repensado desde cero.

El Ballet Triádico fue su intervención sobre ese territorio.

El traje como destino

Los trajes que Schlemmer diseñó no buscaban liberar el movimiento sino transformarlo. Construidos con materiales poco convencionales —láminas metálicas, madera contrachapada, alambre, goma— convertían a los intérpretes en figuras abstractas: esferas que volvían las caderas en planetas, cilindros que transformaban los brazos en palancas mecánicas, conos que hacían de las piernas instrumentos de precisión. Los bailarines no interpretaban personajes. Se convertían en objetos con voluntad propia: esculturas que de pronto habían aprendido a desplazarse.

El proceso de creación era revelador. Schlemmer diseñó primero los trajes y luego buscó la coreografía que correspondía a ellos. La forma dictaba el movimiento, no al revés. Como él mismo lo describió: “Primero vino el traje, la figurina. Luego vino la búsqueda de la música que mejor les conviniese. La música y la figurina llevaron a la danza. Ese fue el proceso.”

Para la música del estreno de 1922 se usaron piezas preexistentes. Sería hasta 1926 cuando Paul Hindemith compuso una partitura original para la obra, que según los registros de la época oscilaba entre lo grotesco y el patetismo, añadiendo una dimensión espiritual a la puesta en escena.

Tres actos, tres mundos

El título no es arbitrario. Todo en la obra gira alrededor del número tres: tres bailarines, tres actos, tres atmósferas que avanzan de lo ligero hacia lo inquietante. Incluso el espacio escénico estaba concebido en tres dimensiones —altura, profundidad y anchura— y los trajes se construían a partir de tres formas básicas: esfera, cubo y pirámide.

El primer acto ocurre sobre fondo amarillo limón. El tono es burlesco, casi circense. Las figuras se mueven con una torpeza calculada que recuerda más a los autómatas de feria que a los bailarines del Bolshoi.

El segundo acto cambia todo. El rosa domina el escenario y el ambiente se vuelve ceremonial, festivo, casi ritual. Las mismas formas geométricas adquieren un peso distinto. Ya no son juguetes: son ídolos.

El tercer acto es el más extraño. Fondo negro. Figuras que brillan en la oscuridad. Lo que comenzó como experimento formal termina rozando lo místico, lo fantástico, lo que no tiene nombre todavía.

Schlemmer describió este juego de contrastes como una exploración de las ideas nietzscheanas de lo apolíneo y lo dionisíaco: la forma estricta y controlada frente al impulso emocional y expresivo. Una obra que era, en sus propias palabras, “matemáticas metafísicas artísticas.”

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Una máquina para pensar

MoMA señaló que construir sobre múltiplos de tres “trascendía el egoísmo del individuo y el dualismo de la pareja, enfatizando lo colectivo.” Esta lectura no es menor. El Ballet Triádico rompía con otra tradición del ballet clásico: su obsesión con el solista y el dueto. Aquí, la unidad mínima era el trío. El individuo solo existía en relación con los otros.

En ese sentido, la obra puede leerse también como una reflexión política sobre la modernidad. En plena era de industrialización, Schlemmer imaginó al ser humano como parte de un sistema ordenado de formas y relaciones espaciales. Sus personajes, a medio camino entre máquinas, marionetas y esculturas ambulantes, anticiparon muchas de las preguntas visuales que el arte contemporáneo no termina de resolver: ¿dónde termina el cuerpo y empieza el diseño? ¿Puede haber expresión sin rostro? ¿Qué queda de la danza cuando le quitas la emoción y le dejas solo la estructura?

Lo que dejó

Paradójicamente, el Ballet Triádico no fue celebrado en vida de su creador. Schlemmer murió en 1943 sin ver el reconocimiento que vendría décadas después. Fue hasta 1977, con la reconstrucción del coreógrafo alemán Gerhard Bohner —comisionada por la Academia de las Artes de Berlín— que la obra encontró su lugar en el canon de la vanguardia escénica.

Hoy, nueve de los dieciocho trajes originales sobreviven, siete de ellos resguardados en la Staatsgalerie de Stuttgart. Son, según cualquier curador que los haya visto de cerca, algunos de los objetos más extraños y futuristas que el arte del siglo XX produjo.

Su influencia es difícil de trazar porque es enorme y silenciosa. Está en cualquier artista que haya tratado al cuerpo humano como material visual antes que como vehículo emocional. En la moda experimental, en la escenografía contemporánea, en las artes performativas. En todo lo que se mueve entre la forma y la carne.

Más de cien años después de su estreno, la obra sigue sin pertenecer a ningún género. Sigue siendo inclasificable, incómoda, incluso un poco amenazante.

Eso, en el arte, es la mejor señal de que algo funcionó.

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Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Junio 2026

El campo de juego como lienzo

Cuando miramos una fotografía de Pelé en pleno vuelo o un mural de Maradona en Nápoles, entendemos instintivamente que estamos ante algo más que una imagen deportiva. Estamos ante arte en estado puro. El fútbol genera gestos, emociones y momentos que los artistas no pueden ignorar.

Artistas que pusieron el fútbol en el centro de su obra

Ángel Zárraga: el primer gran pintor del fútbol

El mexicano Ángel Zárraga (1886–1946) es considerado el primer gran pintor del fútbol. El propio artista escribió que su “salvación” financiera y espiritual fue la obra dedicada a temas deportivos, especialmente al fútbol, del que era fanático declarado. Artium

Andy Warhol y Pelé: pop art y gol

Andy Warhol y Pelé se conocieron en Studio 54, la discoteca más famosa de Nueva York, cuando el futbolista llegó a la ciudad para firmar un contrato de seis millones de dólares con el Cosmos. El artista encontró en él una estrella más para su firmamento artístico, y el resultado fueron sus icónicas serigrafías de Pelé, exhibidas años después en la Halcyon Gallery de Londres. El Universal

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Joan Miró: el Mundial como obra maestra

El cartel oficial del Mundial de España 1982 fue obra del artista catalán Joan Miró. Titulado La Fiesta, la pieza muestra un futbolista que se eleva hacia el cielo para conectar de cabeza con el balón, representado como una luna llena roja, con los colores de España como protagonistas. Artium

Gabriel Orozco: el balón como objeto artístico

El mexicano Gabriel Orozco se ha acercado varias veces al fútbol para hacer arte. Una de sus obras más conocidas es la fotografía Pelota ponchada (1993). Tres años después presentó una exposición en Londres y Nueva York que incluía imágenes de partidos del London Times, manipuladas digitalmente con figuras geométricas superpuestas para resaltar la belleza de los objetos en juego. El Universal

Nicolás de Staël: abstracción y juego

Nicolás de Staël, pintor francés de ascendencia rusa, tiene varias obras tituladas Futbolistas donde refleja la competición y el enfrentamiento en el campo utilizando una paleta de colores vibrante para transmitir la energía del juego. Revista Libero

Zidane en el cine: retrato del siglo XXI

En 2006, los artistas Pierre Huyghe y Philippe Parreno crearon una videoinstalación en torno a Zinedine Zidane titulada Zidane. 21st Century Portrait. El futbolista fue grabado por 17 cámaras de alta definición durante un partido del Real Madrid, y la obra fue exhibida en el Festival de Cannes y en la Feria de Arte Contemporáneo de Basilea. Artium

Antonio Berni y el arte latinoamericano

La obra Club Atlético Nueva Chicago (1937) de Antonio Berni es considerada una pieza clave dentro del arte futbolístico. Fue adquirida por el MoMA de Nueva York, aunque nunca fue exhibida públicamente por la institución. LA NACION

¿Por qué el fútbol seduce a los artistas?

Las pinturas de fútbol contemporáneas se han vuelto cada vez más populares en el mercado del arte por su capacidad de capturar la pasión y energía del deporte, atrayendo tanto a entusiastas del deporte como a conocedores del arte. Y es que el fútbol ofrece al artista elementos únicos: el cuerpo en movimiento, la emoción colectiva, la narrativa épica de héroes y caídas, y la identidad nacional concentrada en 90 minutos. ArtMajeur

Del estadio al museo

Las obras de artistas contemporáneos se aproximan al tema del fútbol desde perspectivas críticas, irónicas o subrayando su faceta de espectáculo de masas. La frontera entre la cancha y la galería es hoy más delgada que nunca. El Mundial no solo se juega con los pies. También se pinta, se esculpe y se proyecta en pantallas de los festivales de cine más importantes del mundo. Revistacodigo

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San Luis Potosí , S.L.P , Música · Folkgaze · Experimental · Bedroom pop

Instagram: @miguelavalos.zz

MA AVALOS es un proyecto que nace en 2023, inspirado inicialmente por las desilusiones amorosas y emociones propias de la adolescencia. Sin embargo, fue el 25 de diciembre de 2024 cuando tomó un rumbo más serio y personal, desde una ambulancia, mientras trabajaba como paramédico observando de cerca las historias, heridas y silencios que muchas personas cargan sin contarlos.

Fue ahí donde nació la necesidad de hacer música que no busque ser perfecta, sino íntima y sincera. Bajo la frase “No tengas miedo de expresar lo que está dentro de ti”, su sonido mezcla elementos del folkgaze con atmósferas envolventes, sonidos experimentales y una sensibilidad melancólica. Utilizando principalmente guitarra acústica, produce y graba cada instrumento desde su cuarto, construyendo canciones tranquilas, honestas y emocionales.

Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Junio 2026

━ PROYECTOS EN DESARROLLO ━

[01] EP · Disponible ahora

“Sobredosis”

Su más reciente EP condensa todo el universo emocional del proyecto: capas de guitarra acústica grabadas en cuarto propio, atmósferas envolventes y una lírica que no busca la perfección sino la verdad. Sobredosis es el ejemplo más claro de hacia dónde apunta el sonido de MA AVALOS.

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No lo es.

El periodismo cultural no es la sección donde se anuncian conciertos ni la columna que resume quién ganó el premio más importante del año. Es algo más difícil, más necesario y mucho menos común: es el periodismo que trata la cultura como lo que es — un territorio donde las sociedades se piensan a sí mismas.

En una época donde el contenido lo ocupa todo y el análisis escasea, entender qué es realmente el periodismo cultural no es un ejercicio académico. Es una urgencia.

Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Mayo 2026

Qué es el periodismo cultural, de verdad

El periodismo cultural es la práctica de documentar, analizar y contextualizar los fenómenos que ocurren en el ámbito del arte, el pensamiento y la creatividad. Cubre desde movimientos artísticos y obras literarias hasta debates filosóficos, dinámicas del mercado del arte, políticas culturales y los sistemas de poder que deciden qué se considera cultura legítima y qué no.

La diferencia con el periodismo de espectáculos es de fondo, no de forma. El periodismo de espectáculos informa: da fechas, nombres, resultados. El periodismo cultural interpreta: pregunta qué significa, por qué ahora, para quién, con qué consecuencias.

Un artículo sobre una exposición que describe lo que hay en las paredes es periodismo de espectáculos. Un artículo que analiza por qué esa exposición existe en ese museo en este momento político es periodismo cultural.

La diferencia no está en el tema. Está en la pregunta que se hace.

El enemigo silencioso: el contenido

En los últimos diez años, la palabra contenido colonizó el mundo editorial. Todo se volvió contenido: los artículos, los podcasts, los videos, las reseñas. Y con ese cambio de vocabulario vino un cambio de lógica.

El contenido se produce para ser consumido rápido, compartido fácil y olvidado pronto. Se optimiza para el algoritmo, no para el lector. Se mide en clics, en retención, en conversiones. Y cuando esa lógica entra a la cobertura cultural, el resultado es predecible: listas de los diez mejores, perfiles superficiales de artistas en tendencia, reseñas que no dicen nada para no incomodar a nadie.

El periodismo cultural genuino va en dirección opuesta. No llena espacios: los cuestiona. No sigue tendencias: las examina. No le teme a la incomodidad porque entiende que la cultura es, entre otras cosas, el territorio donde una sociedad procesa sus contradicciones.

Eso no se hace con contenido. Se hace con criterio editorial, con tiempo, con voces que saben de lo que hablan y con medios dispuestos a publicar cosas que no garantizan viralidad.

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El periodismo cultural en crisis (y por qué no es una sorpresa)

No es un secreto: los suplementos culturales desaparecieron de los grandes diarios. Las revistas especializadas cerraron. Las redacciones que sobrevivieron recortaron primero las plazas de críticos y cronistas culturales, porque esas coberturas “no generan tráfico”.

El problema no es económico solamente. Es de valores. Cuando un medio decide que la cultura no justifica inversión editorial, está tomando una posición: que lo que el arte y el pensamiento tienen que decir no merece el mismo rigor con el que se cubre la bolsa de valores o las elecciones.

Esa posición tiene consecuencias. Y las estamos viendo.

La buena noticia — si se puede llamar así — es que el vacío generó respuesta. En los últimos años han surgido medios culturales independientes que hacen exactamente lo que los grandes medios dejaron de hacer: periodismo cultural con criterio propio, sin depender de anunciantes que prefieren cobertura amable, sin agendas institucionales que dictan qué se puede criticar.

Son medios pequeños, muchas veces sostenidos por sus propias comunidades. Pero están haciendo el trabajo.

Qué necesita el periodismo cultural para sobrevivir

Tres cosas, básicamente:

Independencia editorial real. No hay periodismo cultural genuino donde hay intereses que proteger. El medio que no puede criticar a quien lo financia no puede hacer periodismo cultural serio. La independencia no es un lujo — es la condición mínima.

Comunidad que lo sostenga. Los modelos publicitarios tradicionales no funcionan para medios culturales independientes. Lo que funciona es la audiencia que entiende el valor de lo que lee y decide sostenerlo directamente. Las suscripciones, las donaciones, el apoyo de lectores: eso es lo que mantiene vivos a los pocos medios que quedan haciendo esto bien.

Voces que se arriesguen. El periodismo cultural requiere tener una postura. No neutralidad performativa, sino criterio real. Eso implica riesgo — publicar análisis que incomoden, cubrir lo que nadie más está cubriendo, darle espacio a perspectivas que no tienen representación en los medios establecidos.

Una última cosa

Si llegaste hasta aquí es probablemente porque te importa esto. Porque te parece que la cultura merece más que notas de agenda y reseñas sin dientes.

En Catarxis llevamos cinco años haciendo exactamente eso: periodismo cultural independiente, sin depender de ninguna marca, institución o agenda que no sea nuestra propia convicción de que el arte y la creatividad merecen el mismo rigor con el que se cubre cualquier otra cosa que importa.

Si quieres leer periodismo cultural que no trata al lector como consumidor, suscríbete aquí. Es gratis. Y si quieres ir más lejos, hay formas de ser parte de lo que estamos construyendo.

Catarxis es una revista editorial independiente especializada en arte, cultura y creatividad contemporánea. Publicamos desde 2020.

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Es una idea romántica. Y es, en gran medida, falsa.

El ojo estético no es innato: se entrena. Y lo mejor es que no hace falta saber pintar, ni tener formación artística, ni visitar museos con una libreta bajo el brazo. Solo hace falta empezar a prestar atención de otra manera.

“Ver bien no es una habilidad pasiva. Es un acto deliberado que se aprende como cualquier otro.”

Primero: la diferencia entre mirar y ver

Miramos todo el tiempo. Vemos pocas veces. Mirar es registrar, ver es procesar. Cuando miras una silla, tu cerebro la etiqueta como “silla” y pasa de largo. Cuando la ves, notas el ángulo de las patas, la tensión entre la madera y el vacío, si el respaldo invita o aleja. Eso es ver.

El primer ejercicio para desarrollar el ojo estético es disruptivo: cuando algo te guste —una foto, una portada, un escaparate, un plato de comida— detente y pregúntate por qué. No “qué hay en la imagen” sino “qué está haciendo esta imagen para producirme esto”. La diferencia es enorme.

Coleccionar con intención

El algoritmo ya te conoce. Sabe qué imágenes te hacen parar el scroll, qué paletas de color te hipnotizan, qué tipografías te resultan sofisticadas. El problema es que ese conocimiento es suyo, no tuyo.

Construir un archivo visual propio —en Pinterest, en una carpeta del escritorio, en cuadernos físicos si prefieres— es uno de los gestos más poderosos para desarrollar conciencia estética. No se trata de guardar “cosas bonitas”. Se trata de empezar a detectar los patrones de lo que a ti te mueve y por qué.

Con el tiempo, ese archivo se vuelve un espejo. Te revela que siempre te atraen los espacios con mucho blanco y un solo objeto extraño. Que las fotografías que guardas casi siempre tienen luz lateral. Que odias el diseño simétrico pero te encanta cuando algo está deliberadamente descentrado. Eso es conciencia estética.

“Tu gusto ya existe. Solo necesitas hacerlo visible para ti mismo.”

Aprender el vocabulario sin ir a la escuela

No necesitas un MFA. Pero sí ayuda tener palabras para lo que percibes. Conceptos como contraste, ritmo, tensión, jerarquía visual, espacio negativo, o temperatura de color no son jerga académica: son herramientas para pensar. Una vez que sabes que lo que te molesta de cierto diseño es la falta de jerarquía visual, puedes nombrarlo, analizarlo y, si creas algo, evitarlo.

El vocabulario estético se adquiere de forma lateral: leyendo sobre diseño, viendo entrevistas con directores de fotografía, escuchando a músicos hablar de sus influencias, o simplemente prestando atención a cómo las personas con criterio describen lo que hacen. El lenguaje transforma la percepción difusa en pensamiento preciso.

La incomodidad como maestro

Una trampa del gusto es la zona de confort estética: solo consumir lo que ya sabemos que nos va a gustar. Pero el ojo se afina también por contraste y extrañeza. Ver arte que no entendemos, entrar a exposiciones que nos generan rechazo, escuchar música que nos parece fea: todo eso, si se hace con curiosidad en lugar de desdén, educa la percepción.

La pregunta no es “¿me gusta?” sino “¿qué está intentando hacer esto?”. Esa pregunta cambia la posición del espectador: de juez a investigador.

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El ojo estético en la vida cotidiana

La estética no vive solo en los museos. Está en cómo pones la mesa. En la fuente que eliges para el documento de trabajo. En cómo organizas los objetos en tu escritorio. En si la luz de tu habitación es cálida o fría y lo que eso hace con tu estado de ánimo.

Desarrollar el ojo estético es, en el fondo, prestar más atención a la experiencia sensorial de estar vivo. No para volverse esnob ni para juzgar el gusto ajeno, sino para habitar el mundo con más conciencia y, quizás, con más placer.

No se necesita talento para eso. Solo disposición.

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Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Junio, 2026

Circulart 2026 ya arrancó. Desde el 4 y hasta el domingo 7 de junio, Medellín acoge la decimoséptima edición del mercado musical más importante de Iberoamérica — y todavía estás a tiempo de vivirlo.

¿Qué es Circulart?

En un mundo que mide la música en reproducciones, Circulart la escucha. Es el único mercado de la región donde la identidad cultural de un artista no es un obstáculo de nicho: es su mayor activo. Durante 17 años ha conectado a artistas con raíces propias con programadores y escenarios de todo el mundo, con el respaldo de la Alcaldía de Medellín, Comfama y el Ministerio de las Culturas de Colombia.

Los conciertos: entrada libre con inscripción previa

El Festival Showcases reúne 27 presentaciones en vivo de artistas de 11 países hoy viernes 5, mañana sábado 6 y el domingo 7 de junio en dos sedes: el Teatro Comfama Alfonso Restrepo Moreno (4:30 p.m. – 6:30 p.m.) y el Teatro Pablo Tobón Uribe (7:30 p.m. – 12:00 a.m.). Son abiertas al público con inscripción previa en www.circulart.org.

El cartel incluye a El David Aguilar, Belén Ruiz y Dantor (México); Assucena y Uli Costa (Brasil); Linxes (Argentina); Paulina Pérez y Trama (Chile); F-Mack (Haití); La Zorra Zapata (Perú); y por Colombia: Ferales, Bajo Tierra, Killabeatmaker, Changó, Cuba Libre Son Band y Selene, entre otros.

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IA, derechos digitales y música para cine

El Seminario de Derechos Digitales (SEDD) centra este año su mirada en la inteligencia artificial y su impacto en la creación y los derechos musicales, con expertos de Brasil, Argentina, México, Italia y España. Este sábado 6 de junio, el Circulart Lab (9:00 a.m. – 1:00 p.m., Claustro de Comfama) reúne a compositores para cine y supervisores musicales para hablar de música en medios audiovisuales y producción con IA.

Hoy: la Ley de la Música en debate

Esta tarde, a las 7:00 p.m. en el Café del Teatro Pablo Tobón Uribe, el representante a la Cámara Daniel Carvalho y el director de Circulart, Octavio Arbélaez, conversarán sobre la Ley de la Música en Colombia. Entrada libre.

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Ciudad de México, México · Música · Bolero moderno·Folk·Bossa nova

Instagram: @luismaum.oficial

Luis Maum es músico y compositor mexicano cuyo trabajo parte de una premisa simple y necesaria: canciones que hablen del amor con honestidad. Su sonido mezcla bolero moderno, lofi, folk y bossa nova — cálido y nostálgico, pero con un lenguaje actual.

En 2024, una de sus composiciones ganó el concurso “La Canción del Buen Amor” de la Secretaría de Cultura de la CDMX, semilla de lo que hoy se convierte en su primer álbum conceptual.

Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Abril 2026

━ PROYECTOS EN DESARROLLO ━

[01] Sencillo · Amor Bonito — disponible ahora

El primer corte de su álbum debut ya está disponible en plataformas. Una introducción al universo sonoro y emocional que Luis Maum construye alrededor del “buen amor”: ese que se elige, se cuida y crece con el tiempo.

[02] Álbum conceptual · Amor Bonito — en desarrollo

Un álbum que explora el amor no solo en su versión romántica, sino en todas sus formas: el amor propio, el colectivo, el que construye. Una propuesta que invita a reflexionar sobre cómo amamos — y cómo podríamos amar mejor.

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Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Mayo 2026

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Un vacío que se llena

Hasta la aparición de este libro, el videoarte boliviano existía como práctica pero no como discurso escrito. No había genealogía, no había archivo accesible, no había terminología compartida. El libro asume esa deuda y la salda con una doble estrategia: por un lado, ofrece aproximaciones teóricas que sitúan la producción local dentro de debates más amplios sobre imagen electrónica, hibridación de lenguajes y nuevos medios; por otro, construye una videografía catalogada que funciona como inventario de obras y artistas. La intención declarada en el prólogo fue la de “construir conocimiento y realidad” para aproximarse de forma plural y multidisciplinaria al videoarte en Bolivia, desde el rastreo histórico hasta su posibilidad lingüística, pasando por las mutaciones, migraciones e hibridaciones que este ha ido sufriendo.

Estructura y enfoque

La investigación no busca una historia lineal ni un relato heroico. Parte del reconocimiento de que el videoarte en Bolivia es un fenómeno con bordes difusos: atravesado por la performance, la danza, la instalación y el cine experimental, resistente a definiciones cerradas. Por eso la catalogación opera con múltiples categorías —video performance, video danza, video instalación, video de producción y video artístico o autorreferencial— que permiten dar cuenta de esa diversidad sin aplanarla.

Relevancia regional

En el contexto latinoamericano, donde países como Argentina, Brasil o México cuentan con una bibliografía consolidada sobre sus respectivas escenas de videoarte —como el trabajo de Laura Baigorri en Vídeo en Latinoamérica: una historia crítica (2006) o las publicaciones del festival Videobrasil desde los años ochenta—, Bolivia llegaba tarde pero con una ventaja: podía aprender de esos modelos y construir algo propio. Este libro lo hace con honestidad intelectual, sin inflar una escena ni invisibilizarla. Es, en ese sentido, un acto de legitimación cultural que excede lo académico.

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En Catarxis FM estamos buscando nuevos programas, podcasts y proyectos de audio para integrarse a nuestra barra de programación.

Si eres artista, periodista, escritor, investigador, creador de contenido, gestor creativo o simplemente tienes una perspectiva única que compartir, queremos escucharte.

No buscamos celebridades ni grandes producciones.

Buscamos voces auténticas.

¿Qué es Catarxis FM?

Catarxis FM es una radio online independiente y plataforma de audio nacida del universo editorial de Catarxis.

Desde 2020 trabajamos en la difusión de proyectos relacionados con el arte, la creatividad, la música, el pensamiento contemporáneo y las nuevas formas de comunicación.

Nuestro objetivo es crear un espacio donde las ideas encuentren audiencia y donde los creadores puedan desarrollar proyectos sonoros con libertad editorial.

¿Quién puede participar?

Esta convocatoria está abierta para:

• Podcasts independientes

• Programas de radio online

• Periodistas y comunicadores

• Artistas visuales y multidisciplinarios

• Escritores y narradores

• Investigadores y divulgadores

• Gestores culturales y comunitarios

• Productores de contenido creativo

• Colectivos artísticos

• Personas con una propuesta original de audio

No importa si tu audiencia es pequeña.

Nos importa que tengas algo genuino que decir.

¿Qué tipo de programas buscamos?

Nos interesan propuestas relacionadas con:

• Arte y procesos creativos

• Música y escenas independientes

• Literatura y narrativa

• Cine y medios audiovisuales

• Sociedad y pensamiento contemporáneo

• Entrevistas

• Crónica sonora

• Ensayo sonoro

• Conversaciones especializadas

• Historias documentales

• Experimentación sonora

También estamos abiertos a formatos híbridos y propuestas difíciles de clasificar.

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¿Cómo funciona?

Tú creas el contenido

Mantienes el control creativo de tu programa.

Puede ser grabado o transmitido en vivo.

Nosotros apoyamos la producción

Catarxis FM realiza la edición, programación y distribución dentro de la plataforma.

Alcance y difusión

Tu proyecto formará parte del ecosistema de Catarxis, llegando a una comunidad interesada en arte, creatividad, música e ideas contemporáneas.

Sostenimiento comunitario

Solicitamos una contribución mensual de $6 USD destinada exclusivamente al mantenimiento y crecimiento de la plataforma.

La contribución no es una tarifa de publicación.

Es una forma de sostener colectivamente un espacio independiente para la creación sonora.

¿Por qué formar parte de Catarxis FM?

Porque creemos que las voces independientes necesitan espacios independientes.

Aquí no competimos por algoritmos virales.

Construimos comunidad.

Si tienes una propuesta sólida, una mirada propia y ganas de crear algo significativo, Catarxis FM puede convertirse en el hogar de tu proyecto.

Cómo aplicar

Envía un correo a:

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Asunto:

Catarxis FM — Propuesta de Programa

Incluye:

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2. Descripción breve

3. Público al que está dirigido

4. Frecuencia de publicación

5. Enlace a material previo (opcional)

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Durante mis años de estudio y práctica espiritual y esotérica, me he encontrado con diferentes perspectivas sobre el enojo. Principalmente se le ve como este monstruo al que se debe vencer: una emoción que se debe ignorar, superar e incluso reprimir o dominar. Y eso siempre me hizo sentir profundamente intrigada.

Sobre todo, al ir educándome más acerca de lo que son y no son las emociones, yo pensaba: bueno, si las emociones sólo son información y no son ni buenas ni malas, ¿por qué en los espacios espirituales las seguimos clasificando así? Como de alta vibración o baja vibración.

Para mí, eso seguía siendo una escala de emociones aceptables e inaceptables. Y bueno, si se han dado el permiso de sentir enojo, no me parece que sea para nada vibrar bajo… yo siento hasta una erupción de energía.

Columnista: Marcela Ferriño Morillón | Ramos Arizpe, MX | Mayo 2026

Cuando el enojo se vuelve el vehículo de tu voz

Por lo menos en mi experiencia, que es desde donde mayormente me doy permiso de escribir, el enojo ha sido ese vehículo de cambio. Ha sido ese transporte donde iba montado mi ¡No!

Ha sido el lugar al que me subí para poder recuperar mi voz, mi autonomía y el motor de mi transformación.

Cuando la tristeza me informaba que no estábamos en un lugar recíproco o justo, llegaba el enojo para darme ese segundo de coraje necesario para decidir un camino diferente.

En consulta.

El tema aquí es que el enojo es necio: no se va. Se queda acampando en el cuerpo, en la mente, en el estómago, en los intestinos, en los hombros, en la espalda.

He visto en consulta enojos tan viejos que se fusionaron con la tristeza y se vuelven aplastantes, debilitantes. He visto enojos tan reprimidos que convierten a una persona en tapete, donde se prefiere usar el enojo como riendas contra las propias necesidades.

También he visto al enojo ser cerillo y gasolina cuando uno se deja envolver sólo por él, porque es seductor también. Y puedo entender por qué incluso maestros espirituales antiguos y modernos le tienen ese miedo disfrazado de respeto.

Sobre todo, muchas corrientes influenciadas por la llamada new age han buscado aniquilarlo, con esta creencia poco sabia de que es únicamente una fuerza de destrucción y no de transmutación.

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La integración de la sombra: aceptar lo incómodo también es espiritual

Cuando empecé a buscar una conexión más profunda conmigo, para conocerme e ir perfeccionando mi práctica espiritual, llegué al hermoso trabajo propuesto por Carl Gustav Jung llamado integración de la sombra.

La sombra, como arquetipo, es ese conjunto de partes de nosotros que tratamos de esconder, incluidas las reacciones a nuestras emociones incómodas.

Y es que esta palabra es clave: reacción.

Ese es el detalle… la reacción de uno, no la emoción incómoda en sí.

Aprender a hacer una pausa, Cuando el enojo toca la puerta.

Y la pregunta del millón: si el enojo es una emoción y por lo tanto no es buena ni mala, entonces ¿Cómo carajos puede ser un vehículo para la espiritualidad?

Aquí tenemos una respuesta de esas que se leen súper simples, pero que en la práctica son bastante retadoras. De esas respuestas que, cuando se aplican, te hacen crecer.

Cuando el enojo toca la puerta, lo primero que tenemos que hacer es pausar.

Así es, mis estimados lectores: hacer una pausa y darle entrada. Permitirle habitar el espacio y, en esa pausa, preguntarle:

¿Qué me vienes a informar?

¿Por qué me vienes a visitar?

¿Qué no estoy viendo?

Y permitirle desahogarse.

Habitar el enojo requiere espacio: espacio físico de otras personas, espacio mental y espacio emocional para no querer cubrirlo con otra emoción o, peor aún, con la racionalización, la justificación o la represión.

El enojo tiene un elemento físico muy potente, por eso puede llegar a lastimar. Pero también se puede encaminar hacia formas de expresión más enriquecedoras, y desde ahí accionar cambios.

3 formas de procesar de forma segura el enojo.

1. Bailar.

2. Cantar.

3. Escribir exactamente que sientes y todo lo que estas pensando, después de eso puedes romper la hoja y tirarla a a basura.

Reconocer que los cambios importantes en la vida personal y en la sociedad vienen del enojo bien manejado lo integra en una práctica espiritual más honesta y completa que sólo buscar las good vibes.

Les invito a que seamos como el mitológico fénix: que si alguna vez nos dejamos consumir por el enojo, que sea para un renacimiento espectacular.

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Estado de México, México · Música · Fusión latinoamericana

Instagram: @steffiebelttoficial

Stefanía Beltrán Villa, conocida como Steffie Beltt o “La Voz de Fuego”, es cantante y compositora de Ciudad de México con raíces cubanas y operáticas. Con más de una década de carrera, ha compartido escenario con los ganadores del Grammy Chick Corea y Bobby McFerrin, ganado el Hollywood Songwriting Contest y agotado el Lunario del Auditorio Nacional en dos ocasiones. Su música transita del blues a la fusión latinoamericana, usando cada álbum como un territorio de exploración emocional y social.

Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Abril 2026

━ PROYECTOS EN DESARROLLO ━

[01] Nueva era · Álbum en construcción (2026)

El show Raíces en el Lunario (2025, sold out) marcó el inicio de una nueva etapa creativa. Lo que viene en 2026 es el álbum que consolida ese nuevo yo artístico — actualmente en desarrollo, como punto de llegada de todo lo explorado hasta hoy.

[02] Lunes de Petición · Lives solidarios cada semana en TikTok Cada lunes, Steffie canta en vivo peticiones de su comunidad y dona lo recaudado a fundaciones: Chocho (oncología infantil), Fundación Cáncer de Mama y Toby (rescate animal). Las regalías de su canción “Los Olvidados” van íntegramente a Fundación Toby.

@steffiebelttTodos los lunes te esperamos en Lunes de Petición 🤍 Un espacio para unirnos y apoyar a diferentes fundaciones como Fundación Toby, Fundación Fucam, Fundación Chocho y muchas más. ¡Súmate y hagamos la diferencia! ✨

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“La propuesta no tiene la intención de apaciguar o tapar heridas,

sino abrirlas para sanarlas en lo colectivo.”

— Steffie Beltt

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The regular submission deadline will remain open from December 1, 2025 through May 31, 2026, while the late deadline closes on June 7, 2026. Selected projects will be announced in September 2026 and will become part of the festival’s official program taking place from November 4–8, 2026 in York, England, followed by an extended digital edition running through November 30.

ASFF welcomes short films and audiovisual experiences across a wide range of categories that reflect the diversity of contemporary cinema. Accepted categories include animation, documentary, drama, experimental, fashion film, music video, thriller, comedy, dance film and artists’ film. The festival also continues to expand its immersive programming through VR experiences and 360° storytelling, positioning itself as an important platform for emerging digital narratives and hybrid audiovisual formats.

One of the festival’s strongest appeals lies in its international reach and its reputation for supporting emerging talent within the film industry. Previous ASFF participants have gone on to receive recognition at major institutions and festivals including BAFTA, Sundance, SXSW and the Academy Awards. In addition to awards and industry exposure, the festival provides networking opportunities with producers, distributors, curators and creative professionals from across the global film landscape.

Festival organizers confirmed that all submitted films must have a maximum runtime of 30 minutes. Projects produced in languages other than English are required to include English subtitles. All entries must be submitted through FilmFreeway, one of the industry’s leading festival submission platforms.

Beyond its official screenings and competitions, ASFF is widely recognized for its professional development program, which includes masterclasses, industry talks, workshops and collaborative spaces designed for filmmakers, musicians, digital artists and immersive media creators.

By blending independent cinema, artistic experimentation and technological innovation, the Aesthetica Short Film Festival continues to establish itself as one of the most relevant platforms for discovering the future voices of contemporary filmmaking.

Source:

https://www.asff.co.uk

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El reconocido Aesthetic Short Film Festival (ASFF), organizado por Aesthetic , anunció oficialmente la apertura de su convocatoria internacional para la edición 2026, invitando a cineastas, artistas visuales, creadores inmersivos y narradores digitales de todo el mundo a presentar sus proyectos para formar parte de uno de los festivales de cine independiente más importantes del Reino Unido. (Aesthetic a Short Film Festival -)

Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Mayo 2026

La convocatoria estará abierta desde el 1 de diciembre de 2025 hasta el 31 de mayo de 2026 en su etapa regular, mientras que la fecha límite tardía cerrará el 7 de junio de 2026. Los proyectos seleccionados serán anunciados en septiembre de 2026 y formarán parte de la programación oficial del festival, que se celebrará del 4 al 8 de noviembre de 2026 en la ciudad de York, Reino Unido, además de contar con una versión digital extendida hasta el 30 de noviembre.

ASFF acepta cortometrajes y experiencias audiovisuales en múltiples categorías que reflejan la diversidad del cine contemporáneo. Entre ellas destacan: animación, documental, drama, experimental, fashion film, videoclips, thriller, comedy, dance film y artists’ film. Asimismo, el festival mantiene abierta su sección dedicada a experiencias VR, proyectos inmersivos y videos 360°, consolidándose como una plataforma clave para las nuevas narrativas digitales y formatos híbridos.

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Uno de los aspectos más atractivos de la convocatoria es su enfoque internacional y su capacidad para impulsar carreras emergentes dentro de la industria audiovisual. Cineastas que anteriormente participaron en ASFF han logrado posteriormente reconocimiento en espacios como los premios BAFTA, Sundance, SXSW e incluso los Premios Oscar. Además, el festival ofrece premios económicos, visibilidad editorial y oportunidades de networking con productores, distribuidores y profesionales del sector creativo.

Los organizadores informaron que todos los cortometrajes deberán tener una duración máxima de 30 minutos y que las producciones en idiomas distintos al inglés deberán incluir subtítulos. Las inscripciones se realizan a través de la plataforma FilmFreeway, una de las principales redes de distribución y convocatorias para festivales cinematográficos internacionales.

MANDA TU PROYECTO AQUI

Además de las competencias oficiales, ASFF también destaca por sus actividades paralelas enfocadas en formación profesional, clases magistrales, encuentros de industria y espacios de colaboración creativa entre realizadores, músicos, artistas digitales y desarrolladores de nuevas tecnologías audiovisuales.

Con un perfil que mezcla cine independiente, innovación tecnológica y exploración artística, el Aesthetica Short Film Festival continúa consolidándose como una vitrina esencial para descubrir nuevas voces dentro del panorama audiovisual contemporáneo.

Source Fotografías:

https://www.asff.co.uk

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“No puedes agotar la creatividad. Cuanto más la usas, más tienes.”

— Maya Angelou

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Nos leemos en la próxima edición. Hasta entonces, deja espacio para la curiosidad: muchas veces, las mejores ideas llegan cuando dejamos de perseguirlas.

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(Roza Miztika & Darmani IV)

San Luis Potosí, México · Música · Gestión cultural

Instagram: @vinylboxslp

Vinyl Box es la dupla de DJs, gestores culturales y coleccionistas de vinilos conformada por Roza Miztika & Darmani IV desde 2020, con sede en San Luis Potosí, México. Organizan el encuentro y fiesta de vinilos más grande de su ciudad en el Museo Leonora Carrington, con invitados locales, nacionales e internacionales.

En su más reciente gira por Europa representaron a México en Madrid, Barcelona, Lyon, París y Donostia; en 2025 se presentaron en Canadá.

Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Abril 2026

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━ PROYECTOS EN DESARROLLO ━

[01] Agenda activa · Tarimas cada fin de semana Cada fin de semana, Vinyl Box se presenta en distintos puntos de San Luis Potosí y México — construyendo comunidad alrededor del vinilo en vivo, disco a disco.

[02] Encuentro de Vinilos SLP · Museo Leonora Carrington

El evento de vinilos más grande de San Luis Potosí, que Vinyl Box organiza y protagoniza cada año junto a invitados de todas partes del país y del mundo.

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No es nostalgia. Es otra cosa. Es más urgente.

English Version

Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Mayo 2026

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El mundo voltea a ver al sur

Durante décadas, el canon del arte “relevante” llegaba de Nueva York, Berlín o Londres. Lo latinoamericano era exótico en el mejor de los casos, folclórico en el peor. Algo que decoraba bienales pero rara vez las definía.

Eso está cambiando — y con una velocidad que sorprende incluso a quienes lo están viviendo desde adentro.

Festivales como el Latin American Design Festival, la Mexico Design Week o la Cairo Design Week están poniendo sobre la mesa una pregunta que la industria global ya no puede esquivar: ¿qué pasa cuando las culturas que siempre fueron “inspiración” para otros empiezan a hablar por sí mismas?

La respuesta, resulta, es que pasa algo muy poderoso.

Identidad no es decoración

El error más común al hablar de arte e identidad cultural es confundir lo uno con lo otro: meter simbología indígena en un póster, poner colores de bandera en una tipografía y llamarlo “arte latinoamericano”. No funciona así — y los artistas más interesantes de la región lo saben.

Lo que está emergiendo es algo más honesto y más difícil de lograr: un lenguaje visual que no ilustra la cultura, sino que viene de ella. Que no la representa, sino que la habita.

Pienso en ilustradoras mexicanas que construyen mundos donde la muerte no da miedo porque siempre fue parte del vecindario. En fotógrafas colombianas que retratan la violencia sin espectacularizarla, con la calma de quien creció conviviendo con ella. En diseñadores argentinos que mezclan la austeridad del cartel político con la saturación de la cumbia, porque en su imaginario ambas cosas siempre coexistieron.

Eso no se aprende en una escuela de diseño en Europa. Se vive.

Pertenencia, no patriotismo

Hay una distinción que vale la pena hacer — y que los propios creadores repiten cuando se les pregunta por su trabajo.

Crear desde la identidad cultural no es un acto patriótico. No es agitar una bandera ni reivindicar una superioridad. Es, en todo caso, lo contrario: es un acto de vulnerabilidad. Es decir “esto es de donde vengo, esto me formó, y no tengo por qué esconderlo para que mi trabajo sea tomado en serio.”

En un mundo donde los algoritmos tienden a borrar las particularidades para servir contenido universalmente digerible, apostar por lo propio es casi un acto de resistencia.

Y curiosamente, funciona. Las piezas más locales suelen ser las más universales — porque la especificidad toca algo que el contenido genérico nunca puede.

La creatividad latinoamericana como ecosistema

Lo que está pasando no es solo un fenómeno de artistas individuales. Es un ecosistema que se está consolidando: escuelas, colectivos, plataformas, festivales, mercados de diseño, publicaciones digitales (sí, como esta) que están construyendo una infraestructura para que ese talento no tenga que emigrar para existir.

Por primera vez en mucho tiempo, hay condiciones para que un artista en Oaxaca, en Medellín, en La Paz o en San Juan pueda construir una carrera relevante sin necesidad de validarse en otra latitud.

Eso es nuevo. Y es importante.

Lo que viene

No es difícil ver hacia dónde se mueve todo esto. El mercado global del arte y el diseño está hambriento de autenticidad — precisamente porque el contenido producido en masa, amplificado por IA, ha vaciado de sentido buena parte de lo visual que nos rodea.

En ese contexto, lo que tiene historia, lo que tiene territorio, lo que tiene cuerpo, vale más.

Latinoamérica tiene todo eso en abundancia. Lo que está aprendiendo — lo que está ejerciendo — es el derecho a contarlo en sus propios términos.

¿Conoces a un artista o colectivo latinoamericano que debería aparecer en Catarxis?

Escríbenos — siempre estamos buscando voces que merezcan ser amplificadas.

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English Version

Creating from the Roots: Latin American Art and the Return to Identity

Columnist: Yael Hervert | Tampa, FL | May 2026

Something is happening in the studios, the workshops, the murals of Latin American cities — and it can no longer be ignored. Artists across the region are stopping looking outward for answers. Instead, they’re turning inward: toward the grandmother who embroidered, toward the market of impossible colors, toward the myths no one taught them in school but that they learned in the kitchen.

This isn’t nostalgia. It’s something else. Something more urgent.

The World Turns South

For decades, the canon of “relevant” art arrived from New York, Berlin, or London. Latin American work was exotic at best, folkloric at worst. Something that decorated biennials but rarely defined them.

That is changing — and at a speed that surprises even those living it from the inside.

Festivals like the Latin American Design Festival, Mexico Design Week, and Cairo Design Week are putting a question on the table that the global industry can no longer avoid: what happens when the cultures that were always someone else’s “inspiration” start speaking for themselves?

The answer, it turns out, is that something very powerful happens.

Identity Is Not Decoration

The most common mistake when talking about art and cultural identity is confusing the two: plugging indigenous symbolism into a poster, adding flag colors to a typeface, and calling it “Latin American art.” It doesn’t work that way — and the most interesting artists in the region know it.

What’s emerging is something more honest and harder to achieve: a visual language that doesn’t illustrate culture, but comes from it. That doesn’t represent it, but inhabits it.

Think of Mexican illustrators building worlds where death isn’t frightening because it was always part of the neighborhood. Of Colombian photographers capturing violence without spectacularizing it, with the calm of someone who grew up living alongside it. Of Argentine designers mixing the austerity of political posters with the saturation of cumbia, because in their imagination both things always coexisted.

That is not something you learn at a design school in Europe. You live it.

Belonging, Not Patriotism

There’s a distinction worth making — one that creators themselves repeat when asked about their work.

Creating from cultural identity is not a patriotic act. It’s not waving a flag or claiming superiority. If anything, it’s the opposite: it’s an act of vulnerability. It’s saying “this is where I come from, this shaped me, and I don’t have to hide it for my work to be taken seriously.”

In a world where algorithms tend to erase particularities to serve universally digestible content, betting on the local is almost an act of resistance.

And curiously, it works. The most local pieces tend to be the most universal — because specificity touches something that generic content never can.

Latin American Creativity as an Ecosystem

What’s happening isn’t just a phenomenon of individual artists. It’s an ecosystem that is consolidating: schools, collectives, platforms, festivals, design markets, digital publications — yes, like this one — that are building the infrastructure for talent that no longer needs to emigrate to exist.

For the first time in a long time, there are conditions for an artist in Oaxaca, Medellín, La Paz, or San Juan to build a meaningful career without needing validation from another latitude.

That is new. And it matters.

What’s Coming

It’s not hard to see where all of this is heading. The global art and design market is hungry for authenticity — precisely because mass-produced content, amplified by AI, has drained meaning from much of the visual world around us.

In that context, what has history, what has territory, what has a body — is worth more.

Latin America has all of that in abundance. What it is learning — what it is now claiming — is the right to tell its own story on its own terms.

Do you know a Latin American artist or collective that should appear in Catarxis?

Write to us — we’re always looking for voices that deserve to be amplified.

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San Luis Potosí, México · Teoría política · Ensayo

Autor: Germán J. González Gordoa

El Paladín Frontal es el tercer libro del escritor potosino Germán J. González Gordoa. Una obra de ensayo político que examina las posiciones históricas de líderes del pasado y del presente ante los momentos más decisivos de su tiempo. Un trabajo que no solo analiza el poder, sino que lo interpela desde la crítica, la ciencia política y la sociología.

━ SOBRE EL LIBRO ━

¿De qué trata?

Un ensayo que construye un acercamiento a distintas figuras ilustres de la historia y la modernidad. El autor lo define como:

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Ciudad de México, México · Artes plásticas · Abstracción matérica

Instagram: @jerid_333

Jerid es el proyecto artístico de Rita Ramírez, artista visual de la Ciudad de México especializada en abstracción matérica y ensamble tridimensional sobre lienzo.

Su trabajo integra materiales diversos para explorar la dualidad entre estructura lógica y libertad orgánica, resultando en piezas con relieve que trascienden la bidimensionalidad e invitan a una experiencia simultáneamente táctil y visual.

Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Abril 2026

━ PROYECTOS EN DESARROLLO ━

[01] Nueva colección · Ensamble tridimensional — en producción

Actualmente en proceso de curaduría, su nueva colección profundiza en el ensamble tridimensional y está proyectada para integrarse en espacios de exhibición colectiva y plataformas digitales de arte contemporáneo durante esta temporada.

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