Hay semanas en que lo que une las notas es juntar a la gente alrededor de algo para verlo: un festival que cierra hoy con música en la explanada de un municipio, más de treinta espacios que abren de noche en una sola ciudad, una colección de Berlín que cruza el Atlántico hasta Miami, centenares de manos que llegan a Los Pinos con lo que hicieron durante meses.

Esta semana PULSAR sigue esas mudanzas. De la mayoría sabemos fechas, sedes y quién las organiza; de lo demás preferimos hablar contigo cuando las hayas visto.

Esto es PULSAR.
Una señal semanal sobre arte, cultura y creación.

Al vistazo

• Hoy, 2 de noviembre: cierre del Festival Cultural de Ecatepec, con Son Rompe Pera a las 19:00 y Julieta Venegas a las 20:00.

• 6 de noviembre: Noche de Museos en Querétaro.

• Del 12 al 15 de noviembre: ORIGINAL, encuentro de arte textil, en Los Pinos, Ciudad de México.

• 17 de noviembre: cierre del John Ruskin Prize.

• Hasta el 28 de febrero de 2027: Picasso–Klee–Matisse en el Pérez Art Museum Miami.

1. Ecatepec cierra hoy su festival cultural con Son Rompe Pera y Julieta Venegas

Qué: 2.º Festival Cultural Ecatepec 2026, “El viento nos une” · Dónde: Ecatepec, Estado de México (18 sedes) · Cuándo: del 28 de octubre al 2 de noviembre de 2026 · Entrada gratuita

Hoy es el último día. En la explanada municipal tocan Son Rompe Pera a las 19:00 y Julieta Venegas a las 20:00, según el programa que publicó Chilango el 19 de octubre. El festival lo organiza el gobierno municipal y reúne a más de 200 artistas, muchos de ellos locales, junto con nombres como la Orquesta Nacional de Jazz, Tex Tex, Banda Bostik y Sonido La Changa. Abrió el 28 de octubre con un desfile de comparsas, mojigangas, catrinas, alebrijes y carros alegóricos al que, según Crónica, asistieron más de tres mil personas. También hay una ofrenda monumental, hecha por colectivos cartoneros locales, y talleres de pan de muerto en hornos artesanales.

En la edición 14 vimos la ofrenda del Zócalo; aquí la ofrenda grande la hicieron colectivos del propio municipio, y esa diferencia en quién fabrica la tradición es lo que más nos interesa. Es un festival de gobierno municipal y conviene leerlo así, aunque su programa mezcla ofrenda, circo, jazz y música sonidera con entrada libre.

La pregunta que nos deja: ¿cuándo una fiesta municipal deja de ser del gobierno y pasa a ser de la gente?

Fuente(s): Crónica, 29 de octubre · Excélsior, 6 de octubre · Crónica, 6 de octubre · Chilango, 19 de octubre

^{Los horarios de hoy vienen del programa publicado el 19 de octubre; conviene confirmarlos en los canales del municipio.}

2. Querétaro abre sus museos y galerías de noche

Qué: Noche de Museos · Dónde: Querétaro · Cuándo: 6 de noviembre de 2026 · Costo: las actividades son gratuitas, salvo las marcadas en el programa

El programa del gobierno estatal reúne a más de treinta espacios, entre museos, galerías, centros culturales y fundaciones. Entre lo que anuncia: el Museo Regional de Querétaro celebra sus 90 años con las exposiciones “Ídolos. Resistencias y persistencias” y “Esteban Galván, fotógrafo queretano”, además de la reapertura de una sala, con horario extendido hasta las 22:00. En el Museo de los Conspiradores se inaugura a las 18:00 “Bloom Art Summit 2026”. El Centro Cultural UNAM Querétaro presenta a las 19:00 “Nunca más las olvidadas”, y el MACQ ofrece visitas guiadas desde las 17:15 y una presentación a las 20:00. Algunos talleres tienen cuota, como el de “Pinta tu maceta” ($100) y el de “Polaroid Lift” ($120).

Venimos siguiendo Querétaro desde hace unas ediciones, con el festival INVERSA en la edición 13, y nos llama la atención que la ciudad apueste por la noche para acercar a la gente a los museos. No sabemos todavía si ese horario cambia quién va, pero es una buena prueba para saberlo.

La pregunta que nos deja: ¿qué cambia en una exposición cuando se ve de noche, sin prisa y acompañado?

Fuente(s): Gobierno del Estado de Querétaro, programa de Noche de Museos

^{El programa está sujeto a cambios; conviene revisarlo antes de ir.}

3. Miami recibe a Picasso, Klee y Matisse desde la colección Berggruen

Qué: “Picasso–Klee–Matisse: Masterpieces from the Museum Berggruen” · Dónde: Pérez Art Museum Miami (PAMM) · Cuándo: del 29 de octubre de 2026 al 28 de febrero de 2027

Son unas 100 obras de Picasso, Klee, Matisse, Giacometti, Cézanne y Braque, entre otros, de la colección que Heinz Berggruen (1914–2007) reunió durante más de cuatro décadas. Se organizan por temas, como bodegones, interiores, retratos y paisajes, e incluyen pintura, acuarela, dibujo y escultura. Según el museo, es la mayor presentación de esta colección en la costa este de Estados Unidos. La cocuratoría es de Natalie Zimmer, del Museum Berggruen, y Maritza M. Lacayo, de PAMM.

Lo que más nos interesa es que el museo la acompaña con obras de su colección permanente de Diego Rivera, Joaquín Torres-García y Wifredo Lam. A Lam lo vimos en la edición 14, en la muestra de la Colección FEMSA en Puebla. La idea de poner a los modernos europeos junto a los latinoamericanos nos parece sugerente, aunque habrá que verla en sala para saber cómo dialogan. El museo abre lunes, jueves, viernes, sábado y domingo (los jueves hasta las 21:00); martes y miércoles está cerrado. La entrada general para adultos cuesta 18 dólares.

La pregunta que nos deja: ¿qué cambia en un Picasso cuando lo mira alguien que viene de América Latina?

Fuente(s): Pérez Art Museum Miami, exposición · Pérez Art Museum Miami, comunicado · Pérez Art Museum Miami, horarios y entradas

4. ORIGINAL: el arte textil llega a Los Pinos

Qué: ORIGINAL 2026, Encuentro de Arte Textil, Decorativo y Utilitario · Dónde: Complejo Cultural Los Pinos, Ciudad de México · Cuándo: del 12 al 15 de noviembre de 2026, de 10:30 a 20:30 · Entrada libre

Lo organizan la Secretaría de Cultura y FONART. Según las cifras que difundieron las autoridades, participan 580 artesanas y artesanos de 127 colectivos, de 244 municipios. Hay 84 actividades, entre ellas talleres de tintes naturales, barro y rebozos, talleres para niñas y niños y para personas mayores, cuatro pasarelas de moda (del 12 al 15, a las 19:00, con música en vivo y transmisión por Canal 22), 16 conciertos gratuitos y un pabellón internacional con 14 artesanos de nueve países.

Después del tapiz de Grayson Perry en la edición 14, nos parece oportuno mirar el textil desde quienes lo hacen. El formato de pasarela pone la ropa en primer plano; nos interesa ver si también lo hace con las personas y las comunidades detrás de cada prenda.

La pregunta que nos deja: ¿quién firma una prenda cuando detrás hay una comunidad entera?

Fuente(s): Chilango, 22 de octubre

^{Los datos provienen de cobertura de prensa que cita a las autoridades; no pudimos consultar el sitio oficial.}

CONVOCATORIAS

John Ruskin Prize 2026: “Not for Present Delight”

Convocatoria internacional para artistas, diseñadores y creadores de cualquier etapa, en cualquier medio bidimensional o tridimensional: pintura, dibujo, grabado, escultura, textil, cerámica, performance, instalación, fotografía, cine, animación, digital y técnicas mixtas. El tema parte de una frase de Ruskin y pregunta por el papel de quien crea hoy y por las consecuencias de lo que hace. Los premios suman unas 10,000 libras, con un primer premio de 3,000, y las obras seleccionadas se exhiben en Trinity Buoy Wharf, Londres, del 28 de enero al 21 de febrero de 2027. Los resultados se notifican a más tardar el 11 de diciembre de 2026. La inscripción tiene costo: desde 15 libras por una obra en la modalidad digital internacional (25 libras la tarifa estándar), y las entradas internacionales no requieren enviar la obra.

Cierre: 17 de noviembre de 2026, a las 17:00 (hora de Londres).

Consulta las bases aquí: The John Ruskin Prize

🔒 Suscripción de pago

Cada semana hay convocatorias que no caben en esta parte abierta. Con la suscripción de pago recibes además las que cierran primero. Esta semana: Lab Art Prize (12 de noviembre), Premio Primavera de Novela (15 de noviembre), The Hopper Prize (17 de noviembre) y el Registro Nacional de Museos Comunitarios (31 de diciembre).

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ARTISTAS QUE RECOMENDAMOS:

Lo que publicamos esta semana

• 28 de octubre, columna:

  El artista The Krank instaló en Erimitis, en la isla griega de Corfú, una pieza de tela roja de 7 por 50 metros con suturas negras, sobre un terreno marcado por las excavadoras de un proyecto hotelero que luego se abandonó. La obra pregunta si esa tierra podrá sanar o si la herida volverá a abrirse.

• 31 de octubre, perfil:

  Perfil de Marina Imar, artista de origen argentino, y de su proyecto Geometric Cat Art: desde 2018 construye gatos con planos y ángulos, y su obra está en colecciones privadas de diez países.

AGENDA CATARXIS

• El pintor británico, radicado en Ciudad del Cabo, expone en Suburbia Contemporary, en Barcelona, hasta el 22 de diciembre de 2026, y estará en Art Cologne del 4 al 8 de noviembre.

Invita a Catarxis

• Abrimos una convocatoria: cada mes elegimos hasta dos eventos artísticos para cubrirlos desde la revista y la radio. Los eventos presenciales deben ser en Tampa Bay o San Luis Potosí; los eventos en línea pueden venir de cualquier lugar. El formulario se llena con al menos diez días de anticipación y, si tu evento es elegido, te escribimos a más tardar cinco días antes. Una invitación no garantiza cobertura.

Nuestras lecturas de Día de Muertos

Hoy, 2 de noviembre, reunimos en un solo lugar lo que hemos escrito sobre la fecha: la Alumbrada de San Andrés Mixquic, Hanal Pixán, Xantolo, el altar y el pan de muerto, entre otros textos. Lee las lecturas de Día de Muertos.

RECIENTE:

TRACK

Crónica: Todo el arte es politico | Fredy López Rivera

Youtube:

Escuchanos en VIVO

Se supone que la geometría es cosa seria. Pertenece a la vanguardia, a los manifiestos y a los museos. Los gatos, en cambio, pertenecen a internet, al sillón de la sala y a la caja de cartón junto a la puerta.

Marina Imar trabaja justo donde esos dos mundos chocan. Su proyecto en curso, Geometric Cat Art, construye gatos con planos, ángulos y campos de color plano, y los coloca en un Japón inventado de ceremonias del té e interiores silenciosos. Empezó como pintura sobre lienzo en 2018 y, en 2026, se convirtió en un proyecto digital propio.

La pregunta que plantea su obra es sencilla: ¿puede un gato sostener una idea seria sin dejar de ser gato?

Los primeros gatos

El proyecto nació con un puñado de bocetos en 2018. A Imar ya le interesaba reducir temas cotidianos a formas geométricas, y los gatos resultaron la prueba perfecta.

El reto que se impuso fue preciso: ¿hasta dónde se puede simplificar una forma antes de que el animal desaparezca? En su postulación a Catarxis lo describe como un equilibrio. Con muy pocas formas, la imagen pierde carácter. Con demasiados detalles, la geometría se debilita.

Lo que mantuvo vivos a los gatos fue su comportamiento. Un gato escondido en una caja, sentado junto a otro o simplemente mirando el cuarto se volvió, en sus palabras, un personaje “y no solo un tema”.

Un cuadrado y un gato

El perfil de Imar en la plataforma Artmajeur lleva un lema breve: “Only Avant-garde!” (“¡Solo vanguardia!”). Una de las pinturas que aparecen ahí se titula, en ruso, Gato rojo y cuadrado negro.

Es difícil leer ese título sin pensar en Kazimir Malévich, cuyo Cuadrado negro (1915) se volvió una de las imágenes fundacionales del arte abstracto. Imar no explica la referencia en el material que nos envió. Pero el título señala la tensión que atraviesa toda su obra: el gesto más radical de la pintura moderna, junto al animal más doméstico que existe.

Ella resuelve esa tensión con juego. “No tengo que elegir entre estructura y juego”, escribió. La geometría le da orden a la obra; los gatos aportan humor e imprevisibilidad.

Un Japón inventado

La segunda capa del proyecto es Japón, o mejor dicho, un Japón propio. A Imar la atraen los interiores japoneses, la sencillez gráfica, el sentido del espacio y lo que ella llama la belleza de las cosas ordinarias. Aclara que no intenta representar el país de forma literal.

Lo llama su “cuento de hadas personal y un poco imaginario sobre Japón”. En Tea Ceremony (Ceremonia del té), un acrílico sobre lienzo de 2024 que aparece en su perfil de Artmajeur, los gatos participan en uno de los rituales más codificados de la cultura japonesa.

Esa manera de mirar tiene una larga historia. En el siglo XIX, los grabados japoneses transformaron la forma en que los artistas europeos entendían la superficie plana, la línea y la composición. Los gatos de Imar pertenecen a esa tradición de forasteros que imaginan Japón, con una diferencia: ella lo dice abiertamente.

Del lienzo a la pantalla

En 2026, Imar llevó el proyecto al arte digital. Su principal preocupación era que las obras nuevas no se volvieran copias de las pinturas. Las piezas digitales, escribió, son “una continuación independiente” del mundo que empezó en el lienzo.

El nuevo medio le dio espacio para construir interiores, situaciones y pequeñas historias alrededor de cada personaje, y para trabajar con más libertad la escala y el color. Obras como Cat Time-2 (2026) hoy se ofrecen como impresiones, junto a sus pinturas originales.

La lección que saca del cambio es que pasar a otro medio no significa empezar de cero. Significa encontrar nuevas posibilidades dentro de un lenguaje construido a lo largo de ocho años.

Lo que estos gatos tienen en común

Si se mira con atención, todos los gatos del mundo de Imar hacen lo mismo: cargan una estructura rigurosa sin dejar que se note primero. Ella quiere que el espectador reconozca al gato, entienda su estado de ánimo y quizá sonría, antes de darse cuenta de cómo está construida la imagen.

Ese orden importa. La vanguardia le pedía a la gente mirar un cuadrado y pensar. Imar le pide mirar un gato, sonreír y solo después ver el cuadrado.

Según la artista, sus pinturas ya están en colecciones privadas de diez países, de Finlandia a Australia. “Me gusta pensar que mis gatos han viajado mucho más lejos que yo”, escribió. La geometría, al parecer, viaja bien.

_{Las citas de Marina Imar provienen de su postulación por escrito a la convocatoria de Catarxis, en inglés; traducción de Catarxis. Versión original en inglés publicada en The Catarxis Journal.}

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Revista de arte y creatividad
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El pintor Jake Aikman (Londres, 1978) presenta Land of the Living en la galería Suburbia Contemporary, en Carrer de València 345, Barcelona. La exposición abrió el 17 de septiembre durante el Barcelona Gallery Weekend y cierra el 22 de diciembre de 2026. Aikman vive y trabaja en Ciudad del Cabo, Sudáfrica.

La muestra reúne óleos recientes sobre la franja donde la tierra se encuentra con el mar. Aikman pinta el agua con pinceladas horizontales que se acumulan y se deshacen. Sus horizontes se borran entre el mar y el cielo, y quien mira tiene que decidir una y otra vez dónde termina uno y empieza el otro. Domina una paleta de grises, azules verdosos y tierras apagadas, con algún destello cálido.

Una navegación sin mapa

Los títulos de las piezas hablan de viajes y de llegadas que no se confirman: Voyager, Waiting Horizon, Landfall, Silent Promontory, Night Approach, Unnamed Shore. La investigadora Heidi Thembeka Sincuba firma el texto curatorial. Para ella, la exposición se recorre como un sistema de navegación sin mapa: da señales para orientarse, pero no garantiza la llegada.

Sincuba también separa este trabajo de la tradición de lo sublime. En esa tradición, el espectador mira la tormenta desde un lugar seguro. Aikman le quita ese refugio: aquí no hay catástrofes ni naturaleza espectacular, y lo inestable es la propia mirada. «”Lo vivo” no es solo el mundo representado, sino también el propio acto de ver», escribe.

Paisajes que se abren como libros

La serie Land of the Living (Book I–V) es lo más llamativo de la muestra. Son óleos sobre lino montado en madera, unidos con bisagras como si fueran libros. El paisaje se pliega, se cierra y se vuelve a abrir. En lugar de una ventana fija, la pintura se convierte en algo que se recorre por partes.

Próximas fechas

El sábado 31 de octubre de 2026, de 11:00 a 14:00 h, la galería hará una presentación privada de la exposición, con desayuno y castañas por la Castanyada, la fiesta catalana de otoño. Del 4 al 8 de noviembre, Suburbia Contemporary llevará obra de Aikman a Art Cologne, en el stand A309.

Imágenes: cortesía de Suburbia Contemporary

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Desde que Catarxis empezó en 2020, una buena parte de nuestro trabajo ha sido ir a buscar esos lugares. Ahora queremos que ustedes nos digan dónde están.

^{-Yael Hervert , CEO Catarxis}

Invita a Catarxis es una convocatoria abierta para que artistas, colectivos, galerías y espacios culturales nos inviten a sus eventos. Cada mes revisamos las invitaciones y elegimos hasta dos para cubrir.

Qué recibimos

Exposiciones, conciertos, presentaciones de libros, lecturas, funciones de teatro, danza o performance, proyecciones, talleres y festivales. Puede ser algo grande o algo de veinte personas: lo que nos importa es la propuesta artística.

Los eventos presenciales tienen que ser en el área de Tampa Bay, en Florida, o en la ciudad de San Luis Potosí, en México.

Los eventos en línea pueden venir de cualquier lugar.

Qué no recibimos

• Eventos de partidos políticos, campañas o candidaturas. Eventos corporativos. Fiestas sin programación artística. Los lanzamientos, activaciones o ventas de marcas los trabajamos por Catarxis Press.

Eso no significa que evitemos los temas difíciles. Una obra que habla de política o de lo que pasa en la calle es bienvenida. Lo que no publicamos es propaganda ni publicidad.

Lo que conviene saber antes de invitarnos

Una invitación no garantiza cobertura. Nosotros decidimos si vamos y en qué formato lo contamos: una nota, una crónica, una entrevista, una cápsula en Catarxis FM o una mención en PULSAR.

No enviamos los textos para aprobación antes de publicarlos. Escribimos con independencia, como con cualquier otra pieza de la revista.

Si lo que necesitas es una nota asegurada, con entrevista y fecha de publicación, para eso existe Catarxis Press, nuestro servicio de prensa para artistas:

¿Tienes un evento?

Invita a Catarxis

Hay heridas que se ven y otras que el paisaje carga en silencio. En la costa noreste de Corfú, Grecia, el artista The Krank decidió hacer visible una de ellas: tendió una incisión roja de 50 metros justo donde, años atrás, las máquinas abrieron la tierra para un megaproyecto turístico que nunca se terminó. Luego la cosió, con ayuda de los vecinos que llevan más de una década defendiendo ese lugar.

Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Octubre 2026

Una herida del tamaño del territorio

La obra se llama Herida y estuvo instalada apenas dos días, el 26 y 27 de septiembre de 2026, en Erimitis, uno de los últimos tramos de costa sin urbanizar de la isla. Mide 7 × 50 metros y está hecha de tela roja, atravesada por grandes suturas negras. Se fijó con piedras de la misma playa y se retiró sin dejar rastro.

La idea es directa: tratar el paisaje como un cuerpo. Todos sabemos leer una cortada cosida; aquí esa imagen toma la escala de una playa entera.

La cicatriz de abajo

El lugar no fue elegido al azar. En 2021 pasaron por ahí las excavadoras del Kassiopi Project, un plan que incluía un hotel de cinco estrellas, hasta 40 villas y un puerto deportivo de 57 amarres. El conflicto había empezado en 2012, cuando el fondo griego de activos públicos TAIPED puso el terreno en venta. Tras años de protestas y recursos judiciales, el proyecto original se cayó.

Hoy, según los organizadores, el terreno está en manos de un nuevo grupo inversor y su futuro sigue sin definirse. De ahí la pregunta que deja la pieza: ¿se va a permitir que un lugar herido sane, o la herida se volverá a abrir?

Coser entre muchos

Las suturas las colocaron miembros de la comunidad y de la iniciativa Save Erimitis, que coorganizó la obra con el apoyo de la Ionian Environment Foundation. Durante los dos días de exhibición hubo recorridos guiados con científicos que terminaban frente a la instalación, donde el artista conversaba con el público.

Tras trabajar ahí bajo sol y lluvia, The Krank dijo que le resulta «imposible imaginar aquí una forma de “desarrollo” que no sea precisamente conservarlo».

Lo que deja Herida

La sutura no borra el daño; lo mantiene a la vista. Y en eso la obra habla de algo que conocemos bien de este lado del mundo: costas que se vuelven terreno en disputa entre quienes las habitan y quienes las quieren convertir en negocio. Erimitis queda lejos, pero la pregunta no.

Imágenes: cortesía de The Krank. Todos los derechos reservados.

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Octubre se está acabando y en varias ciudades ya se huele a cempasúchil. Esta semana la señal viene de ahí: de los altares que se montan en plazas, de los desfiles y de las exposiciones que invitan a mirar con calma lo que somos y lo que dejamos.

No es una semana de grandes anuncios. Es una semana de oficio, memoria y gente reunida en torno a algo hecho a mano, y nos parece una buena razón para detenerse un momento.

Esto es PULSAR. Una señal semanal sobre arte, cultura y creación.

Al vistazo

• Del 29 de octubre al 2 de noviembre: Ofrenda Monumental en el Zócalo, Ciudad de México.

• 31 de octubre, 14:00: Gran Desfile de Día de Muertos, Ciudad de México.

• Hasta el 25 de enero de 2027: “El hogar que habito” en el Museo Amparo, Puebla.

• Hasta el 1 de noviembre: Grayson Perry en el MAC de San Luis Potosí.

• Hasta el 10 de enero de 2027: “La transición estética” en la Fundación Juan March, Madrid.

1. Una Catrina de Posada, monumental, en el Zócalo

Qué: Ofrenda Monumental de Día de Muertos · Dónde: Zócalo, Ciudad de México · Cuándo: del 29 de octubre al 2 de noviembre de 2026 · Entrada libre

La ofrenda de este año rinde homenaje a José Guadalupe Posada y a su Catrina, con una escultura monumental de cartonería. El 31 de octubre, a las 14:00, sale el Gran Desfile, y hay ofrendas comunitarias en una docena de sedes. La noche del 2 de noviembre se celebra “La Alumbrada” en Mixquic.

Nos llama la atención que una figura nacida como crítica social, la calavera elegante que se burla de quien presume, se convierta en monumento. Quizá esa tensión sea parte de lo que la mantiene viva.

La pregunta que nos deja: ¿qué pasa con una imagen irónica cuando se vuelve oficial?

Fuente(s): Gobierno de la Ciudad de México · Crónica, 20 de octubre

Los horarios vienen de comunicados previos; conviene confirmarlos en los canales oficiales antes de ir.

2. “El hogar que habito”: 60 artistas de la Colección FEMSA en el Museo Amparo

Qué: “El hogar que habito. Obras de la Colección FEMSA” · Dónde: Museo Amparo, Puebla · Cuándo: del 26 de septiembre de 2026 al 25 de enero de 2027 · Horario: de miércoles a lunes, de 10:00 a 18:00 h

La muestra reúne obra de unos 60 artistas de México y América Latina, entre ellos Francisco Toledo, Leonora Carrington, Graciela Iturbide, Magali Lara y Wifredo Lam, junto con artistas jóvenes. Está organizada en cinco núcleos: cuerpo, hogar, memoria, territorios compartidos y la relación con otras especies. No sigue un orden cronológico; busca diálogos entre obras y generaciones. Según una de las curadoras, algunas piezas se exhiben por primera vez en 50 años.

Nos gusta que la pregunta sea tan sencilla: qué significa habitar. En semanas de ofrendas, donde el hogar se extiende hasta quienes ya no están, la idea cae en un momento oportuno.

La pregunta que nos deja: ¿dónde empieza tu hogar: en tu cuerpo, en tu casa o en tu territorio?

Fuente(s): Excélsior · Quién, 28 de septiembre · Museo Amparo

3. “La transición estética”: España, 1960–2020, en la Fundación Juan March

Qué: “La transición estética. España, 1960-2020” · Dónde: Fundación Juan March, Madrid · Cuándo: desde el 16 de octubre de 2026 hasta el 10 de enero de 2027 · Entrada gratuita

La muestra recorre seis décadas de cambios en las formas, los gustos y las imágenes de un país. Es un tipo de exposición que no se centra en un solo artista sino en cómo se transforma una mirada colectiva.

Hay una discrepancia que preferimos decir: esMadrid y Time Out Madrid dan como cierre el 10 de enero de 2027, y otra guía de ocio menciona el 13 de junio. Tomamos la fecha más repetida; te sugerimos confirmarla con la fundación antes de ir.

La pregunta que nos deja: ¿qué parte de nuestra época dejaremos como “estética” cuando alguien la mire desde lejos?

Fuente(s): esMadrid · Time Out Madrid · Guía del Ocio

4. Grayson Perry en San Luis Potosí: su primera muestra individual en México

Qué: “Grayson Perry and the Art of Being Respectable” · Dónde: Museo de Arte Contemporáneo (MAC), San Luis Potosí · Cuándo: hasta el 1 de noviembre de 2026

Es la primera exposición individual del artista británico en México, organizada con la Fundación Amparo y Manuel y el British Council, con curaduría de Beth Hughes. Perry trabaja cerámica y tapiz para hablar de clase, gusto e identidad, es decir, de lo que consideramos “respetable”.

La muestra seguirá: llegará al Museo Franz Mayer (Ciudad de México) desde el 4 de diciembre y al Museo Cabañas (Guadalajara) del 22 de mayo al 1 de agosto de 2027. Para quien no alcance a ir a San Luis, hay segunda y tercera oportunidad. La página de la fundación da dos fechas de cierre para el Franz Mayer (28 de marzo o mayo de 2027), así que conviene confirmarlo allí.

La pregunta que nos deja: ¿lo “respetable” se hereda, se compra o se aprende?

Fuente(s): AMMA (Fundación Amparo y Manuel) · Plano Informativo, 2 de octubre

XXXI Premio Primavera de Novela 2027

Espasa y Ámbito Cultural convocan a escritoras y escritores de cualquier nacionalidad, mayores de edad, con una novela original e inédita en castellano, de al menos 150 páginas. El premio es indivisible y de 100.000 euros. El envío es digital, por el formulario del premio, y exige declarar que la obra no se creó con herramientas de inteligencia artificial.

Cierre: 15 de noviembre de 2026, a las 23:59 (hora de España).

Consulta las bases aquí: Premio Primavera de Novela

🔒 Suscripción de pago

Esta semana hay cinco convocatorias más.

Un concurso internacional de arte contemporáneo que cierra el 12 de noviembre y el registro nacional de museos comunitarios, abierto hasta el 31 de diciembre. Además, tres que ya mencionamos y cierran pronto: una residencia en París el 30 de octubre, los patrocinios de la Fundación Jumex el 31 de octubre y un premio de novela de 100,000 euros el 15 de noviembre. Las convocatorias completas llegan cada lunes con la suscripción de pago. La AGENDA mensual, en cambio, sigue siendo gratuita.

Cero correos comerciales para suscriptores de pago. Solo criterio.

Ver planes de pago

ARTISTAS QUE RECOMENDAMOS:

RECIENTE:

URBANO invitado: Fierrillos Urbina

Escuchanos en VIVO

Nunca habíamos tenido tanta música al alcance de la mano. Y nunca habíamos escuchado tanto lo mismo. Elegimos cada canción, saltamos la que no conocemos y dejamos que una fórmula decida la siguiente.

Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Octubre 2026

Mientras tanto, cientos de artistas independientes publican canciones que casi nadie va a encontrar por accidente. No tienen disquera ni padrino. Para la radio tradicional, simplemente no existen.

ALTAVOZ nació en medio de esas dos cosas. Es la convocatoria de Catarxis FM para que la música independiente vuelva a sonar donde alguien la pueda descubrir sin buscarla. Hoy presentamos a sus primeros 11 seleccionados.

Lo que perdimos cuando empezamos a elegirlo todo

Hubo un tiempo en que no elegíamos cada canción. Encendíamos la radio y la dejábamos ser. Sonaba mientras cocinábamos, mientras manejábamos, mientras no pasaba nada. Y de pronto, entre una cosa y otra, aparecía una canción que no conocíamos y que ya no se nos olvidó.

Hoy lo controlamos todo: qué escuchar, cuánto, en qué orden. Y casi siempre escuchamos lo mismo. Catarxis FM existe para devolverte lo otro.

• Creemos que alguien con criterio vale más que un algoritmo. Cada canción que suena aquí la eligió una persona, no una fórmula.

• Creemos en no saber qué viene después. Lo que no buscaste también puede ser para ti.

• Creemos en la música que no tiene padrino. Aquí suenan artistas independientes de México, de Latinoamérica y de donde llegue una voz que valga la pena.

• Creemos que la radio acompaña. No te pedimos atención total. Déjanos sonar mientras vives.

• Creemos que escuchar también es estar con otros. Del otro lado hay alguien escuchando lo mismo que tú, a la misma hora.

No vas a oír aquí lo que ya conoces. Ésa es la idea.

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Cómo nació ALTAVOZ

Septiembre de 2026. Catarxis FM abrió una convocatoria gratuita para que artistas independientes enviaran un sencillo a su programación. Sin costo de inscripción y sin cesión de derechos: Catarxis FM no gana por reproducción ni se queda con nada de la obra.

El motivo. Muchos artistas que empiezan ya tienen su música en plataformas, pero no tienen dónde sonar en la radio. ALTAVOZ quiso ser exactamente eso: un altavoz para esa escena.

Las reglas fueron pocas y claras:

• Canción de autoría propia, ya distribuida en plataformas.

• Archivo WAV o MP3 de alta calidad.

• Sin samples ni material de terceros sin licencia.

• Un solo sencillo por artista.

9 de octubre de 2026, 8 pm (hora de Tampa). Cerró la convocatoria. La semana siguiente fue para escuchar cada envío y elegir. El 19 de octubre avisamos a los seleccionados.

Los 11 seleccionados:

Once proyectos, seis países y ningún género en común. Estas son las canciones que van a sonar en Catarxis FM de octubre a diciembre de 2026.

Lana Lopez · San Luis Potosí, México — “Diciembre en el mar” · @lanaalopez

PATNO · Argentina — “Vestigios” · @apantanok

Ralphy Ibarra · Santa Marta, Colombia — “Si me ven por ahí” · @ralphybarramusic

Lhea Blueviolet · Argentina — “Goddess of the night” · @lheablueviolet

Brujis · Madrid, España — “Plan de Dios” · @13brujis

Cata Paz · Chile — “Miénteme” · @catapaz.music

Zumba La Calavera · Santiago, Chile — “Canis Mortem” · @zumbalacalavera

Jover · Uruguay — “Heridas de mi alma” · @joverfarias

Monday Garden · Querétaro, México — “Panorama azul” · @oh_monday_garden

Drealytt · Bogotá, Colombia — “D R E A” · @drealytt

Jere Aremz · México — “Hasta el final” · @jerearemz

Escucha en Vivo

Cuándo y dónde escucharlos

Miércoles 21 de octubre, 8 pm (hora de Ciudad de México). Estreno de ALTAVOZ: las 11 canciones, una tras otra, en Catarxis FM.

• Ciudad de México, San Luis Potosí, Querétaro: 8 pm

• Bogotá, Santa Marta: 9 pm

• Tampa: 10 pm

• Santiago, Buenos Aires, Montevideo: 11 pm

• Madrid: 4 am del jueves 22

Jueves 22 de octubre, 7 pm (hora de Ciudad de México). Repetición del bloque completo.

De octubre a diciembre de 2026. Las canciones entran a la rotación regular de la estación, mezcladas con el resto de la programación.

Catarxis FM es una radio online que transmite 24/7 y se escucha gratis en journal.catarxis.com/catarxis-fm.

Lo que estas once voces tienen en común

No comparten país, ni género, ni idioma: hay canciones en español y en inglés, bandas completas y proyectos de una sola persona. Lo que sí comparten es más simple. Hicieron su música sin esperar permiso y la soltaron al mundo sin saber quién la iba a escuchar.

Esa es la misma apuesta de Catarxis FM. No sabemos quién está del otro lado ni qué está haciendo mientras suena. Pero sabemos que, en algún momento, una de estas canciones va a llegarle a alguien que no la buscaba. Para eso existe la radio.

Gracias a todas las personas que nos mandaron su música.

Encuentra tu voz.

Catarxis

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PULSAR · Edición 13 · Lunes 19 de octubre de 2026

Máscaras, domos, paredes de museo y carteles.

Del 22 al 31 de octubre, el Museo Nacional de la Máscara, en San Luis Potosí, junta a mascareros de Bolivia, Chile, Colombia, Brasil, Costa Rica, Ecuador, Guatemala y México. La entrada es libre.

Esta semana encontramos otras formas de mostrarse en público. En Querétaro, un festival de arte y tecnología levantó un domo en una plaza durante cuatro días y ya viene la Muestra Nacional de Teatro. En Santiago de Chile, un museo universitario tiene seis exposiciones abiertas, una con 33 artistas de entre 18 y 30 años. Y en la Ciudad de México, una bienal dedicada al cartel reúne a diseñadores de varios países.

Tres de los cuatro son de acceso gratuito.

Abajo van los cuatro con fechas y sedes, y seis convocatorias. Una cierra el 30 de octubre.

Esto es PULSAR.
Una señal semanal sobre arte, cultura y creación.

Al vistazo

• 22–31 oct · San Luis Potosí · Encuentro de Artistas Mascareros · Entrada libre

• 22–25 oct · Ciudad de México · Bienal Internacional del Cartel

• Hasta el 24 ene · Santiago de Chile · MAC Quinta Normal · Gratis

• 5–14 nov · Querétaro · 46.ª Muestra Nacional de Teatro

• Cierra el 30 oct · Residencia Art Explora × Cité internationale des arts (París)

1. Mascareros de ocho países llegan a San Luis Potosí

22–31 de octubre · Museo Nacional de la Máscara, San Luis Potosí · Entrada libre

Creadores de Bolivia, Chile, Colombia, Brasil, Costa Rica, Ecuador, Guatemala y México se reúnen en el 3.er Encuentro Internacional de Artistas Mascareros, junto con artesanos de seis municipios potosinos. Lo organiza la Secretaría de Cultura del estado dentro de Xantolo se Vive en tu Ciudad, que sigue del 23 al 25 de octubre en la capital, Soledad de Graciano Sánchez y Villa de Pozos, y del 30 de octubre al 2 de noviembre en la Huasteca. Habrá música, danza, gastronomía, altares y arte popular.

En la edición 10 contamos que la feria FELEAL se hizo en este mismo museo. Ahora vuelve a ser sede, esta vez con invitados de fuera. Nos interesa que la máscara sea a la vez el oficio de un municipio pequeño y un lenguaje que se entiende en ocho países. El programa del encuentro está en las redes del museo; no lo hemos visto publicado en otro lado.

La pregunta que nos deja:
¿Qué oficio de tu región podría juntar a creadores de otros países alrededor de una misma mesa?

Fuentes: Plano Informativo, sobre el Encuentro de Mascareros · Plano Informativo, sobre Xantolo se Vive en tu Ciudad

2. Querétaro cerró un festival bajo un domo y se prepara para el teatro nacional

Festival INVERSA: 1–4 de octubre (terminó) · Muestra Nacional de Teatro: 5–14 de noviembre · Querétaro

INVERSA se hizo en Plaza Fundadores, con acceso gratuito y un domo geodésico de 15 metros. Participaron 68 artistas y colectivos, 49 de ellos locales, con 24 propuestas entre piezas audiovisuales, cine inmersivo, presentaciones en vivo y música. Lo organizó la Secretaría de Cultura del municipio por los 30 años de la declaratoria del Centro Histórico como Patrimonio Cultural de la Humanidad. La prensa local reportó más de 20 mil asistentes.

Lo que sigue: del 5 al 14 de noviembre, Querétaro será sede de la 46.ª Muestra Nacional de Teatro, según la convocatoria que el INBAL publicó junto con la Secretaría de Cultura del estado. Todavía no encontramos publicada la cartelera.

Que casi tres de cada cuatro participantes sean locales nos parece el dato más útil del festival: un evento con domo y tecnología se apoyó sobre todo en la escena de su propia ciudad. Falta ver si el formato se repite fuera del año del aniversario.

La pregunta que nos deja:
¿Cuántos de los artistas de los festivales de tu ciudad viven en ella?

Fuentes: Publimetro Querétaro (balance) · Líder Empresarial (previo, con datos del domo) · INBAL (convocatoria con fechas de la 46 Muestra Nacional de Teatro)

3. Seis exposiciones abiertas en el MAC Quinta Normal, en Santiago

Hasta el 24 de enero de 2027 · MAC Quinta Normal (Palacio Versalles), Santiago de Chile · Gratis, de martes a domingo, 10:30 a 17:30 h

El Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile inauguró a fines de septiembre un nuevo ciclo en su sede de Quinta Normal:

• «En la punta de la lengua», de Lizi Sánchez (Perú)

• «Por ambos lados», de Andrés Denegri (Argentina)

• «La trayectoria intermedial del gesto», de Valentina Díaz (Argentina)

• «Sistema público de fluidos», de Constanza Hermosilla

• «Estratos. Cartografías del tiempo», con material de archivo de la propia sede

• «Balmaceda Visual, Premoniciones», de Balmaceda Arte Joven, con obras de 33 artistas de 18 a 30 años

Un museo universitario que abre salas completas a artistas de Perú y Argentina, y a un grupo de jóvenes que apenas empieza, tiene algo que decirle a quien piensa que el circuito solo funciona dentro de cada país.

La pregunta que nos deja:
¿Qué museo universitario de tu ciudad tiene sus salas abiertas a artistas que apenas empiezan?

Fuente: Universidad de Chile

4. La Bienal Internacional del Cartel llega a la Ciudad de México

22–25 de octubre · Biblioteca de México, Biblioteca Vasconcelos, Claustro de Sor Juana y otras sedes · Ciudad de México

El festival de la 19.ª Bienal Internacional del Cartel en México (BICM) tiene a Veracruz como estado invitado.

• Jueves 22, 17:00 h: inauguración de los premios y de la exposición del jurado, en la Biblioteca de México.

• Jueves 22, 20:00 h: concierto de son jarocho en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. La página oficial da datos distintos sobre el boleto (venta en línea y entrada libre en taquilla); conviene confirmarlo.

• 23 al 25: conferencias con Isidro Ferrer, Craig Frazier, Yuko Shimizu y Alejandro Magallanes, entre otros, además de talleres, algunos para adolescentes y niños.

• Exposiciones: un homenaje a Toulouse-Lautrec, México–Francia (200 años de amistad), Taiwán a través del cartel y un homenaje a Kazumasa Nagai.

Los carteles finalistas se verán después en el Museo Arocena, en Torreón, del 11 de marzo al 25 de julio de 2027.

Venimos siguiendo el diseño en la capital desde Design Week México, en la edición 10. El cartel es uno de los pocos formatos que se ven en la calle sin que nadie los pida, y que una bienal de 19 ediciones siga con talleres abiertos a estudiantes dice que el oficio sigue vivo.

La pregunta que nos deja:
¿Qué cartel visto en la calle este año te hizo detenerte?

Fuente: Bienal Internacional del Cartel en México

Sony World Photography Awards 2027 — categoría Single Image (antes Open)

Concurso internacional abierto a cualquier persona. La inscripción es gratuita para hasta tres imágenes (más imágenes requieren comprar un paquete), en diez categorías: retratos de animales, arquitectura, creativa, paisaje, estilo de vida, movimiento, naturaleza y vida silvestre, retrato, fotografía de calle y viaje. Las fotos deben ser de 2026 y partir de una fotografía real, no de contenido generado por computadora. El ganador general recibe 5,000 dólares, equipo Sony y viaje con alojamiento a la ceremonia en Londres.

Cierre: 5 de enero de 2027, a las 16:00 GMT (10:00 h en la Ciudad de México).

Consulta las bases aquí: https://www.worldphoto.org/sony-world-photography-awards/single-image

🔒 Suscripción de pago

Esta semana hay cinco convocatorias más.

Un concurso internacional de arte contemporáneo que cierra el 12 de noviembre y el registro nacional de museos comunitarios, abierto hasta el 31 de diciembre. Además, tres que ya mencionamos y cierran pronto: una residencia en París el 30 de octubre, los patrocinios de la Fundación Jumex el 31 de octubre y un premio de novela de 100,000 euros el 15 de noviembre. Las convocatorias completas llegan cada lunes con la suscripción de pago. La AGENDA mensual, en cambio, sigue siendo gratuita.

Cero correos comerciales para suscriptores de pago. Solo criterio.

Ver planes de pago

ARTISTAS QUE RECOMENDAMOS:

RECIENTE:

URBANO invitado: Fierrillos Urbina

Escuchanos en VIVO

El recorrido va de Bob Dylan a La materia oscura de Philip Pullman, y termina en un lugar inesperado: One Piece, el manga de piratas de Eiichiro Oda que, leído con atención, retrata a un gobierno mundial militarizado y a quienes se rebelan contra él.

Una crónica sobre el silencio como postura, el entretenimiento como espejo y la responsabilidad de quienes tienen un micrófono frente a millones.

🎙️ Crónica: Fredy López Rivera
📻 Catarxis FM

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Anne Carson estaba en Islandia, “escuchando el viento”, cuando la Academia Sueca la llamó para decirle que había ganado el Nobel de Literatura. Su obra combina poesía, traducción y ensayo, y la Academia destacó justo eso: que en diálogo con la tradición clásica ha creado formas nuevas para la literatura de hoy.

Esta semana encontramos la misma costumbre de cruzar fronteras en otros lugares. En la Ciudad de México, la Feria del Libro del Zócalo convierte una plaza en feria, foro y escenario, con 266 actividades gratuitas. En Guadalajara, la FIL presentó el programa de su edición 40, con Italia como invitado de honor y a Juan Rulfo en un pabellón inmersivo. Y en Buenos Aires, una bienal de arquitectura que cumple 40 años le da su premio a la trayectoria a una artista visual, Marta Minujín.

Ninguna cabe en una sola etiqueta.

Abajo van los cuatro casos con fechas y sedes, y cinco convocatorias. Dos cierran esta semana.

Esto es PULSAR. Una señal semanal sobre arte, cultura y creación.

1. Anne Carson, Nobel de Literatura 2026: poesía, traducción y ensayo en un mismo cuerpo de obra

Premio Nobel · Canadá

La Academia Sueca anunció el jueves 8 de octubre que el Nobel de Literatura 2026 es para la canadiense Anne Carson. Tiene 76 años, nació en Toronto en 1950 y ha combinado a lo largo de su carrera la poesía, la traducción y la docencia universitaria. La Academia destacó una obra atrevida e inventiva que trata a los clásicos con humor y abre formas nuevas en la literatura actual. Entre sus libros más conocidos están Autobiography of Red (1998), una novela en verso, e If Not, Winter (2002), su versión de los fragmentos de Safo. Es una de las 19 mujeres que han recibido este premio.

El sitio del Nobel recoge dos detalles de la conversación que tuvo con ellos poco después del anuncio: ya empezó a pensar cómo regalar el dinero del premio, y su consejo para quien no sabe por dónde empezar a leerla es buscar la mitad de un libro y arrancar ahí.

Nos interesa menos el premio que lo que reconoce: una obra que no se queda en un solo género. Para quien escribe, hace música o diseña y siente que tiene que escoger una sola etiqueta, es una buena noticia.

La pregunta que nos deja:

¿Qué obra de las que más admiras no cabe en una sola etiqueta?

Fuente: NobelPrize.org (comunicado de prensa)

2. La Feria del Libro del Zócalo: 266 actividades gratuitas, hasta el domingo 18

Ciudad de México

La XXVI Feria Internacional del Libro del Zócalo se hace del 9 al 18 de octubre en la Plaza de la Constitución, con 353 editoriales, 317 ponentes (48 de otros países) y 266 actividades sin costo. El programa incluye 118 presentaciones de libros, 71 charlas y conversatorios, 21 conciertos, 15 mesas de discusión, 11 recitales de poesía y 13 actividades infantiles, además de 12 mil libros que se regalan. La organiza la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.

Los cuatro foros llevan el nombre de escritoras y escritores perseguidos por el fascismo —Federico García Lorca, Alaíde Foppa, Rodolfo Walsh y José Revueltas—, y la secretaria de Cultura capitalina, Ana Francis López Bayghen, dijo al presentar el programa que la feria quiere ser también un espacio para discutir fundamentalismos y fascismos. Para quien escribe o ilustra, el Foro José Revueltas tiene talleres, una introducción al manga y conversatorios sobre novela gráfica mexicana, periodismo e ilustración. Hay también una exposición de fotoperiodismo de guerra, El Ojo de la Guerra, de Giovanni Porzio. El domingo 18 cierran, entre otras actividades, Magos Herrera (11:30 h) y la presentación de dos libros de Juan Villoro (13:15 h).

Es una feria con punto de vista declarado, y conviene ir sabiéndolo.

La pregunta que nos deja:

¿Qué cambia cuando una feria de libros ocurre en una plaza abierta y gratuita, y no en un recinto con boleto?

Fuentes: Infobae · El Universal

3. La FIL Guadalajara presenta su edición 40: Italia, Rulfo y 26 novelistas jóvenes

Guadalajara

La Feria Internacional del Libro de Guadalajara presentó el jueves 8 de octubre el programa de su edición 40, que será del 28 de noviembre al 6 de diciembre en Expo Guadalajara, con más de 3,000 actividades y más de 900 escritores de 41 países. Italia regresa como invitado de honor después de 18 años, con 61 autores, más de 30 editoriales y un pabellón de 1,200 metros cuadrados. El Premio FIL de Literatura en Lenguas Romances 2026 es para Gioconda Belli, y Alessandro Baricco abre el Salón Literario Carlos Fuentes. Entre los invitados están también Salman Rushdie y Siri Hustvedt.

La feria recordará a Juan Rulfo, a 40 años de su muerte, con una mesa de homenaje y un pabellón inmersivo sobre Pedro Páramo. Y habrá artes visuales: Caravaggio en el MUSA y Identidades italianas: la Colección Farnesina en el Museo Cabañas. Para quien apenas empieza, el dato es el programa 26 en el 26: FIL Novelistas, que reúne a 26 novelistas de hasta 40 años de trece países de habla hispana.

Que una feria de este tamaño reserve un espacio explícito para voces nuevas nos parece lo más importante del anuncio. Falta ver cuánto de ese espacio se vuelve lectores y ventas para ellos después de diciembre.

La pregunta que nos deja:

¿Cuánto cambia la carrera de un escritor joven por aparecer en una feria de este tamaño?

Fuentes: Proceso · Letralia

4. Buenos Aires: la Bienal de Arquitectura cumple 40 años con Habitar

Argentina · Buenos Aires · arquitectura y diseño

La XX Bienal Internacional de Arquitectura de Buenos Aires celebra 40 años y 20 ediciones. Su exposición central, Habitar, reúne más de 100 proyectos de arquitectura, urbanismo y paisaje de distintas regiones del mundo, y se puede ver hasta el domingo 18 de octubre en el Museo Nacional de Bellas Artes (de martes a viernes, de 11:00 a 19:30 h; sábados y domingos desde las 10:00). El programa sigue durante todo octubre, con actividades gratuitas en seis sedes: el Bellas Artes, el Centro Cultural Recoleta, la Biblioteca Nacional, el Museo Nacional de Arte Decorativo, el MARQ y la Casa Victoria Ocampo.

La consigna es explorar cómo los factores culturales, sociales, históricos y tecnológicos han condicionado la relación entre las personas y los espacios que ocupan. El Premio Bienal a la Trayectoria de esta edición es para Marta Minujín, una artista visual cuya obra, según la propia Bienal, desafía los límites entre arte, arquitectura y espacio público.

La pregunta que nos deja:

¿Qué espacio de tu ciudad se diseñó pensando de verdad en cómo lo habitas?

Fuentes: Museo Nacional de Bellas Artes · Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires

XXX Premio Alfaguara de Novela 2027 Convocatoria para escritoras y escritores mayores de edad de cualquier nacionalidad, con una novela inédita escrita en español de al menos 200 páginas. El premio es de 175,000 dólares y la publicación de la obra. Hay que registrar el manuscrito en la plataforma del premio y enviar además el original impreso y encuadernado a la oficina del país elegido, con los gastos de envío por cuenta de quien participa. Por ser la edición 30, la novela ganadora también se publicará en traducción en Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Alemania, Portugal y Brasil. El fallo será en Madrid, en enero de 2027. Cierre: 2 de noviembre de 2026 (el envío en papel cuenta por matasellos). Consulta las bases aquí: https://premioalfaguara.com/docs/bases.pdf

Esta semana hay cuatro convocatorias más.

Una residencia en París para artistas de América Latina y el Caribe cierra el jueves 15 de octubre, un premio internacional de artes plásticas de 25,000 euros cierra el viernes 16, una residencia de hasta seis meses en Montmartre con 1,000 euros al mes cierra el 30 de octubre y un premio de novela de 100,000 euros cierra el 15 de noviembre. Las convocatorias completas llegan cada lunes con la suscripción de pago. La AGENDA mensual, en cambio, sigue siendo gratuita.

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ARTISTAS QUE RECOMENDAMOS:

RECIENTE:

URBANO invitado: Ruido Negro

Escuchanos en VIVO

Esta semana mi recomendación es:

CALMA

Iniciando este 2026 vi y escuche esta canción en una de las historias de instagram de Carlos E. Lang , la verdad es que esta canción me ha ayudado mas de lo que pensaría, me da un tono, me da un suspiro, me da CALMA, un sosiego. Regularmente soy muy acelerado (mas de lo que conocía) , creo que la migración me ha puesto frente al espejo a sacarme lo que a simple vista no checaba o bien el mismo tiempo se ha encargado de echármelo encima. Te recomiendo esta canción y también CALMA.

Excelente semana !

Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Octubre 2026

Tapia Pérez nació en San Luis Potosí en 1983 y vive y trabaja en Schweinfurt, Alemania. Su práctica cruza medicina, mitología, memoria y experiencia personal, con el cuerpo como espacio de vulnerabilidad. Su imaginario se alimenta de la cosmovisión mexicana, la poesía náhuatl y la historia del arte, filtrados por la distancia del país de origen.

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Siete estaciones

La serie está pensada para recorrerse en orden: del quiebre a la reparación, del conflicto a la complejidad de las relaciones, hasta una forma nueva de habitar la propia vulnerabilidad.

Los títulos cuentan su propia historia. La serie arranca en español y avanza hacia el alemán y el inglés, el mismo trayecto de quien construye su vida lejos de su lengua materna. Y a mitad del recorrido aparece la física: el entrelazamiento de dos partículas que ya no pueden describirse por separado, y el problema de tres cuerpos cuyas órbitas se vuelven imposibles de predecir. Son metáforas exactas para el amor, escritas por alguien formado en ciencia.

Lo que queda

Entre la primera obra y la última pasan diez años, y una de las piezas de 2016 volvió al taller en 2025. El dolor, sugiere la serie, no se cierra: se retrabaja. En palabras del propio artista,

“no se trata de superar el dolor, sino de preguntarnos qué hacemos con él”.

Catarxis

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Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Octubre, 2026

Introducción al Arte Azteca

El arte azteca, desarrollado entre los siglos XIV y XVI en el actual México, es una manifestación cultural rica y variada que refleja la complejidad de esta civilización. Los aztecas eran maestros en diversas disciplinas artísticas, incluyendo la escultura, la arquitectura, la cerámica y la pintura, cada una de las cuales servía para honrar a sus dioses y registrar su historia.

Escultura y Arquitectura

Escultura Monumental

Los aztecas eran conocidos por sus esculturas monumentales, que a menudo representaban a deidades, guerreros y figuras mitológicas. Utilizaban materiales como la piedra, el basalto y la obsidiana. Una de las obras más emblemáticas es el Templo Mayor, situado en Tenochtitlán, que albergaba impresionantes esculturas de dioses como Huitzilopochtli y Tlaloc.

Arquitectura Ceremonial

La arquitectura azteca no solo era funcional, sino que también estaba imbuida de simbolismo. Las pirámides escalonadas, como las de Teotihuacán, servían como plataformas para ceremonias religiosas. Estas estructuras eran una fusión de arte y religión, diseñadas para conectar a los aztecas con lo divino.

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Pintura y Cerámica

Pintura Mural

Los murales aztecas eran una forma importante de expresión artística. Utilizaban colores vibrantes y representaban escenas de la vida cotidiana, así como mitos y rituales. Las pinturas en templos y palacios no solo decoraban, sino que también contaban historias y transmitían conocimientos.

Cerámica Decorativa

La cerámica azteca era funcional y decorativa. Los aztecas creaban una variedad de objetos, desde utensilios de cocina hasta figuras rituales, utilizando técnicas de modelado y pintado que reflejaban su estilo distintivo. Estas piezas eran a menudo adornadas con diseños geométricos y figuras mitológicas.

Simbolismo y Religión en el Arte Azteca

El arte azteca está profundamente entrelazado con su religión y cosmología. Cada obra tenía un propósito ceremonial y estaba destinada a honrar a sus dioses y a la naturaleza. Los aztecas creían que su arte era un medio para comunicarse con lo divino y asegurar la prosperidad de su pueblo.

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Influencia del Arte Azteca en la Cultura Contemporánea

El legado del arte azteca perdura en la cultura mexicana actual. Elementos de su estética y simbolismo pueden encontrarse en la artesanía, el diseño y las expresiones artísticas contemporáneas. La recuperación y celebración del arte azteca han sido parte fundamental en la construcción de la identidad nacional mexicana.

Conclusión

El arte azteca es un testimonio del ingenio humano y de la rica historia de una civilización que floreció en el corazón de México. Su influencia sigue viva en la cultura moderna, recordándonos la importancia de preservar y valorar nuestras raíces artísticas.

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Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Octubre 2026

El EP parte de una imagen sencilla: un viaje en colectivo. En ese tiempo acotado, mirando por la ventana, aparecen recuerdos, fantasías e imágenes que reconstruyen una vida entera. De ahí sale el contraste que lo atraviesa: un trayecto corto puede sentirse infinito, y años enteros pueden pasar por la memoria en un minuto.

La misma idea guía la pieza audiovisual que acompaña el lanzamiento. Durante los doce minutos que dura el EP, un colectivo avanza de noche mientras aparecen imágenes luminosas de amigos, playa y verano, filmadas en otro registro. El viaje y esas imágenes conviven como dos tiempos distintos: uno avanza despacio hacia su destino y las otras aparecen y desaparecen de forma fugaz.

En el fondo, Tu amor en un bolsillo es un disco sobre el amor y sobre lo que viene después, cuando algo ya terminó pero todavía ocupa toda la imaginación: algo que alguna vez pareció infinito y que ahora se lleva escondido en un bolsillo.

Catarxis

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Columnist: Yael Hervert | Tampa, FL | October 2026

The replies under it told a later story. On Aug. 3, users began answering that post to demand the platform restore Boy George, whose AI-made song had just been taken down along with his account. One reply accused the company of antisemitism. Another called the company evil and racist, with a profanity attached. The account, which used to post around every Bandcamp Friday, did not answer any of them.

In January, Bandcamp became one of the first major music platforms to ban songs “generated wholly or in substantial part by AI.” Nine months later, the rule’s two most visible tests point in opposite directions. An album openly credited to an AI music generator stayed on sale through repeated user reports and came down only after a news outlet asked about it. A celebrity’s song came down within about a day, and its author says he was singled out for his politics. In neither case has Bandcamp explained publicly how it decides. And on X, where it has 191,500 followers, it has not said anything at all since March 2.

A rule built on reports

Bandcamp announced the policy on Jan. 13 in a blog post titled “Keeping Bandcamp Human,” shared on Reddit and on X. It is the most-viewed of the company’s five most recent posts on X: about 253,000 views, four times more than any of its Bandcamp Friday announcements.

The rule bans music made wholly or in substantial part by AI and any use of AI to impersonate other artists or styles, according to Bandcamp’s announcement. It does not describe a detection system. Instead, Bandcamp asked users to flag suspicious music through its reporting tools and said it could remove music on suspicion alone, DJ Mag reported.

That design puts enforcement in the hands of whoever reports, and whoever reviews the reports. The public has seen almost nothing of the second part.

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Two tests, two outcomes

The first test surfaced in April. The digital investigations newsletter Indicator found albums by an artist called Valkyraestill for sale months after the ban, even though the profile itself said the music was composed with the AI generator Suno. Five reports through Bandcamp’s official tool produced no action. The profile disappeared only after Indicator asked the company for comment. Bandcamp did not respond to Indicator.

The second test came in early August. Boy George released “We Will Dance Again,” a reggae track he made with AI in support of Israel. It had been on Bandcamp for more than a day when the platform removed it and deleted his profile, according to The Algemeiner. The singer accused Bandcamp of “bowing to the pressure of antisemites” and argued that plenty of AI-assisted music remains on the site. He moved the song to another platform.

Bandcamp made no public statement, Stereogum reported. Accounts of what reason the company gave differ: The Algemeiner and Digital Music News say it pointed to the AI policy, while Stereogum cites only a user who said Bandcamp told them the track broke its terms.

Taken together, the cases show a rule that can be slow when the reporter is an ordinary user and fast when the subject is famous and the reports pile up. Bandcamp has not said whether either impression is right.

Bandcamp did not immediately respond to a request for comment sent through its contact form on Oct. 7. The company has not said publicly how many reports it has received or how many releases it has removed under the policy.

A quiet account and a busy one

Bandcamp has not abandoned social media. It has moved.

On Bluesky, where it has 60,800 followers, the company posted at least nine times in the 24 hours before the morning of Oct. 7: album recommendations, articles from its in-house magazine, Bandcamp Daily, and an invitation to a free listening party. In 2025 it launched a feature that lets artists with a Pro subscription verify their Bluesky accounts with their Bandcamp addresses, according to its blog.

On X, the account with three times the audience stopped. Its public profile shows no posts announcing the Bandcamp Fridays of May 1, Aug. 7, Sept. 4 or Oct. 2, the days when the company waives its revenue share and that generated more than $19 million for artists in 2025, according to Hypebot. The criticism did not move with the company. It landed under the last post Bandcamp left behind.

Who decides

Bandcamp has belonged since October 2023 to Songtradr, a music licensing company. When the sale was announced, Songtradr told users on X that it would be “business as usual.” That post drew 91 replies and 56 likes. Within weeks, about half of Bandcamp’s 118 employees had lost their jobs, according to The Hollywood Reporter and Engadget. The workers’ union, Bandcamp United, said its entire eight-person bargaining committee was left without offers and filed an unfair labor practice charge with the National Labor Relations Board, Hypebot reported.

Who reviews AI reports at a company of that size, and who speaks for it, are open questions.

Why it matters

For independent musicians, Bandcamp’s ban was the selling point. Other services were filling up with machine-made tracks: Deezer said in July 2025 that 28% of the music uploaded to it was fully AI-generated, DJ Mag reported. Bandcamp offered the opposite promise.

A promise like that is only as strong as the process behind it. Right now artists can’t see the process, fans can’t tell whether their reports matter, and the people with complaints are writing them under a post from March.

Bandcamp built its name on a simple idea: buy directly from the people who made the music. The AI policy stretched that idea into a promise about who, or what, made it. Keeping that promise means showing artists and fans how it is kept. Until then, the questions will keep landing under a post about a Friday sale that ended seven months ago.

Catarxis

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Siete mujeres de siete países —Uruguay, Egipto, México, Chile, Nigeria, Indonesia y Brasil— comparten escena en Sea of Silence, la obra con la que abre el Festival Internacional de Danza de Jalisco. Habla de migración y de cómo se arma, por unos días, una comunidad.

Encontramos la misma idea en otros lugares. En Querétaro, un festival de fotografía de calle que arranca el 22 de octubre eligió como lema “Por amor a la fotografía, nos unimos en comunidad”. En San Luis Potosí, un festival universitario de cine sale de la capital por primera vez y llega a Matehuala, Rioverde y Ciudad Valles. Y en Chicago, un museo cumple 40 años de montar su exposición de Día de Muertos con una ofrenda abierta a quien quiera dejar una nota.

Ninguno de estos proyectos se hizo solo.

Abajo van los cuatro casos con fechas y sedes, y cuatro convocatorias. La primera cierra este miércoles.

Esto es PULSAR. Una señal semanal sobre arte, cultura y creación.

1. Danza en Jalisco: 26 propuestas de cuatro países, con la migración en el escenario

Guadalajara y Jalisco

El XXIX Festival Internacional de Danza de Jalisco corre del 3 al 10 de octubre con 26 propuestas de cuatro países y un lema que dice bastante: “Cuerpos presentes: el futuro se baila ahora”. Abre en el Teatro Degollado con Sea of Silence, de la uruguaya Tamara Cubas, una pieza donde siete mujeres, a través de lenguas, ritos, cantos y danza, hablan de la experiencia migrante y de la construcción de una comunidad temporal. Cierra el sábado 10, también en el Degollado, con En Código Bolero, de la compañía A poc A poc, con dirección y coreografía de Jaime Camarena. Las funciones grandes cuestan 100 pesos.

Hay más fuera de esas dos noches: ocho obras de videodanza (una instalación del 3 al 11 en Etzatlán y tres funciones en CUAAD, la Colmena Agua Azul y la Cineteca FICG), talleres, una residencia y conversatorios. Algunas piezas trabajan con inteligencia artificial y tecnologías interactivas; otras, con música en vivo, escritura, partería tradicional o la cosmovisión yoreme. Las sedes se reparten entre Guadalajara, Zapopan, Etzatlán y Ajijic, así que no es un festival de un solo teatro.

La pregunta que nos deja: ¿Qué se arma, y qué se queda, cuando gente de lugares distintos coincide unos días en el mismo escenario?

Fuentes: Gobierno de Jalisco (comunicado) · Secretaría de Cultura de Jalisco (cartelera)

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2. Querétaro se prepara para un mes de fotografía de calle

Querétaro

La cuarta edición del Mexico Street Photo Fest se hará en Querétaro del 22 de octubre al 22 de noviembre, según el programa más reciente del festival. Las inauguraciones y actividades de apertura serán del 23 al 25 de octubre, y las exposiciones seguirán abiertas hasta el 22 de noviembre. Durante el mes habrá exposiciones, photowalks, talleres, conferencias, un bazar fotográfico y más actividades para fotógrafos y público. El festival se describe a sí mismo como el más importante de su tipo en Latinoamérica.

Cuando se presentó esta edición, en mayo, se anunciaron como sedes el Centro Queretano de la Imagen, el Museo de Arte de Querétaro, el Centro de las Artes de Querétaro, el Museo de Arte Contemporáneo Querétaro y la Cineteca Rosalío Solano; también más de 300 fotógrafos de más de 40 países y un concurso internacional de fotografía de calle con premios por 5,700 dólares. Las bases del concurso estaban en el sitio del festival: revisa ahí si sigue abierto. El concepto de esta edición, según su directora, Citlali Medal, es “Por amor a la fotografía, nos unimos en comunidad”. El programa advierte que puede cambiar sin previo aviso.

Es la cuarta edición y las cuatro han sido en Querétaro: el festival nació ahí en 2023. Esa continuidad fuera de la Ciudad de México es lo que más nos interesa.

La pregunta que nos deja: ¿Qué escena de tu ciudad lleva años sosteniéndose con su propia comunidad?

Fuentes: Mexico Street Photo Fest · Quadratin Querétaro

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3. El Festival de Cine UASLP sale de la capital potosina por primera vez

San Luis Potosí

El 9.º Festival de Cine UASLP se hace del 5 al 9 de octubre y, por primera vez, lleva parte de su programación a las cuatro regiones del estado: además de la capital, habrá proyecciones, talleres y encuentros con realizadores en los campus de Matehuala, Rioverde y Ciudad Valles. Abre el lunes 5 de octubre, a las 18:00 h, en el Centro Cultural Universitario Bicentenario, donde Daniel Giménez Cacho recibe el Premio Peyote, una pieza de chaquira del maestro wixárika Bruno Carrillo Bautista. El martes 6, a las 12:00 h, da una master class gratuita en el mismo recinto.

La cartelera tiene 10 largometrajes y 12 cortometrajes potosinos, elegidos por convocatoria y evaluados por un jurado externo. Entre ellos están Oca, de la directora potosina Carla Badillo, filmada en el Altiplano, y El ritual del Nahual, de Carlos Matienzo, egresado de la UASLP. La 6.ª Muestra de Cortometrajes Potosinos, del 6 al 9 de octubre, incluye 12 trabajos y voto del público. Hay además 13 talleres y funciones con audiodescripción, Lengua de Señas Mexicana y subtitulado. El festival cuenta con el respaldo de PROFEST, el programa federal de apoyo a festivales.

Lo que más nos interesa es el territorio: llevar funciones y talleres a tres campus fuera de la capital es una forma concreta de que el cine local llegue a quienes lo hacen y lo ven en otras ciudades del estado.

La pregunta que nos deja: ¿Cuánto del cine hecho en tu estado se ve en las otras regiones del mismo estado?

Fuentes: UASLP, vía Cultivarte · Plano Informativo

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4. Chicago: 40 años de Día de Muertos en el Museo Nacional de Arte Mexicano

Estados Unidos · Chicago

El National Museum of Mexican Art, en el barrio de Pilsen, presenta del 25 de septiembre al 29 de noviembre “Where Memory Lives: 40 Years of Día de Muertos”, la edición número 40 de su exposición anual. Con obras de la colección permanente, repasa cómo ha cambiado el Día de Muertos y el propio museo en cuatro décadas, e incluye piezas de Leonora Carrington, Olga Costa, José Guadalupe Posada y Alfredo Zalce, entre muchos otros. Este año está dedicada a Gilberto Cárdenas (1947-2026), académico y pionero de los estudios chicanos. El patio lo diseñaron y curaron jóvenes artistas de Yollocalli Arts Reach, y hay una ofrenda comunitaria donde cualquiera puede dejar una nota, un dibujo o un recuerdo.

La entrada al museo es gratuita. Siguen el Festival del Arte Popular (del 13 al 18 de octubre) y el Día de los Muertos Xicágo (el 24 de octubre, de 15:00 a 20:00 h).

Para quien vive lejos de México, un museo que lleva cuarenta años montando la misma fecha funciona también como archivo de cómo se recuerda desde fuera.

La pregunta que nos deja: ¿Qué cambia de una tradición cuando se celebra del otro lado de la frontera, y qué se queda igual?

Fuente: National Museum of Mexican Art

Residencia Espace Brownstone × Arte en América Latina (París) Residencia para artistas de América Latina y el Caribe que trabajen en cualquier medio o disciplina. Va del 15 de enero al 31 de marzo de 2027, en el Espace Brownstone, en el barrio de Le Marais. Incluye alojamiento en un departamento dentro del mismo espacio, un estudio propio y acompañamiento curatorial, y se selecciona a un solo artista. Los resultados se notifican el 15 de noviembre. Cierre: 15 de octubre de 2026, a las 23:59 h de París (15:59 h en la Ciudad de México). Consulta la convocatoria aquí:

Art in Latin America

Open Call: Espace Brownstone × Art in Latin America 2027 Artist Residency

Association Noemi – Espace Brownstone, formerly known as Fondation Brownstone, and Art in Latin America are pleased to announce an open call for artists from Latin America and the Caribbean to participate in a two-and-a-half-month residency at Espace Brownstone in Paris, France…

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4 months ago · 26 likes · Art in Latin America

Esta semana hay tres convocatorias más.

Un programa de la Secretaría de Cultura para editoriales que cierra este miércoles, un concurso nacional de cocina tradicional que cierra el domingo 11 y un premio internacional de artes plásticas de 25,000 euros que cierra el 16. Las convocatorias completas, con las que cierran primero, llegan cada lunes con la suscripción de pago. La AGENDA mensual, en cambio, sigue siendo gratuita.

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RECIENTE:

URBANO invitado: MA AVALOS

Escuchanos en VIVO

Esta semana mi recomendación es:

ADAPTARSE o morir yendo contra marea.

Mientras trabajaba en mi trabajo que paga mis cuentas (JA , estoy seguro que tu sabes a lo que me refiero ;) ) , Alexa reprodujo este rolon que no tenia el gusto de conocer y como agua fresca llego pa’ llenarme el gusto, si quieres escuchar algo fresco , soft , R&B , es buenísimo , que tengas buen lunes !

Excelente semana !

Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Octubre 2026

Características del Arte Erótico

1. Intención Artística

El arte erótico se distingue por su intención de explorar la sexualidad de manera profunda y reflexiva. A diferencia de la pornografía, que se centra en la representación gráfica del acto sexual, el arte erótico utiliza la sensualidad como un medio para provocar emociones y pensamientos, integrando el deseo en un discurso artístico más amplio.

2. Estética y Conceptualización

En lugar de enfocarse exclusivamente en lo explícito, el arte erótico emplea técnicas y estilos que destacan la belleza y el misterio del deseo. Utiliza simbolismos, metáforas y una estética cuidada para comunicar la sensualidad, haciendo que el acto sexual se convierta en una experiencia visual y conceptual compleja.

3. Contexto y Presentación

El arte erótico se exhibe en galerías y museos, y se enmarca dentro de un contexto artístico que fomenta la reflexión. Esta presentación en espacios culturales permite que el arte erótico sea apreciado por su valor estético y conceptual, contrastando con la pornografía, que generalmente se consume en contextos comerciales.

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Artistas y Obras Clave

• Robert Mapplethorpe

Reconocido por sus provocadoras fotografías, Mapplethorpe exploró el cuerpo y la sexualidad con una estética formal y refinada. Sus imágenes, que abordan temas de deseo y poder, desafían las convenciones tradicionales y ofrecen una visión artística del erotismo.

• Betty Tompkins

Con su serie “Fuck Paintings”, Tompkins lleva la representación sexual a un plano artístico. A través de la pintura y el collage, explora el deseo con un enfoque que cuestiona las normas sobre el sexo y el arte.

• Ana Mendieta

Aunque su trabajo abarca más que solo el erotismo, Mendieta integró elementos de sensualidad y ritualidad en sus obras. Su enfoque en la conexión entre el cuerpo y el paisaje ofrece una perspectiva única sobre la sexualidad.

Impacto y Relevancia

El arte erótico no solo celebra la sensualidad y el deseo, sino que también invita a la reflexión sobre la sexualidad en un contexto cultural más amplio. Al elevar la representación sexual a través del arte, cuestiona las normas sociales y ofrece nuevas perspectivas sobre el deseo y la identidad.

Este enfoque artístico permite una discusión más rica sobre la sexualidad, alejándose de las representaciones reduccionistas y ofreciendo una plataforma para el diálogo y la exploración. A través de su estética y conceptualización, el arte erótico desafía las convenciones y enriquece nuestra comprensión de la sensualidad.

Distinción con la Pornografía

La diferencia clave entre el arte erótico y la pornografía radica en su intención y contexto. Mientras que la pornografía se centra en la estimulación directa y suele carecer de una dimensión artística más profunda, el arte erótico busca provocar una reflexión estética y conceptual sobre el deseo. Esta distinción permite al arte erótico ocupar un lugar especial en la cultura, ofreciendo una representación más compleja y matizada de la sexualidad.

En resumen…

El arte erótico ofrece una exploración sofisticada de la sexualidad, diferenciándose de la pornografía a través de su enfoque estético y artístico. A través de sus representaciones, desafía las normas culturales y proporciona una plataforma para una discusión más rica sobre el deseo y la sensualidad.

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A veces empieza con un café, una caminata, una manía, o una conversación con el silencio.

Estos cinco artistas nos recuerdan que la creatividad no baja del cielo: se cultiva, se invoca, se prepara.

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1. Beethoven y su café exacto

Antes de componer, Ludwig van Beethoven preparaba una taza de café con exactamente 60 granos, que contaba uno por uno cada mañana.

Era su forma de afinar la mente y marcar un inicio.

Un ritual casi matemático para un espíritu turbulento.

“Una taza perfecta para una mente que busca el orden dentro del caos.”

📚 Fuente: Beethoven, como lo conocí – Anton Schindler (1840)

2. Haruki Murakami y la disciplina del cuerpo

El escritor japonés Haruki Murakami se despierta todos los días a las 4:00 AM, escribe por cinco o seis horas, corre 10 kilómetros o nada 1,500 metros, y se duerme a las 9:00 PM.

Repite esa rutina durante meses mientras está escribiendo una novela.

“El acto de repetir cosas físicas y sencillas me da poder para escribir.”

📚 Fuente: De qué hablo cuando hablo de correr – H. Murakami (2007)

3. Yayoi Kusama y la repetición obsesiva

Antes de comenzar a pintar, Kusama realiza series de puntos repetitivos a mano, incluso en cuadernos personales. Para ella, la repetición es meditación y exorcismo.

Sus obras surgen desde la necesidad de controlar el caos mental.

“Mis redes de puntos son la forma en que conecto el universo y mi mente.”

Fuente: Infinity Net: The Autobiography of Yayoi Kusama (2011)

4. Frida Kahlo y la escritura íntima

Frida no solo pintaba. Escribía cartas, diarios, frases, pensamientos sueltos antes de pintar.

Su cuerpo adolorido hablaba a través de palabras antes que de pinceles.

“Pies, para qué los quiero, si tengo alas para volar…”

Escribir era parte de su ritual para tocar lo más profundo de su dolor.

📚 Fuente: El diario de Frida Kahlo – facsimilar del original (1995)

5. David Lynch y la meditación

El cineasta y artista David Lynch medita dos veces al día durante 20 minutos desde hace más de 40 años.

Para él, meditar no es dejar de pensar, sino sumergirse en el subconsciente donde nacen las ideas.

“Las ideas son como peces. Si quieres pescar peces grandes, tienes que ir a aguas profundas.”

📚 Fuente: Atrapa el pez dorado – D. Lynch (2006)

Ritual ≠ rutina

Lo que estos artistas nos enseñan es que crear no siempre nace del talento, sino de saber preparar el terreno.

El cuerpo, el silencio, el movimiento, la obsesión, el descanso… todo eso también forma parte de la obra.

¿Y tú, qué haces antes de crear?

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Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Octubre 2026

Grabó el disco en casa junto a Santiago Talavera, artista plástico y compañero suyo en Le Traste, que además se encargó de los bajos y sintetizadores. También participan Miguel Benito en la batería y David Martínez en los teclados. Adrián Hidalgo hizo la mezcla y la masterización en Lasting Noise Studio, en el barrio madrileño de Usera. El resultado cruza folk intimista, rock expansivo, kraut hipnótico y electrónica.

Cabezas nació en Madrid en 1981. Fue cantante y guitarrista de Le Traste, banda de rock alternativo y post-rock con tres discos y dos EP, y es bajista de la banda de hardcore-punk Mörkt. Su debut en solitario fue Implosiones (2014).

Presentará el disco el viernes 9 de octubre de 2026 en El Rincón del Arte Nuevo (calle Segovia 17, La Latina, Madrid), en un concierto íntimo en el que también tocará canciones de su etapa solista anterior y de Le Traste. Los boletos anticipados cuestan 10 euros en Ticketandroll.

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Luis Buñuel, uno de los directores más influyentes del siglo XX, es ampliamente reconocido por su singular enfoque cinematográfico que combinaba surrealismo, crítica social y un agudo sentido del humor. Nacido el 22 de febrero de 1900 en Calanda, España, Buñuel desarrolló una carrera que abarcó varias décadas, países y estilos, consolidándose como un visionario del cine mundial. A continuación, exploramos su vida, sus obras más destacadas y su legado cinematográfico.

Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Abril 2026

Vida de Luis Buñuel

Primeros años y formación

Luis Buñuel creció en una familia acomodada en la región de Aragón. A una edad temprana fue enviado a un colegio jesuita, lo que más tarde influiría en su obra, especialmente en la manera en que retrataba la religión. Tras completar sus estudios secundarios, Buñuel se trasladó a Madrid, donde se inscribió en la Universidad Complutense. Allí, trabó amistad con figuras clave del arte y la literatura española, como Salvador Dalí y Federico García Lorca.

Influencia surrealista

El encuentro de Buñuel con el surrealismo en París fue determinante para su carrera. En los años 20, se unió al grupo surrealista liderado por André Breton. Este movimiento artístico, que buscaba explorar los aspectos subconscientes y oníricos de la mente, influyó profundamente en el joven cineasta. Buñuel adoptó este enfoque en su cine, creando películas que rompían con las convenciones narrativas y desafiaban a las instituciones tradicionales, como la iglesia y la burguesía.

Obras más relevantes de Luis Buñuel

Un perro andaluz (1929)

Un perro andaluz fue la primera colaboración entre Buñuel y Salvador Dalí, y es una de las obras más emblemáticas del cine surrealista. Este cortometraje de apenas 16 minutos es famoso por su contenido visualmente impactante y su estructura narrativa ilógica. La película es recordada por su secuencia inicial, en la que un ojo humano es cortado por una navaja, una imagen que se ha convertido en un icono del cine experimental.

La edad de oro (1930)

En La edad de oro, Buñuel continuó su exploración del surrealismo, esta vez con una crítica más directa a las convenciones sociales. La película fue censurada en varios países por su crítica a la religión y las instituciones burguesas. A través de escenas perturbadoras y un tono satírico, Buñuel desafiaba las normas morales de la época, sentando las bases para su reputación como cineasta provocador.

Los olvidados (1950)

Después de la Guerra Civil Española, Buñuel se exilió en México, donde comenzó una etapa crucial en su carrera. Los olvidados es uno de los mayores exponentes de su etapa mexicana y le valió el reconocimiento internacional al ganar el premio de Mejor Director en el Festival de Cannes. La película ofrece una mirada cruda y realista a la vida de los jóvenes marginados en la Ciudad de México, alejándose del surrealismo de sus obras anteriores, pero manteniendo su crítica social.

Viridiana (1961)

Ya reconocido como un maestro del cine, Buñuel regresó a España para rodar Viridiana, una de sus películas más controvertidas. La historia de una novicia que, tras heredar una gran fortuna, intenta ayudar a los pobres, pero termina enfrentándose a la corrupción moral de la sociedad, fue vista como una feroz crítica a la religión y los valores tradicionales. La película ganó la Palma de Oro en Cannes, pero fue prohibida en España por su contenido supuestamente blasfemo.

El ángel exterminador (1962)

Otra de sus obras clave, El ángel exterminador, es una sátira surrealista que muestra a un grupo de la alta sociedad que, tras una cena, inexplicablemente no pueden abandonar la habitación donde se encuentran. A medida que pasan los días, los modales y la civilización comienzan a desmoronarse, revelando el caos subyacente en la estructura social. Esta película es un ejemplo perfecto del estilo de Buñuel, donde lo surrealista se entrelaza con la crítica social.

El discreto encanto de la burguesía (1972)

Con El discreto encanto de la burguesía, Buñuel ganó su primer y único Oscar a la mejor película extranjera. Esta película es una sátira mordaz de las costumbres burguesas, en la que un grupo de amigos intenta sin éxito organizar una cena. La película es un juego constante entre la realidad y lo absurdo, demostrando el dominio de Buñuel sobre la narrativa no lineal y su habilidad para mezclar lo cotidiano con lo surrealista.

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Carrera y legado

Etapa en México

Buñuel se exilió en México tras la Guerra Civil Española, lo que marcó el inicio de una prolífica etapa en su carrera. En este país rodó más de 20 películas, consolidándose como uno de los cineastas más importantes del cine hispanoamericano. Durante este periodo, Buñuel se alejó ligeramente del surrealismo puro, adoptando una narrativa más realista pero siempre cargada de crítica social.

Regreso a Europa y reconocimiento mundial

A partir de los años 60, Buñuel volvió a Europa, donde retomó su enfoque surrealista con películas que cuestionaban los valores de la clase burguesa y la hipocresía de la religión. Su estilo cinematográfico, siempre provocador, fue ganando un creciente reconocimiento en todo el mundo, consolidándose como un director fundamental tanto en Europa como en América Latina.

Influencia en el cine moderno

El impacto de Luis Buñuel en el cine contemporáneo es indiscutible. Directores como David Lynch, Pedro Almodóvar y Alejandro Jodorowsky han citado a Buñuel como una de sus principales influencias. Su capacidad para mezclar lo surrealista con una aguda crítica social ha resonado en generaciones de cineastas que buscan desafiar las convenciones del cine tradicional.

Conclusión

Luis Buñuel dejó una marca indeleble en la historia del cine. Desde sus inicios en el movimiento surrealista hasta sus sátiras sociales más refinadas, su obra es una exploración constante de la condición humana, la hipocresía de las instituciones y los límites de la moralidad. A través de sus películas, Buñuel nos invita a cuestionar las normas establecidas y a mirar más allá de la superficie de la realidad. Hoy, su legado sigue vivo en el cine contemporáneo y su influencia sigue siendo evidente en las obras de cineastas de todo el mundo.

Referencias:

1. Senses of cinema

2. The Art Story

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El albur, una forma única y lúdica de juego de palabras, ha sido durante mucho tiempo una parte esencial de la cultura mexicana. Este arte de la elusiva insinuación ha perdurado a través de los siglos, convirtiéndose en una tradición cultural que, aunque a menudo controversia, ha demostrado ser una manifestación sorprendente del ingenio lingüístico de México.

Orígenes del Albur en México

Para comprender el albur en México, es esencial adentrarnos en su contexto histórico y cultural. Aunque el origen exacto del albur es difícil de rastrear, se cree que su raíz se encuentra en las interacciones culturales que se produjeron durante la conquista y colonización de México. La fusión de las culturas indígenas y españolas generó un crisol de lenguas y costumbres, dando lugar a una forma de comunicación caracterizada por el doble sentido y la ambigüedad.

El albur se convirtió en un medio de resistencia cultural, una forma sutil de desafiar a las jerarquías coloniales y una manera de mantener viva la identidad de las poblaciones mestizas. Esta habilidad para usar las palabras de manera ingeniosa, sin revelar su verdadero significado, se convirtió en una poderosa forma de expresión.

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Evolución del Albur en México

Con el tiempo, el albur evolucionó y se diversificó en México. Se integró en la cultura popular y se convirtió en una manifestación artística más que en un simple juego de palabras. Figuras como José Alfredo Jiménez, el icónico cantante y compositor ranchero, incluyeron el albur en sus letras, añadiendo una dimensión literaria a este juego de palabras.

El cine mexicano, en particular la Época de Oro del cine mexicano, también adoptó el albur como parte integral de su comedia. Actores como Cantinflas, con su habilidad para utilizar juegos de palabras, llevaron el albur a la pantalla grande y al corazón del público.

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El Albur en la Actualidad

Hoy en día, el albur sigue siendo una forma popular de entretenimiento en México. Ha evolucionado aún más con la llegada de la comunicación digital. Las redes sociales y la internet han permitido que el albur encuentre un nuevo y amplio público, con memes, videos y chistes relacionados con esta tradición lingüística que se comparten de manera viral.

Sin embargo, no todo es diversión y juegos. El albur a menudo ha sido criticado por su carácter sexista y ofensivo. La controversia que rodea a esta tradición plantea preguntas importantes sobre cómo se puede preservar su esencia lúdica sin perpetuar estereotipos dañinos.

Conclusión

El albur en México es una manifestación única del ingenio y la creatividad del pueblo mexicano. Su origen en las complejas interacciones culturales de la historia de México y su evolución a lo largo de los años lo convierten en un tesoro cultural. A pesar de las controversias, el albur sigue siendo una parte valiosa del patrimonio lingüístico de México y una expresión creativa que merece ser estudiada y apreciada en su contexto histórico y cultural. El albur no solo es un juego de palabras, es un reflejo de la identidad de México y su relación con el lenguaje, el humor y la sociedad.

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