En Catarxis hemos seguido de cerca a varios de estos proyectos, entrevistando a sus integrantes y escuchando cada acorde, cada letra, cada historia. Aquí te presentamos algunas bandas emergentes que están transformando la escena musical de CDMX y que definitivamente deberías conocer.

Cada época ha tenido sus “grandes éxitos”, y en el éxito, encontramos varios “actores” silenciosos que pasan desapercibidos, pero tienen un gran impacto. En el caso particular de la columna de hoy, hablaremos de esos instrumentos que nos marcaron con su sonido y timbre particulares.

Suscríbete ahora

Se hizo la luz

Uno de los sucesos que cambió nuestra manera de entender el mundo, fue el acceso a la energía eléctrica, la primera mitad del siglo pasado estuvo marcada por ese cambio, cambio que se dio en la música a través de los primeros instrumentos amplificados, como la guitarra y el bajo eléctrico.

Instrumentos que se adueñaron de la música de la época, del jazz y el rock and roll, y que además, marcarían el principio de una era en la que la tecnología revolucionaría el carácter de los sonidos, regalándonos colores que nunca imaginamos.

Mellotron

El mellotron se inventa a principios de los 60s , aparentemente parece un teclado como cualquier otro, pero su sonido particularmente onírico no tardó en hacerse un espacio en la música de su tiempo, canciones como: Strawberry fields forever (The Beatles) o In The Court Cf King Crimson (King Crimson). Bandas como Genesis y Moody blues se adueñaron del sonido del Mellotron, en una década en la que las tendencias hacia el rock comenzaban a crecer.

Minimoog

A finales de los 70s aparece el minimoog como el primer sintetizador realmente portátil, siendo una versión pequeña del moog modular, que era enorme en comparación. Protagonista de muchos temas increíbles, por su versatilidad, músicos de jazz, funk, disco y rock encontraron en el minimoog una manera de desatar su creatividad.

Yamaha DX7

¿Se imaginan la famosa “Take On Me” de “A-ha” sin ese sonido tan característico? ¡El Yamaha DX7 es el sonido de los 80s! Encontrar canciones en donde no este presente esta leyenda es una tarea difícil. Fue en 1983 cuando el mundo conoció este famoso sintetizador que a pesar de su complejidad a la hora de crear sonidos, logro cautivar el corazón de toda una generación.

Roland TR-808 Y AKAI MPC

Conforme nos acercábamos al nuevo milenio la manera de producir música se transformaba. Al principio de los 80s salió al mercado la Roland TR-808, una caja de ritmos que en principio no resultaba atractiva por su sonido “falso”, sin embargo con los años empezó a aparecer como un recurso común. Canciones como I Wanna Dance With Somebody (Whitney Houston), y gran parte de la escena del Hip Hop a principios de los 90s, adoptaron el instrumento.

Por otra parte el AKAI MPC60 (Music Production Center) Fue el primer dispositivo capaz de hacer varias tareas a la vez (secuencia, sampling, etc.), permitiendo al productor trabajar en tiempo real y de manera más orgánica.

Eventualmente modelos como la MPC3000 o la MPC2000 seguirían innovando la manera de crear samples. Productores como el legendario J Dilla convertirían la maquina un instrumento con un carácter cálido y humano. Siendo de suma importancia para el hip-hop en los 90s y principios del nuevo milenio, incluso al día de hoy.

Compartir

¿Qué otros instrumentos consideran legendarios?

No olviden que pueden dejar sus opiniones y comentarios, para mi es un gusto leerlos.

Los invito a seguir mis redes sociales para conocer más sobre mi trabajo:

Instagram

Youtube

Facebook

Tik Tok

Siempre hablamos sobre lo complicada que puede llegar a ser la industria musical y su cambios a través del tiempo, precisamente en esa constante evolución, el artista se transforma por necesidad y gusto, lo cual resulta en una encrucijada para los fans y el artista, que a veces pone en riesgo su carrera al cambiar de fórmula. ¿Qué tal si repasamos algunos casos interesantes de artistas que se reinventan por completo?

Suscríbete ahora

The Beatles

¿Cómo pasas de canciones que hablan de amor de la manera más ñoña a letras filosóficas y subversivas? El cuarteto de Liverpool hizo su aparición en 1963 con “Please Please me” un disco lleno de temas de amor juvenil; tuvieron que pasar solo cinco años para que dieran un radical cambio con su “white album” que presentaba su lado más experimental rozando el avant garde. Definitivamente una de las primeras bandas en cambiar totalmente su estilo al mismo tiempo que asombraban al mundo con la calidad de su música.

Fletwood Mac

Fletwood Mac tenia una trayectoria de 10 años para fines de los años 70 cuando el éxito tocó a su puerta. Originalmente eran un grupo de blues británico, tuvieron incluso incursiones en el rock progresivo, hasta que finalmente descubrieron su sonido en el soft rock que los haría ampliamente conocidos. Un camino que estuvo marcado por la experimentación y el cambio constante de sus integrantes.

Pantera

Pocos saben que en sus inicios Pantera no sonaba para nada como la potente banda que terminó siendo. Eran una banda de glam metal, y una más en una escena plagada del género a principios de los 80s. Fue en 1990 con “Cowboys from hell” que se pusieron serios, y en definitiva le dieron una nueva cara a su música. La voz monumental de Phil Anselmo sumado a los potentes riffs y solos de Dimebag Darrel hicieron de la banda una leyenda.

Lady Gaga

Lady Gaga esta cerca de cumplir 20 años de carrera. Su irrupción en la escena con su álbum debut “Fame” a mediados de los 2000 y su sonido electro pop sorprendieron al mundo, no obstante, Gaga sorprendería al colaborar con Tonny Bennet leyenda del jazz y el crooning en Duets II (2012), sería precisamente esa relación la que marcaría una etapa totalmente distinta en la carrera de la artista, con Cheek to cheek (2014) y Love for sale (2021) que una vez más demostraría sus cualidades vocales en un genero tan exigente como el jazz.

Arctic Monkeys

La banda inglesa salto al estrellato con su sonido frenético en una época donde el rock tenía un nuevo aire a principios del nuevo milenio, su debut con “Whatever People Say I Am, That's What I'm Not” (2006) fue uno de los más exitosos de esa década en Reino Unido. Con un sello que se puliría en trabajos posteriores, sería más de una década después con “Tranquility Base Hotel & Casino” donde su sonido daría un giro completo, lleno de influencias ajenas a trabajos anteriores, y con un sonido más cálido, contemplativo y alejado de su “esencia”.

Compartir

Los invito a seguir mis redes sociales para conocer más sobre mi trabajo:

Instagram

Youtube

Facebook

Tik Tok

El rock ha sido por décadas sinónimos de rebeldía y voz de multiples generaciones. Hijo del blues y de una sociedad que vio el mundo arder en la segunda guerra mundial. A mediados del siglo pasado figuras como “Elvis Presley” y “Chuck Berry” se convirtieron en iconos musicales y culturales, el fenómeno del rock and roll no tardó en hacer eco en la cultura de los países de hispanoparlantes.

Suscríbete ahora

Más vale tarde que nunca

A finales de los 50s cuando el rock and roll empezaba a cambiar de piel, en Latinoamérica el género dio sus primeros pasos. El rock que comenzó a producirse, consistía en versiones de los éxitos del momento con letras en español, buscando hacerlo accesible al publico. Grupos como “Los Teen Tops” en México, “Los Gatos Salvajes” en argentina o “Betinho e o seu Conjunto en Brasil” fueron los primeros en ofrecer una nueva experiencia a un publico que acontecería el nacimiento de historia pura.

Décadas de transición

Al final de los 60s y principios de los 70s el rock cambiaba una vez más, sonidos más duros, y “progresivos”, empezaron a resonar en el rock sudamericano, la variedad y expresividad de las nuevas tendencias comenzaban a fusionarse con las formas típicas de la música tradicional de cada región. “Los Jaivas” fusionaron el sonido del folklor chileno con el rock psicodélico, dotando su música de un color único.

En Argentina, “Charlie García” con “Sui Géneris” y posteriormente con “La maquina de hacer pájaros” y “Serú Girán”, nos mostrarían que no solo había grandes músicos en esta parte del mundo, sino que también estaban a la par de la técnica y composición de las mejores bandas del momento.

Bandas como “La revolución de Emiliano Zapata” (México), “We all Together” (Perú) , “O Terço” (Brasil), y muchas otras, seguirían con las tendencias del rock de la época, al mismo tiempo que se hacía notar la calidad y la identidad de una música relativamente nueva.

“Rock en tu idioma”

Para la década de los 80s el rock en Latinoamérica no tenía el peso y el mercado del rock angloparlante, pero en una época donde la música española empezó a pisar fuerte y con influencia de las nuevas tendencias de bandas como “The police”, “The cure” o “The Smiths”, nacería el “rock en tu idioma”, slogan ideado por la discográfica BGM Ariola, con la intención de presentar un “producto” más cercano. Bandas como “Soda estéreo” (Argentina), “Los prisioneros” (Chile) y “Caifanes” (México) darían apertura a una nueva etapa donde el rock latino dejo de ser solo música de culto y se convirtió en un fenómeno de masas.

Toda una ola de bandas nuevas como: “La ley” (Chile), “Aterciopelados” (Colombia), “Café Tacuba” (México), “Bersuit Vergarabat” (Argentina) disfrutaron en los 90s de la apertura que comenzó a darse en un mercado acostumbrado a la música en inglés. Podíamos encontrar propuestas llenas de new wave, reggae, funk, otras en donde afloraban las raíces mas profundas de la identidad latinoamericana; letras emocionales en ocasiones cargadas de contenido social representativo a sectores de la sociedad a veces marginados.

Nuevo milenio, nuevas tendencias.

El año 2000 llego y con ello mucha nueva música con la necesidad de seguir desarrollando una voz propia que se alejara de la música inglesa y norteamericana. “Los Bunkers” (Chile), “Zoé” (México), “Superlitio” (Colombia), “Viniloversus” (Venezuela,) y muchas más, nacieron de aquel boom de décadas pesadas, llegando en una temporada fértil, en un tiempo donde el auge de festivales dedicados al género creció enormemente, nos regalaron música fresca que seguía cautivando a nuevas generaciones.

Actualidad

El panorama del rock en general ha cambiado, su impacto, sus intenciones, sus exponentes, pero es un hecho que sigue siendo una parte importante de la cultura latinoamericana. “El Mato a un Policia Motorizado” (Argentina) “Little Jesus” (México), “We are The Grand” (Chile), son solo algunas de las bandas que representan el presente del rock en esta parte del mundo.

Quizá tu, querido lector, eres el futuro del rock latino… Habrá que dejar que el tiempo nos cuente la nueva historia, aquella que sigue escribiendo, la del rock con ñ.

Compartir

Los invito a seguir mis redes sociales para conocer más sobre mi trabajo:

Instagram

Youtube

Facebook

Tik Tok

Hace algunos años escribí un articulo titulado “¿Sueñan las maquinas música?”, en el que hablaba sobre la IA y su repercusión en la industria de la música, sorprendentemente, desde aquella ocasión los avances en la materia han sido enormes. ¿Qué ha cambiado y donde estamos parados ahora mismo respecto a las nuevas tecnologías?

Suscríbete ahora

Entre el miedo y la posibilidad

Las nuevas herramientas tardan en ser aceptadas por la sociedad, nos rehusamos al cambio, pero el cambio es más rápido que nosotros. La IA ya no es una suposición, es un hecho constante para todo aquel con acceso a un dispositivo con internet. Hoy “hacer música” es tan fácil como dar una descripción detallada a aplicaciones como Suno o Loudly que en cuestión de segundos crearan temas con letras y arreglos musicales completos.

Es increíble pensar que hemos llegado a un punto en la historia donde la creatividad “esta al alcance de todos”, no hacen falta años de estudio o practica para crear una “obra maestra”. Para muchos músicos y gente que ha dedicado su vida a la música esto resulta peligroso en muchos sentidos, tomando en cuenta lo voraz que es la industria. El miedo a la perdida de empleos y a condiciones aún peores para los artistas provocan que la mayoría rechace todo relacionado a la música generativa.

The Velvet Sundown hizo eco en internet al ser una banda totalmente generada por IA, obteniendo miles de reproducciones en poco tiempo. Y definitivamente nos hace replantearnos la idea de lo que representa ser un “artista en el mundo moderno”

Inflación musical

Con la creciente oferta musical derivada del fácil acceso a la creatividad sonora ,la música se devalúa, no solo para las grandes compañías y los grandes artistas , también para el publico, al cual puede resultarle abrumadora la inmensa cantidad de canciones que se ofrecen en los servicios de streaming. Con la IA es muy probable que la lista de éxitos se llene de música totalmente generada de manera artificial, lo cual seguramente no tardara en ocurrir si tomamos en cuenta el nivel de calidad que ha alcanzado este tipo de contenido.

El futuro (no muy lejano)

¿Qué pasara con el músico y su rol en la sociedad y la industria? Para responder la pregunta más allá de la especulación, hay que plantearnos ahora mismo el “¿por qué?” hacemos la música que hacemos. Competir no es una opción, entendamos que la productividad que pueden generar los algoritmos está a años luz del humano promedio. Como músicos, nuestra labor va más allá de ser productivos y complacer a la industria, la experiencia de la música debe ser trascendental, la música en vivo puede conectar de manera profunda en el oyente y es en definitiva el futuro. Quién haga música de ahora en adelante deberá entender que no solo se trata de tener una buena producción puesto que los estándares serán más altos. El performance, la energía, la entrega y por supuesto la verdadera creatividad deberán ser el motor de un nuevo mañana para los artistas del futuro, dejando de la frivolidad de los ídolos del internet y música que olvidamos en un dos por tres. La verdadera música no morirá mientras hayan artistas dispuestos a morir por ella.

Compartir

Los invito a seguir mis redes sociales para conocer más sobre mi trabajo:

Instagram

Youtube

Facebook

Tik Tok

A lo largo de varias décadas de música popular, nos hemos enamorado de letras divertidas, emocionales, profundas y llenas de todo tipo de historias, pero, ¿qué hay de aquellas letras que nos dicen “nada” o muy poco?, y que pese a eso, se quedan en la memoria debido a su ritmo pegajoso y carisma. ¿Qué tal si repasamos algunas?

Suscríbete ahora

Tequila (The Champs)

En una época llena de rock and roll The champs lanzó un tema “instrumental” titulado “Tequila”, que no tendría nada de raro, salvo por el uso de la misma palabra en repetidas ocasiones: La canción se volvió un éxito. Además de tener una buena melodía y un ritmo agradable, el “mantra” “tequila” quedó en la posteridad para toda una generación.

Mah ná mah ná (Piero Umiliani)

Piero Umiliani fue un compositor italiano reconocido principalmente por su trabajo en bandas sonoras de cine. Irónicamente su tema más conocido es Mah ná mah ná. La canción formo parte del documental de 1968 Sweden: Heaven and Hell, y en 1969 sería parte de la musicalización del programa The Red Skelton Show. La melodía seria versionada por los mismísimos Muppets incrementando aun más su popularidad. La tonada se basa en las palabras sinsentido que le dan nombre, frase que se repite una y otra vez sobre un ritmo con sabor brasileño.

Da Da Da (Trio)

Seguramente los que somos algo jóvenes todavía recordamos el “no me quieras chamaquear” de la banda mexicana Molotov y la contagiosa frase “Da Da Da”, sin embargo, el tema original nos remonta hasta 1982 con el grupo alemán de new wave “Trio”, y aunque la letra sube en complejidad respecto a los temas anteriormente mencionados (siendo esta un tema de desamor), la frase icónica de Da Da Da, permanecería aún incluso pese a la corta carrera de la banda.

Around The World (Daft Punk)

Daft Punk revoluciono la música en 1997 con su álbum debut Homework, del cual se desprende el tema “Around the world”, tema que pese a su complejidad de producción y ritmo hipnótico utiliza la misma frase del titulo continuamente para de manera casi profética llevarnos en un viaje sonoro.

Who Let The Dogs Out (Baha Men)

Los inicios del nuevo milenio estuvieron llenos de propuestas arriesgadas y de nuevas tendencias. Baha Men era un grupo de Reggae que ya llevaba activo varios años a finales de los 90s sin mucho éxito, pero fue con su versión de “Who Let The Dogs Out” que por fin lograron notoriedad, y aunque el origen de la frase se remonta a los 80s como canto estudiantil y años despues destacando en el tema “Doggie” de Anslem Douglas en 1998, la versión de los Baha Men rápidamente se haría popular por su repetitivo y particular coro.

Chacarrón ( El Chombo)

El reggaetón ha un sido un fenómeno musical y cultural en las ultimas décadas. Fue en 2006 que el conocido productor de reggaetón conocido como “El Chombo” estrenaría un curioso tema conocido como “Chacarrón”(nombre que al parecer viene de la deformación de la frase “shark around”) , que rápidamente se haría popular por su letra sin sentido y balbuceos rítmicos. Sin embargo, y paradójicamente, serian una referencia para el estilo y para la música que vendría.

Compartir

Los invito a seguir mis redes sociales para conocer más sobre mi trabajo:

Instagram

Youtube

Facebook

Tik Tok

La sociedad se moldea inminentemente sobre la imagen de las redes sociales: La música no es la excepción. El contenido donde nos venden perfección y falsa aspiración inunda la web, y muchos de nosotros sin querer podemos caer en la trampa. Hoy hablaremos sobre un caso que nos hace cuestionarnos sobre la dirección que toma el panorama musical en internet.

Suscríbete ahora

Contexto

El 25 de marzo de 2025 el youtuber Danny Sapko subió un video donde por primera vez, menciona el nombre Giacomo Turra, un guitarrista e influencer italiano al cual se refiere en dicho video de manera irónica y con humor sobre un mal performance por parte del chico.

Fue el 4 de abril en un nuevo video que se abordaría el tema de manera más sería y con “acusaciones más directas”, alegando plagio y la incapacidad de Giacomo de tocar lo que presentaba en sus videos. Declaraciones basadas en pruebas donde se mostraba una impecable edición haciendo playback de manera muy convincente; se compararon videos de otros guitarristas de los cuales tomo fragmentos haciéndolos pasar como suyos, incluso vendiendo transcripciones de esa música, es decir, su negocio se fundo a partir del esfuerzo de los demás y sin dar crédito a los autores originales. La mayoría del contenido que tomaba “prestado” era de canales pequeños o no tan grandes, canales dedicados a la música, no a empaquetar la música.

El tema escaló rápidamente, principalmente en la comunidad anglosajona con alguna que otra opinión dividida, pero en general criticando y a la vez alabando la manera tan sofisticada de engañar a toda una comunidad.

Más allá del escandalo

Las formas del joven Giacomo nos pueden parecer totalmente condenables, pero, ¿Qué podemos decir de sus motivaciones? ¿Qué motiva a alguien a llevar al extremo toda una puesta en escena con tal de salirse con la suya? Los estándares en las redes sociales nos hacen creer que la clave de nuestro éxito como músicos radica en como “vendemos” nuestro trabajo. El Italiano se tomo esto muy enserio, puesto que todo lo que hizo fue vender y vender: vender la imagen de un joven increíblemente talentoso (mismo que no dudo que realmente sea capaz de destacar por sus propias capacidades), vendió la idea de perfección, la pulcritud y la aspiración del éxito de un influencer musical. Todo lo había hecho perfecto, al grado que hasta consiguió patrocinadores. ¿Cómo es posible que incluso gente con mucha experiencia en el medio fuera timada? Quizá, la respuesta está en que al final “si vende sirve”, qué más da lo demás, si la gente compra la aspiración y no la música, eso genera dinero. No importa si lo que se vende es una absoluta falsedad, afuera hay gente que en su inocencia está dispuesto a pagar por ello.

Reflexión

Desde mi perspectiva, Giacomo Turra es victima de la industria, y por supuesto que esto no lo hace menos responsable, pero más allá de su ética dudosa y sus formas deleznables, es prueba de que somos capaces de todo ( y no necesariamente el buen sentido), con tal de tener éxito, un éxito que medimos en followers, fama, y no en calidad de nuestra música y plenitud artística, que aunque puede ser un tema subjetivo, no debería de dejar de ser lo verdaderamente importante.

Es verdad que la música es un negocio y nuestro sustento, pero imaginemos cuántos jóvenes soñaban con sonar como Giacomo, ser iconos de internet, cautivar a las masas y anunciar una gira por todas partes, tener su propia línea de guitarras. Que sea un negocio no implica falta de propósito y engañar para conseguir mayor estatus. Vivimos en un mundo peligrosamente plástico en el que las cosas que vemos rara vez son lo que parecen. El caso de Turra, nos hace pensar sobre como hoy en día la música entra por los ojos. Nos muestra la dificultad de los buenos músicos de destacar naturalmente por sus propias condiciones, y no por su marketing, ¿es un error en un sistema que premia el saber vender más que el saber ser creativo? Definitivamente vivimos tiempos difíciles, pero es esencial recordar que la música siempre debe ser primero.

Que la creatividad nos salve…

Compartir

Los invito a seguir mis redes sociales para conocer más sobre mi trabajo:

Instagram

Youtube

Facebook

Tik Tok

En ésta sección hemos hecho recuento de la música de ayer y hoy, esta vez toca hablar de los 70s, una década llena de música increíble, donde el rock, funk, soul y la música disco tomaron la escena.

Suscríbete ahora

Black Sabbath (Black Sabbath)

Hace algunos días se celebro el último concierto de la legendaria banda de heavy metal, “Black sabbath”, debut que se remonta al 13 de febrero de 1970 con su álbum homónimo “Black Sabbath”, disco que se convirtió en piedra angular de una carrera exitosa y esencial de un genero que en ese momento estaba en pañales. Temas como “The wizard” y N.IB”, resonaban en las cabezas de toda una generación.

Fresh (Sly & The Family Stone)

Sylvester Stewart, mejor conocido como Sly Stone fue el fundador de Sly & The Family Stone, que no solo fue unos de los grandes grupos música funk y soul, se convirtió en uno de las primeras bandas interraciales, haciendo visible que la música siempre rompe fronteras. En 1973 se estrena “Fresh”, disco que a pesar de no ser un éxito comercial, goza de arreglos asombrosos, llenos de ritmo y sabor funky.

Die Mensch-Maschine (Kraftwerk)

En los 70s hablar de música electrónica era como hablar de algo de otro planeta. Kraftwerk fue la “banda” de música electrónica por excelencia, y es incalculable su importancia en la historia de la música. Casi a 10 años de su debut, en 1978, vería la luz “Die Mensch-Maschine” álbum con sonidos salidos del futuro, temas como “The robots” o “The model” eran ventanas a como debería sonar la música en los años posteriores

The B-52's (The B-52's)

The B-52's con su estética retro (para la época) nos sorprendía en 1979 con el álbum del mismo nombre: “The B-52's”. Un potente debut lleno de letras con mucho humor y ritmos hipnóticos. Rock lobster fue una de esas canciones que se volvieron himnos y marcaron el exitoso inicio de la banda.

Rumours (Fletwood Mac)

Fletwood Mac tuvo una evolución interesante, desde sus inicios a mediados de los 60s como una banda de blues, pasando por el rock y llegando hasta el aclamado soft rock de “Rumours” en 1977. Un álbum que llego para romper el mercado llevando a la banda a lo más alto de las listas. Canciones como “Dreams”, “Go your own way” y “The Chain”, elevaron el estatus de un grupo que iba en ascenso meteórico, con una sensibilidad melódica sorprendente y letras llenas de sentimiento.

Compartir

Los invito a seguir mis redes sociales para conocer más sobre mi trabajo:

Instagram

Youtube

Facebook

Tik Tok

Al adentrarnos en el mundo musical, surgen diversas interrogantes, una de ellas es: ¿cuál es el valor de la música?, ¿hay realmente un criterio más allá de un mercado que señale con el dedo?, ¿más es o más, o menos es más? Para responder esa pregunta debemos entender a que nos referimos con “valor” y cómo interpretarlo.

Suscríbete ahora

Lenguaje trascendental

La respuesta corta es: el valor de la música es intangible e imposible de medir. No hablamos técnicamente u objetivamente, hablamos de la importancia que tiene la música en la historia de la humanidad, en el día a día, cultural y socialmente, en su valor artístico y humano. Habla sin palabras, conecta los corazones, las mentes de todos aquellos que coinciden en melodías que se quedan para la posteridad. No es solo un ocio o un precioso arte sonoro, es una expresión que trasciende nuestro espíritu. Decir todo esto parece muy romántico, porque no vivimos del aplauso, y aún así muchos estamos dispuestos a crear y soñar música sin esperar nada a cambio.

Cuando la idea se hace mercancía

En cuanto la música sale de nuestra cabeza y ve la luz , inevitablemente buscamos hacer de ella un “activo”, pero esto depende de muchos factores. Uno de ellos y quizá el más importante es la “demanda”, es decir, “cuántas personas están dispuestas a escuchar nuestra música” (a pagar por ella). Misma situación que genera una gran interrogante: ¿Es lo popular más valioso?, ¿es mejor la música que casi todos conocen? , ¿mi música no vale nada si nadie la escucha? Vaya que esto nos lleva a una reflexión interesante.

El peso de la industria

Evidentemente la popularidad no necesariamente se relaciona con la calidad, pero en términos de mercado y de una industria que no es industria si no genera ganancias, lo popular representa la apuesta segura, sin embargo, lo que hoy es popular no siempre lo fue, su valor económico nunca fue el mismo, creció en función de su rentabilidad. Tristemente, si la música no es rentable para el mercado, esta no sirve, el arte por ser arte no tiene valor en sí mismo. Tenemos la percepción de que lo popular es el estándar, que es mejor que aquello que no lo es. Un artista famoso siempre será “más” que alguien con la misma trayectoria pero menos popular. Alabamos la fama y despreciamos el ostracismo de ciertas tendencias. La música solo tiene valor cuando se puede hacer de ella un producto rentable, llámese mercancía, marcas, derechos de autor, etc.

Más música que nunca

Podemos llamarnos afortunados de vivir en una época donde gracias a los servicios de streaming tenemos a nuestra disposición una inmensa biblioteca de música. Hito que irónicamente representa una de las mayores caídas en el valor de mercado musical y el bolsillo de los artistas, ahora la oferta es inmensa, tan grande que parece que cualquiera puede hacer música… Y si así fuera, ¿por qué eso debería ser un problema?, bueno; lo es cuando entendemos el concepto de “oferta y demanda”, motivo por el cual muchos nos preguntamos cómo competir con tanta música, y quizá en el proceso, olvidamos de uno de los principios más importantes como artistas: el de ser creativos, no competitivos, problema que afecta a las comunidades musicales en sus diferentes facetas.

Del mercado, de lo objetivo y lo subjetivo

Es inevitable aceptar que la industria decide sobre la “buena y la mala música”, que el valor económico de un artista depende de su capacidad para ser rentable no así de su capacidad creativa. Y es que, dejando del lado el tema monetario, siempre será difícil ser objetivo sobre lo que es o no es buena música. La música virtuosa o compleja en ocasiones es catalogada como falta de corazón e incapaz de gustar al publico en general, y luego está la “simpleza” de cualquier canción que apela a la mera emoción y estremece a una mayoría. La música resulta en una expresión multifacética, más allá de nuestros gustos personales, hablamos de un ente que siempre está mutando. Los grandes artistas son los que se atreven a cuestionarse y reinventarse, el público no siempre atienda esa necesidad, por eso el fracaso de un artista a veces es una paradoja que tiene que ver con el cambio incomprendido, con el valor trascendental de la música. La música existe y todos la disfrutamos, soñamos y necesitamos, la música vale mucho, vale más que el dinero o que la fama, su valor es imposible de calcular, solo la eternidad sabrá cuanto vale cada melodía que alivia nuestra alma.

Compartir

Los invito a seguir mis redes sociales para conocer más sobre mi trabajo:

Instagram

Youtube

Facebook

Tik Tok

De niño, me encantaba escuchar música, en mis oídos retumbaban sonoridades y voces cotidianas, sin embargo, nunca imaginé sonidos trepidantes, disonantes, llenos de emoción y locura: Conocí el jazz a mediados de mi adolescencia, siendo un joven con sed de rebeldía definitivamente el alma transgresora de un genero forjado en la sangre de los oprimidos era combustible para alguien que exigía una nueva experiencia, pero… ¿por qué el jazz?, qué había en esa música que despertaba curiosidad y deseo. Porque bastaron unas cuantas notas para desencadenar una pregunta: ¿Cómo fluye esa fuente inagotable de ideas?

Hablar del jazz es sinónimo de libertad, de una tradición, filosofía y expresión que va más allá de un genero musical, mismo que durante todo el siglo pasado tuvo una evolución enorme, además de una influencia profunda sobre la cultura musical. Evolución que paso desde lo más bailable del swing, pasando por los ritmos irreverentes del funk, hasta las excentricidades de John Zorn y la explosión creativa del jazz contemporáneo Y claro que la historia del jazz es vasta y llena de innumerables anécdotas, pero no hablaremos de historia hoy.

A veces incomprendido, el jazz contiene una de las premisas más interesantes: “No hay error”. En términos teóricos y técnicos podríamos cuestionarnos al respecto, pero es evidente que la música, y naturalmente el arte se sostienen una y otra vez a través a partir del cambio, los errores del pasado son los nuevos paradigmas del presente, las reglas se aprenden para olvidarse. Claro que hay que analizar a detalle a que nos referimos con “error”, porque todos entendemos el error como aquello que no debería suceder. Nos aterra la idea del público murmurando nuestras fallas, la de nosotros mismos condenándonos por no dar con la nota correcta, pero muchas veces se resume en miedo al juicio, miedo a lo desconocido, miedo a no aceptar el cambio irremediable, lo imposible de predecir, aquello que no deseamos y sucede.

Video ilustrativo de como los músicos de jazz abordan el tema de los “errores”

Al ser el jazz música improvisada, música que surge desde lo espontaneo, ¿no es acaso el error un hecho?, ¿algo que está destinado a suceder? Uno intenta aspirar a la perfección, busca omitir el error, pero, ¿no es el error un milagro? nacido de la nada, nunca esperado y sin embargo una puerta, ¿a dónde? esa es la respuesta que se busca en el momento de improvisar. Si el error es una posibilidad de crear que nace de lo inesperado, es un deber acogerlo y llevarlo al camino ideal, darle la mano y reconocer que tenemos una oportunidad frente a nosotros.

A que no sabían que el piano y la risa de la intro de Roxanne de The police forman parte de un “error”.

Aplicado a la música en general es muy útil ver en el error una ventana, un trampolín. Estamos tan acostumbrados en condenar el fracaso que muchas veces olvidamos que las mejores cosas a veces suceden cuando menos las esperas. Quizá sea bueno pensar si habrá en nuestros errores grandes ideas, o si simplemente hace falta que nos equivoquemos más seguido.

Compartir

Los invito a seguir mis redes sociales para conocer más sobre mi trabajo:

Instagram

Youtube

Facebook

Tik Tok

El formato de álbum es parte esencial de la historia de la música. Lleno de mundos fantásticos conectados a través de melodías y letras, pero… los tiempos han cambiado y el concepto de álbum cada vez parece más cerca del pasado que del presente.

Suscríbete ahora

Breve historia del álbum

Ya hemos hablado hace tiempo de la historia de la grabación musical y formatos de distribución. Precisamente la invención de la grabación hizo posible el nacimiento del álbum ( nombre dado por la analogía a lo álbumes de fotos), pero fue hasta la llegada del LP (longplay) que se logró compilar más de un tema en un solo disco.

Impacto artístico

Definitivamente con la invención de un formato capaz de capturar más de 20 min ininterrumpidos, las posibilidades se hicieron amplias. Eventualmente los artistas usaron el formato para contar historias condensadas a través de un recorrido musical.

El famoso trompetista de jazz Miles Davis explora a través de su álbum “kind of blue” conceptos sobre música “modal”, en donde cada tema se conecta mediante ese hilo de experimentación.

---

La banda británica Pink Floyd explora a través de su álbum “dark side of the moon” temas filosóficos de la existencia humana.

---

Álbumes y “álbumes”

Entre mediados de siglo y el final del milenio pasado, estaba claro que no todos los álbumes tenían una trama tan elaborada, algunas veces solo compilaban canciones que no necesariamente estaban conectadas, pero ya eran parte de una práctica común en los artistas, probablemente con dos o tres hits y un buen o mal relleno. Seguían existiendo álbumes dispuestos a contar grandes historias a través de grandes melodías, pero al menos en el mainstream parecía que algo estaba cambiando.

Cambio de paradigma

La llegada de la era digital trajo consigo una ola de cambios al entorno musical, todavía hace dos décadas era normal el consumo de formatos físicos, al menos como adquisición emocional, porque a la par se daba la revolución de la música portátil. Aunque ya existían plataformas de música, no había un estándar ni un consumo constante. Eventualmente y como por arte de magia, toda la música estaba ya disponible en la nube, no solo superando el tema de la portabilidad, este hecho hizo posible conocer música que ni en nuestros mejores sueños podíamos adivinar conocer, ¿pero qué tiene que ver esto con el álbum?

La muerte del interés

No es que el álbum muriera de repente y no es que esté muerto realmente: Resulta que la industria cambio (para mal). Con el acelerado crecimiento de las redes sociales y la manera en la que el público consume contenidos, parecía que había una indisposición por la atención, razón por la cual muchos artistas, sobre todo los nuevos que aún no tenían un publico cautivo, optasen por adoptar el “single” como estándar. Y no estamos diciendo que ya nadie quiere lanzar álbumes, el hecho es que ahora resulta un riesgo, el artista promedio se pregunta si la gente está dispuesta a escuchar un álbum de larga duración, se pregunta si tiene tiempo, se pregunta si es un esfuerzo que vale la pena en un momento donde todo sufre la consecuencia de lo pasajero.

La música como experiencia

Siguiendo la tónica del articulo que realice sobre “la música como objeto de consumo” es evidente que muchos de los cambios que suceden en la industria rara vez obedecen la buena voluntad, sin embargo es importante no moldearse solo a esas tendencias, por supuesto que se deben hacer decisiones inteligentes a la hora de decidir sobre nuestra carrera musical, pero ¿por qué decidimos lo que decidimos? La música no es solo un single o un álbum, es una filosofía y nuestra manera de vida. Entonces no temamos por llevar la contraria, lo importante es saber lo que queremos con nuestra música.

Los invito a seguir mis redes sociales para conocer más sobre mi trabajo:

Instagram

Youtube

Facebook

Tik Tok

Buscar inspiración es una tarea intensa y apasionante. Nos llenamos de historias personales y de los otros. ¿Qué pasa cuando el arte inspira al arte? Hoy hablamos sobre aquellas obras literarias que se aparecen en las ideas de los músicos formando así, una fantástica amalgama.

Suscríbete ahora

1984 (David Bowie)

Del álbum Diamond Dogs de David Bowie se desprende “1984”, tema homónimo al libro de George Orwell que aborda la idea de un futuro distópico donde existe un gobierno totalitario que controla por completo a la población.

“Someday they won′t let you, now you must agree
(Algún día no te dejarán, ahora debes estar de acuerdo)

The times they are a-telling, and the changing isn't free
(Los tiempos están contándose, y el cambio no es gratis.)

You′ve read it in the tea leaves, and the tracks are on TV
(Lo has leído en las hojas de té, y las pistas están en la televisión.)

Beware the savage lure Of 1984”
(Cuidado con el salvaje señuelo de 1984)

---

Exit music for a film (Radiohead)

Destacada de la banda sonora de Romeo + Juliet, este tema de Radiohead aborda desde su perspectiva tan característica, el conflicto de ambos amantes en la obra de Shakespeare.

“Pack and get dressed before your father hears us
(Empaca y vístete antes de que tu padre nos oiga)

Before all hell breaks loose breathe, keep breathing
(Antes de que se desate el infierno Respira, sigue respirando)

Don't lose your nerve breathe, keep breathing
(No pierdas los nervios respira, sigue respirando)

I can't do this alone”
(No puedo hacer esto solo.)

---

Tom Sawyer (Rush)

Mark Twain escribió hace más de 100 años las aventuras de Tom Sawyer, que cuenta precisamente las innumerables vivencias de este astuto y sagaz joven. Es así como la banda de rock progresivo Rush inmortalizo musicalmente y metafóricamente la figura de Tom Sawyer.

Un guerrero moderno
(A modern-day warrior)

Paso malo, malo
(Mean, mean stride)

El Tom Sawyer de hoy
(Today's Tom Sawyer)

Orgullo malo, malo
(Mean, mean pride)

Aunque su mente no está en alquiler
(Though his mind is not for rent)

No lo taches de arrogante
(Don't put him down as arrogant)

Su reserva, una defensa tranquila
(His reserve, a quiet defense)

Superando los acontecimientos del día
(Riding out the day's events)

---

Pet sematary (Ramones)

Stephen King es uno de los maestros del terror y Ramones leyendas del rock. La canción homónima a la novela del autor, nos relata algunos detalles sobre esta historia cargada de horror.

“I don't want to be buried in a pet sematary
(No quiero que me entierren en un cementerio de mascotas)

I don't want to live my life again
(No quiero volver a vivir mi vida)

I don't want to be buried in a pet sematary
(No quiero que me entierren en un cementerio de mascotas)

I don't want to live my life again”
(No quiero volver a vivir mi vida)

---

Animals (Álbum de Pink Floyd)

Rebelión en la granja es un libro escrito por George Orwell en el que a través de una cuasi fabula, nos relata la terrible tiranía de un grupo de animales que habitan la granja del granjero Howard Jones, siendo la historia una reflexión sobre el autoritarismo. En esa línea “Animals” aborda el tema desde una perspectiva política diferente pero basándose en la idea original de Orwell. Un álbum conceptual que vale la pena escuchar.

“Hombre grande, hombre cerdo
(Big man, pig man)

Ja, ja, farsa eres
(Ha, ha, charade you are)

Tu gran rueda bien taconada
(You well heeled big wheel)

Ja, ja, farsa eres
(Ha, ha, charade you are)

Y cuando tu mano está en tu corazón
(And when your hand is on your heart)

Eres casi una buena risa
(You're nearly a good laugh)

Casi un bromista
(Almost a joker)

Con la cabeza gacha en el contenedor de cerdos
(With your head down in the pig bin)”

Compartir

Los invito a seguir mis redes sociales para conocer más sobre mi trabajo:

Instagram

Youtube

Facebook

Tik Tok

Desde hace miles de años la música es parte de la cultura. Sin embargo con la llegada de la “industria musical”, la relación música-humano se ha transformado constantemente. Desde la globalización, pasando por la masificación de los medios, hasta lo emocional y lo banal, ¿Qué significa la música hoy día? Para entender, tenemos que conocer cual ha sido el papel de la música a través de la historia.

Suscríbete ahora

Música ritual

No sabemos el momento exacto donde comenzamos a “hacer música”, sin embargo, el primer instrumento musical encontrado data de hace más de 40,000 años. La creatividad nos llevó a inventar formas de crear sonido. La música para sociedades antiguas tenía un papel místico y sagrado, ligada a los momentos más importantes de la vida del ser humano. Diversas culturas de todos los continentes conectaban su día a día con el acto del ritmo y los sonidos.

El papel de la iglesia

Si bien la conexión entre música y lo sagrado se remonta a culturas como la egipcia o sumeria, el vinculo entra la iglesia católica y la música sacra fue muy importante para la evolución de la misma , desde los cantos gregorianos del siglo IX hasta parte de la obra de Johann Sebastian Bach en el siglo XVIII. La música era una herramienta para acercarse a Dios, algo elevado y sublime.

Siglo XX y una revolución literalmente industrial

Antes del siglo XX pocos tenían acceso a la música; estaba en los teatros en las iglesias, rara vez en las calles, no existía una industria que vendiera música más allá del espectáculo, fue hasta la llegada los formatos que permitían almacenar el sonido (tengo un articulo de eso por aquí), donde realmente podemos hablar de consumo. A la par del nacimiento del mercado musical , aprendimos a relacionarnos con la música de manera más profunda, haciéndose parte de lo cotidiano, de movimientos sociales; de nuestras emociones y aspiraciones. ¿Cuántas personas en el pasado y el presente tienen historias con una canción? La música era más que el objeto de comprar y poseer, era conectar con las historias, las melodías, el artista.

Auge de la industria y “necesidad” de consumo

Eventualmente con el crecimiento exponencial del mercado musical, surgió la tendencia de imponer ciertos estándares para generar un “producto exitoso”. La música nace de distintas expresiones personales o artísticas, y aquellos que tenían control sobre la industria veían en ello el potencial comercial. En el mainstream a partir del éxito de un artista, le seguían sus imitadores, tratando de replicar la formula, no siempre con resultados favorables. Aquellos géneros que eran más populares tenían mayor exposición. La música no dejaba de ser arte, una profunda expresión humana, pero estaba claro que ya no era solamente eso: se convirtió en un producto más, un entretenimiento y un ocio atractivo que ofrecer a una sociedad en la que “el consumo” se volvía más una necesidad que una decisión. Cada vez era más fácil distribuir la música tanto en formatos físicos como en medios de difusión, llámese radio y televisión, al menos el siglo pasado, y pese a que la música estaba ya al alcance de prácticamente todo el mundo, era evidente que algo no estaba bien. 80s y 90s se llenaban de grupos creados solo con el objetivo de tener éxito comercial. Cuando algo transgresor se volvía la voz de la juventud, entonces la industria tomaba nota, y había que poseerlo de alguna forma.

Secuelas de mala praxis

Con la llegada del nuevo milenio las malas prácticas no cambiaron. Con una industria totalmente establecida era claro que la situación estaba muy lejos de cambiar. La música era el cotidiano, capaz ya de estar en nuestro bolsillo a través de dispositivos portátiles , la música estaba tan cerca de nosotros pero a la vez era banalizada y triturada, ya no hablemos de los artistas y sus tratos con las disqueras, había una brecha muy grande ya entre la música “comercial” y la “no-comercial”. El sutil acto de consumo podía ser emocional, pero todo lo que había detrás estaba lleno de un necesidad más empresarial que artística. Eran ya tiempos convulsos donde a finales de la década de los 10s, la industria cambiaba una vez más con el declive del formato físico a favor del streaming, decisión que una vez más, nunca favoreció a los artistas.

Carta de amor a la música

No hay necesidad de hacer este articulo eterno, y es evidente que aquí se plantea el resumen de un tema complejo. La música hoy día representa muchas cosas para cada individuo, diferentes géneros, diferentes artistas, con visiones distintas, hasta opuestas. Para mi, parte de la belleza del arte radica en la diversidad, la posibilidad, en este caso la música aún en un contexto de “producto” puede llegar a tener esa belleza. Quizá el problema sea cuando la música esta hecha solamente para venderse, o quizá no… porque sería un hipocresía decir que uno no quiere ser escuchado; tener “exito”, aunque eso mismo represente cosas distintas para todos. Aún en una industria tan voraz la creatividad aflora, y eso definitivamente debería ser una victoria. Somos “consumidores” no en un sentido amplio de la palabra, porque hablamos solo de música, no de toda la mercancía que la misma puede generar, juego en el que muchos artistas se envuelven, atrapados en esa rueda que no deja de girar, el peligro es no entender lo que sucede y simplemente dejar que todo pase. Que la música siempre sea lo más importante cuando se trate de música…

Compartir

Los invito a seguir mis redes sociales para conocer más sobre mi trabajo:

Instagram

Youtube

Facebook

Tik Tok

Mayo/2020

Observo el techo, los ojos cansados tras tantas pantallas. Recién encerrado por el confinamiento, miles de interrogantes invaden mi mente: ¿cuánto durará esto? ¿qué haré mientras tanto? Dejo el iPad a un lado —la app de Coursera abierta en un curso de Arte Sonoro, “aprovechando mi tiempo encerrado”— y cierro los ojos.

De pronto, en plena madrugada, irrumpe un riff inolvidable: nostálgico y profundo. Había puesto Spotify en aleatorio con mi playlist “Darkness”, llena de guitarras lentas, contundentes y cargadas de delay y distorsión, muy acorde al ánimo de aquellos días…

Del diario al análisis musical

Ahora, detengo la experiencia personal para desglosar a Toe y su sencillo: “グッドバイ Good Bye” en sus componentes: estructura, atmósfera y fuerza emotiva.

FICHA TÉCNICA

• Artista: toe

• Título: グッドバイ (Good Bye)

• Duración: 7:00

• Géneros: Post-rock · Math-rock · Instrumental

• EP original: New Sentimentality (2006)

ANÁLISIS MUSICAL

1. Introducción (0:00–1:30)

   Inicio a ritmo lento, riff o fraseo repetitivo, capa etérea de guitarras con delay, percusión minimalista y tensión creciente.

2. Despliegue temático (1:30–4:30)
   Riff central melódico unido a un bajo pulsante; texturas “math-rock” que crean dinámica.

3. Clímax progresivo (4:30–5:30)
   Solo de guitarra en diálogo con sintetizadores, elevando la tensión hasta un punto álgido.

4. Desenlace (5:30–7:00)
   Fade-out introspectivo: las capas se disuelven suavemente, dejando espacio para la reflexión.

LETRA (fragmento con el que me quedo)

“There is no one can understand me truly
I don't go out, I will keep silence
Everyone is mania in general
You don't have
To know others..”

TRAYECTORIA DE: toe

toe_music_official

A post shared by @toe_music_official

• Formados en Tokio en 2000.

• Pioneros del post-rock/math-rock instrumental en Japón.

• EP New Sentimentality (2006) y varios álbumes aclamados.

• “グッドバイ” se convirtió en uno de sus temas más celebrados, símbolo de su fusión de técnica y emoción.

  ---

DONDE ESCUCHARLOS

• YouTube (video oficial): arriba.

• Bandcamp: https://toe-music.bandcamp.com

• Spotify

»Te dejo esta canción en vivo:

¿Te ha pasado que una melodía te acompaña en tus mejores (o peores) noches?

Déjanos tu experiencia en los comentarios y comparte este artículo para que más personas descubran a toe.

Ya es costumbre que cada nuevo lanzamiento viene acompañada de un video musical: no siempre fue así. La historia del videoclip es reciente, arte que ha evolucionado con los años y que ha acompañado a la música para construir una identidad en cada escena.

Suscríbete ahora

Antes del video: “Soundies”

La idea de mezclar video y audio es más antigua de lo que pensamos. En la década de 1940 se produjeron cintas llamadas “Soundies” (nombre derivado de Soundies Distributing Corporation of America), películas que se reproducían en maquinas llamadas “Panoram”. No era como tal distribuido de manera masiva, pero sentó un precedente para lo que vendría después.

Aunque podemos remontarnos aún más atrás con lo que “Joseph Stern y Edward Mark” denominaron como “canciones ilustradas”, que si bien no eran videos en sí, era música acompañada de imágenes.

Los Beatles y más allá

Pasada la mitad del siglo XX, el mundo de se estremecía con la llegada de “The Beatles”, fueron ellos con videos como "Paperback Writer" y "Rain", junto a su largometraje “A Hard Day's Night”, que pondrían piedras angulares a lo que serian los videos musicales modernos.

Los 70s y la llegada de MTV

Si bien en la década de 1970 el videoclip no era el estándar aún, bandas como “Queen” o “Abba”, hicieron uso del mismo de maneras creativas e innovadoras que dejarían huella en futuras generaciones.

Fue en 1981 que cambiaria por completo la industria (una vez más) con la llegada MTV (music television).

Un canal dedicado solo a a la música, donde la imagen de los artistas tomo una relevancia enorme. Videos como "Thriller" de Michael Jackson, "Like a Virgin" de Madonna, "Take On Me" de A-ha, "Girls Just Wanna Have Fun" de Cyndi Lauper, y "Sweet Dreams (Are Made of This)" de The Eurythmics; mostraron al mundo la fuerza de las imágenes y la música en conjunto.

La modernidad

Eventualmente el uso del videoclip se volvió una norma para la industria. Aquellos que quisieran triunfar debían tener videos musicales a la altura, sobre todo en los años donde la televisión aún era la principal fuente de entretenimiento. Los 90s y 00s siguieron con esa tendencia. Con el auge del internet y siendo este la principal vitrina de exposición el videoclip está más vivo que nunca, y aunque el panorama y las audiencias han cambiado, persiste como un recurso importante para los artistas que buscan tener un gran impacto en el publico.

Compartir

Los invito a seguir mis redes sociales para conocer más sobre mi trabajo:

Instagram

Youtube

Facebook

Tik Tok

Aquí nos gusta hablar de música y de como la encontramos en todas partes. En el cine la banda sonora tiene un papel importantísimo, la simbiosis que debe haber entre los sonidos y las imágenes debe ser perfecta para tener el impacto correcto en el espectador. Hoy hablaremos de bandas sonoras que han dejado huella.

Suscríbete ahora

Star Wars

Estoy seguro que todos alguna vez en la vida hemos escuchado “la marcha imperial”, tema icónico de la saga de star wars, sin embargo es solo una ínfima parte de la maravillosa música compuesta por John Williams.

Con melodías como “main theme”, tema de luke, o el tema de la fuerza, escucharemos una increíble variedad de sonidos contundentes que acompañan todo el largometraje, caracterizadas por una orquestación clásica de cuerdas, metales y percusión que refuerzan el sentimiento épico y heroico del filme.

Cinema Paradiso

Compuesta por Enio y Andrea Morricone, llena de melodías nostálgicas y preciosas, la música de Cinema Paradiso nos transporta a la infancia y el amor en múltiples formas.

Caracterizada por melodías largas y entrañables donde las cuerdas y el piano toman un rol protagonista, la música se vuelve vivo reflejo de lo que estaremos viendo en la pantalla. Temas como Love Theme (Cinema Paradiso), tema de Totò e Alfredo y Childhood and Manhood han quedado en la memoria de los amantes del cine.

El viaje de Chihiro

Iniciando el nuevo milenio nos encontramos con la joya animada del estudio Ghibli: El viaje de chihiro, cuya música fue compuesta por Joe Hisaishi.

Cada melodía que acompaña las escenas de este clásico están repletas de emociones y una sensibilidad sin igual, donde el piano, cuerdas, flautas e incluso instrumentos típicos japoneses crean una atmósfera que mezcla lo etéreo y lo real. One Summer's Day y The Sixth Station, son solo algunos de los temas que podremos escuchar a la largo de la película.

Spider-man (Sam Raimi)

La década pasada fue el boom del cine de superhéroes, pero fue mucho antes, en el 2002 que vimos nacer la que para muchos fue un parteaguas en la industria; me refiero a la primera película “seria” de el hombre araña, cuya banda sonora fue compuesta por el mítico Danny Elfman.

No hay duda en que los que somos fans del arácnido recordamos el tema principal y como nos hizo vibrar la primera vez que lo escuchamos en la sala de cine. Con una orquestación vertiginosa, ritmos frenéticos y agiles que nunca pierden la seriedad, melodías densas y atmosferas envolventes, se ha vuelto un clásico de la música en el cine.

Interstellar

Esta me la pidieron muchos de mis queridos lectores, y no es para menos, hablamos de una obra maestra del cine en la que la música compuesta por Hans Zimmer teje una atmosfera indescriptible y celestial.

Un soundtrack que se caracteriza por el uso de melodías profundas e introspectivas en las que el órgano es el instrumento principal al que se suma una orquestación que sentimos enorme y un piano que nos lleva en los momentos más reflexivos. Sonidos que nos recuerdan lo enorme que es el universo y la belleza de los desconocido.

Compartir

No hace justicia este pequeño listado, es evidente que hacen falta muchas otras grandes bandas sonoras, pero espero que la lista sirva de introducción para aquellos que deseen adentrarse aun más en el arte de la música en las películas. Gracias a todos los que colaboraron con su opinión para esta columna, quizá hagamos una segunda parte, ¡nos vemos pronto!

Los invito a seguir mis redes sociales para conocer más sobre mi trabajo:

Instagram

Youtube

Facebook

Tik Tok

La salud mental ha tomado relevancia en las últimas décadas, no hablamos de un fenómeno nuevo, sin embargo, la sociedad ha generado consciencia de lo importante que es para el ser humano la estabilidad emocional y un entorno sano. La música como un “todo” nos presenta retos importantes, y fuera del ámbito creativo, la parte mental es de suma importancia para llevar a cabo nuestra labor: sin salud no tenemos nada, sin tranquilidad… ¿Cómo podemos aspirar a crear?

Suscríbete ahora

¿Qué pasa con los músicos?

Las problemática que enfrentan los músicos son diversas. Hablamos de temas personales, económicos, sociales, segregación y racismo; la autoexigencia, la critica, las expectativas personales y del entorno. Situaciones que pueden desencadenar en distintas enfermedades entre las que se incluye la depresión y en el peor de los casos: el suicidio. No es un tema menor si consideramos que la población de músicos representa una de las tazas más altas de suicidio según algunos estudios.

Otro de los problemas con los que nos enfrentamos es el abuso de sustancias, cuyo uso constante eventualmente genera un problema más grande. Los músicos (el gremio artístico en general) son uno de los sectores más vulnerables de la población, que aún en plena modernidad la sociedad aún arrastra prejuicios hacía la profesión, misma sociedad que carece de políticas públicas eficientes para proteger o incentivar el trabajo de los artistas.

El cristal se rompe

En ocasiones el músico lleva en silencio su dolor. Dolor puede llegar a ser combustible para su arte. Aquel dolor le mata de a poco mientras no lo controla, lo consume, a veces lentamente, si tiene “suerte” el dolor termina pronto, los de “afuera” no saben que pasa, parece “normal” el sufrimiento, como si después de miles de años lo natural fuera el padecer para el bohemio, una herencia del romántico y del loco, pareciera que sin ese dolor no hay un sentido: La realidad es otra. La música no es unidimensional, no solo a partir de nuestra amargura debería de suceder el milagro creativo, por el contrario si la mente es plena puede que las grandes ideas vengan sin esfuerzo.

Reconocerse en la tormenta

Es importante reconocer si es que tenemos un problema, buscar ayuda profesional, y si estamos del otro lado mostrar apoyo a quienes puedan estar pasándola mal.Quién esta en situación de crisis puede aislarse, decisión que puede tener efectos negativos. Hoy en día hay líneas de apoyo psicológico que pueden ser de gran ayuda para quienes se sienten perdidos. También es evidente que como mencionábamos al principio del articulo, las problemáticas son diversas por lo tanto las soluciones lo son también, pero a partir de ahí podemos entender qué pasos seguir, no hay problema pequeño y definitivamente si dejamos de disfrutar la vida difícilmente podremos disfrutar la música.

No olvidemos…

La intención del articulo es generar consciencia, exponer un problema que no es nuevo y que hoy está más vigente que nunca. Entender que problemas grandes requieren soluciones de la misma magnitud, abordarnos desde nuestros propios actos, observar el entorno y pensar: ¿será que alguien está pasando por esto? Recordemos que en nuestra humanidad está la fragilidad, misma que se rompe de pronto, no hagamos oídos sordos porque así no podremos escuchar la belleza de la música.

Compartir

Los invito a seguir mis redes sociales para conocer más sobre mi trabajo:

Instagram

Youtube

Facebook

Tik Tok

Catriel y Paco Amoroso están de regreso con el lanzamiento de su EP PAPOTA. Este dúo sigue dando sorpresas luego de que el 2024 cerrara para ellos con una popularidad gigante en redes tras su presentación en Tiny Desk. Para presentarlo, lanzaron un short film dirigido por Martín Piroyansky, con Cato y Paco como protagonistas y una participación especial de Martín Bossi.

Este corto ha generado reacciones y análisis sobre sus elementos visuales. No es un secreto que sus propuestas siempre han sido atrevidas. Nos recuerdan que su originalidad al mezclar sonidos funk, electropop, guitarras y percusiones es tan espontánea como su visión de la música y la industria.

A través de sus canciones y su short film, nos muestran una entretenida y cómica historia donde la fría industria musical los moldea, sugiriéndoles ser "las estrellas latinas más grandes de Estados Unidos" y ganar un "Latin Chady", como si esta propuesta, además de ser una aspiración, pudiera mejorar y asegurar su continuidad en la música.

La sátira está en cada rincón, ya que su intención es burlarse de la manera en que muchas disqueras moldean a sus artistas, reciclan la idea de la popstar y la explotan hasta el cansancio. Catriel y Paco, hijos del internet, toman esta idea y deciden ir con "Gymbaland" para cumplir su sueño, ayudados por "Chad GPT", que vale cada maldito dólar.

El short film puede sentirse como un sketch, pero también como un videoclip, una película argentina y hasta un musical. La mayoría lo aprobó y celebró la inclusión de estas fusiones artísticas, demostrando la originalidad que ha caracterizado a la música argentina.

Después de su presentación en Tiny Desk, Catriel y Paco recibieron críticas. Algunos haters mencionaban que no tenían la capacidad de seguir haciendo música de ese estilo. En el inicio del video abordan precisamente el síndrome del impostor que sintieron tras el éxito inmediato de su set. Su forma de hacer música les ha permitido encajar y desencajar en distintos géneros.

Quienes han seguido sus carreras saben que han incursionado en el metal con Astor y las Flores de Muerte, mientras que Paco ha trabajado con Adrián Dárgelos, y juntos han colaborado con Nathy Peluso.

Su versatilidad ha atrapado a nuevos oyentes, aunque algunos los consideran una banda de música parodia por su show y sus videos. Incluso han sido comparados con Illya Kuryaki and the Valderramas.

Este trabajo refuerza sus carreras con propuestas más arriesgadas. Afortunadamente, esa misma versatilidad hace que siempre nos sorprendan con su música. Han ganado rápidamente un valor que los mantendrá como un referente por mucho tiempo. Explorar sus proyectos es bastante interesante: todos tienen influencias de soul, jazz, funk y electrónica, lo que garantiza ejecuciones bien aterrizadas.

PAPOTA refresca esta nueva faceta de Catriel y Paco, burlándose del consumismo en la música y demostrando que su talento los posiciona como estrellas y referentes de la música argentina. El corto está disponible en su canal de YouTube. Son 16 minutos en los que Martín Piroyansky muestra su dominio del lenguaje visual moderno, además de consolidarse como un actor y director a seguir, con películas y series bien recibidas como Porno Helado.

Este dúo me recuerda a Illya Kuryaki and the Valderramas, quienes no solo jugaban con la sátira, sino que tenían un sonido atrevido para su época, marcando un precedente en la fusión de rap con rock, algo similar a lo que Cato y Paco han logrado.

Nos leemos en la próxima. Recuerda usar palabras como Glow Up, Vibe Check y un hashtag. #TETAS

Suscríbete ahora

En la era digital disponemos de fantásticas herramientas que nos ayudan a potenciar nuestro trabajo, así como facilitarnos la vida. La columna de hoy trata de algunas apps que como músicos nos pueden ser de gran utilidad.

Suscríbete ahora

Yousician

La aventura de aprender un instrumento musical es larga, sobre todo cuando no sabemos cómo empezar. De toda la vida han existido cursos, libros, y profesores capacitados para guiarnos en nuestro camino al conocimiento musical, sin embargo, hoy tenemos esa opción en la palma de la mano, a través de apps como yousician. Con una interfaz accesible y amigable que se suma a una versión gratuita de gran variedad de contenido, podremos aprender instrumentos como: guitarra, piano, bajo, ukelele y voz, a través de lecciones personalizadas que miden nuestro progreso.

Shazam

Shazam es una aplicación que permite reconocer canciones escuchando un pequeño fragmento, ideal si tienes una melodía en la cabeza pero no sabes de donde viene.

BandLab

Nuestra época se caracteriza por la búsqueda incesante de los medios tecnológicos por hacer todo más práctico. Existe software desde hace años con el cual podemos grabar en multitrack, editar y etc. Con Bandlab podemos hacerlo desde la comodidad de nuestro dispositivo móvil, ideal para aquellos que quieren empezar a crear de manera sencilla, con herramientas como instrumentos virtuales y la posibilidad de colaborar con otros usuarios dentro de la comunidad.

Moises

¿Te imaginas una app capaz de sacar la voz o cualquier instrumento? Déjame decirte que ya existe. Moises es una app ideal para aquellos que buscan trabajar sobre cualquier pista de manera sencilla, además de poder modificar tiempo o tono e identificar la armonía.

Suno

Una opción controvertida como innovadora, Suno nos permite generar música con ayuda de inteligencia artificial. Con algunas cuantas palabras claves tendremos en segundos un tema totalmente original, ideal para inspirarnos, o para ser el futuro amo de la I.A.

Compartir

Somos afortunados de vivir en una época en la que podemos disponer de inmensas posibilidades para crear y disfrutar, sin embargo no deja de ser una gran responsabilidad, sin aterrarnos la idea de lo nuevo, es evidente que estamos ante grandes cambios en la manera en la que nos relacionamos con la música y nuestro entorno.

Los invito a seguir mis redes sociales para conocer más sobre mi trabajo:

Instagram

Youtube

Facebook

Tik Tok

La posibilidad de grabar música fue un cambio de paradigma en diversos aspectos de la industria. La importancia del ingeniero de audio y la mezcla para lograr un resultado de calidad se hicieron aún más importantes, sin embargo en la joven historia de esta ciencia han ocurrido eventos muy interesantes, y de uno ellos lo conoceremos hoy.

Suscríbete ahora

¿De qué estamos hablando?

Para entender el tema en cuestión debemos conocer a que nos referimos cuando hablamos de mezcla y masterización:

🎛️ Mezcla: Se equilibran los sonidos ajustando volumen, posición (izquierda/derecha), ecualización y efectos para que todo suene claro y armonioso.

🔊 Masterización: Se optimiza el volumen, las frecuencias y la calidad general para que la canción suene bien en cualquier dispositivo y esté lista para su distribución.

---

Con esto dicho, entendemos que la mezcla y la masterización son parte esencial de producir un tema musical, mismos que pueden ayudar a potenciarlo, o en su defecto arruinarlo.

Un arte joven

En 1955 la empresa Ampex lanzó al mercado la primera maquina capaz de grabar en multitrack. eventualmente en 1957 se inventaría la imagen de audio estéreo, misma que ofrecería un nuevo universo de posibilidades a la hora de mezcla y masterizar.

La imagen estéreo es la percepción de espacio y profundidad en una grabación de audio creada mediante la separación de sonidos en dos canales (izquierdo y derecho). Esto permite que los instrumentos y voces se escuchen en diferentes posiciones dentro del campo sonoro, generando una sensación más natural e inmersiva.

---

Con la llegada del audio digital ( recomiendo leer un articulo que hice al respecto por aquí) vinieron más cambios y posibilidades. El nacimiento de las primeras DAW (Estación digital de audio por su siglas en ingles) vinieron a facilitar mucho el trabajo así como cambiar una vez más las formas y los cánones de un negocio siempre cambiante.

Obsesión por el volumen

Con la competencia constante dentro de la industria llegaríamos a un punto en el que surgiría un “conflicto sonoro”, evento que ocurrió en el transcurso de varias décadas, e incluso sigue vigente en el presente; me refiero a las “loudness wars”. Las discográficas empezaron a competir para sonar más fuerte, suceso que en principio no parece gran cosa, pero atentaba en muchas ocasiones contra la manera orgánica en la que cientos de artistas grababan su música, comprimiendo en extremo y matando el rango dinámico.

Por supuesto que hay, y siguen existiendo detractores de está practica, el problema radica en que muchas veces ese tipo de decisiones no son un tema creativo, sino que es un tema de mercado, decisiones tomadas por gente que no necesariamente sabe de música

Vuelta de pagina

Más allá de las practicas cuestionables en las que nos llegamos a envolver como artistas sin querer o queriendo, es importante entender de donde vienen ciertas tendencias, si es posible sacarles partido de alguna forma, pero evitar que lo plástico se apodere de nuestra música. A la hora de crear, estar consciente de todo lo que conlleva esa misma experiencia. El arte de la mezcla y todo lo que implica es un proceso que hay que tomar muy seriamente, y definitivamente, nada en exceso termina sumando.

Compartir

Los invito a seguir mis redes sociales para conocer más sobre mi trabajo:

Instagram

Youtube

Facebook

Tik Tok