Océano de sonido de David Toop es mucho más que un libro sobre música: es una cartografía lírica de la escucha, una exploración del sonido como paisaje, memoria y atmósfera. La obra invita al lector a abandonar la linealidad tradicional de la historia musical para navegar en una deriva sensorial que conecta sujetos, géneros y espacios en una vasta red sonora.

Toop parte de un gesto fundacional: el día en que Claude Debussy escuchó música gamelán en la Exposición de París de 1889, momento que el autor sitúa como umbral del siglo XX musical. A partir de allí, la escritura se despliega como un viaje nómada, saltando entre épocas, culturas y estilos —desde La Monte Young, Sun Ra, Brian Eno, Kraftwerk hasta Aphex Twin— para trazar una historia sonora cuya continuidad no depende de géneros, sino de experiencias de escucha inmersiva y expansiva.

Lo que distingue a Océano de sonido es su estilo: un híbrido entre ensayo, diario de viaje, entrevista y meditaciones poéticas. El texto refleja la propia filosofía de Toop sobre lo musical: no como un objeto definido, sino como un campo líquido de sensaciones, atmósferas y resonancias. En él, el sonido no se “consume”, se habita; no se contabiliza, se siente.

El libro se mueve entre lo analítico y lo intuitivo, lo histórico y lo subjetivo, y en ese flujo propone que la música —especialmente aquella que llamamos ambient, experimental o electrónica— actúa como paisaje psicoacústico. Aquí, escuchar es un acto de atención que descorre fronteras entre tradición y experimentación, revelando que los sonidos más etéreos pueden ser también los más reveladores de nuestro tiempo.

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Océano de sonido no responde una sola pregunta, sino que plantea muchas:

• ¿Cuándo el sonido comenzó a ser algo más que música?

• ¿En qué punto la escucha se convierte en experiencia —y hasta en forma de pensamiento?

• ¿Puede la música ser, en sí misma, un territorio para habitar?

Leer este libro es, sobre todo, aprender a escuchar de nuevo, con mente abierta y cuerpo receptivo.

📚 Dónde conseguirlo

• Océano de sonido — Amazon — Edición en inglés.

En La imagen, Jacques Aumont no se limita a explicar qué es una imagen: nos enseña a mirarla con responsabilidad intelectual. El libro funciona como un mapa teórico para desplazarnos por un territorio que parece familiar —lo visual— pero que rara vez cuestionamos en profundidad.

Aumont aborda la imagen desde múltiples frentes: la percepción, la representación, la historia del arte, el cine y la teoría visual. Lejos de reducirla a un objeto estético, la presenta como un dispositivo de sentido, cargado de decisiones culturales, técnicas y simbólicas. Cada imagen, sugiere el autor, es el resultado de una forma de ver el mundo… y también de una forma de organizarlo.

Uno de los grandes aciertos del libro es su capacidad para desmontar la idea de que la imagen “habla por sí sola”. Aumont insiste en que mirar no es un acto pasivo: implica aprendizaje, contexto, memoria y poder. La imagen no solo muestra; selecciona, encuadra, omite. En ese gesto silencioso se juega gran parte de su fuerza.

Aunque el texto tiene un carácter académico, su lectura se vuelve especialmente relevante en la era digital, donde la saturación visual amenaza con vaciar de sentido aquello que vemos. La imagen se convierte así en una herramienta crítica para artistas, cineastas, diseñadores y lectores que buscan recuperar la pausa frente a la mirada automática.

Más que un manual, el libro es una invitación a resistir la inmediatez: a observar con atención, a pensar lo visual como un lenguaje y a entender que toda imagen, incluso la más cotidiana, participa en la construcción de nuestra realidad.

Leer a Aumont hoy es reaprender a ver.

📚 Dónde conseguirlo

• Libro Físico La Imagen — Edición en español (La Marca / Paidós, 336 págs).

• The Image [Book] — Edición en inglés, opción económica (usada disponible).

También puedes comprarlo en tiendas y librerías online como Fnac España o Isadora Libros (ediciones nuevas según disponibilidad) .

Columnista: Yael Hervert | Tampa, FL | Octubre 2025

Este septiembre (2025), Germán J. González Gordoa y Guillermo D. González Gordoa regresan con el segundo tomo de Quimeras: Bestias: Grietas, continuación de su pionera investigación de 2012 sobre el arte quimérico del centro histórico de San Luis Potosí.

Entre calles empedradas y fachadas centenarias, las quimeras, esas figuras zoomórficas y bestiales inspiradas en la mitología clásica, nos siguen mirando desde los cornisamentos y relieves, recordándonos un pasado donde mito y arquitectura se abrazaban. Este libro no solo documenta sus formas y especies; también nos invita a redescubrir la ciudad con ojos atentos, apreciando cada garra, cada rostro feroz, cada grieta que cuenta historias olvidadas.

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La presentación se realizó en el Foro Cultural Rutilante de Trescia Colectivo, y reafirma algo esencial: estas bestias de piedra, talladas hace siglos, siguen vivas en nuestro paisaje urbano, y su preservación es tan urgente como fascinante.

Obras como Quimeras: Bestias: Grietas no solo enriquecen nuestra comprensión del pasado, sino que aportan un registro invaluable a la historia y creatividad de San Luis Potosí. Mantente atento a próximos lanzamientos y no dudes en buscar este título en bibliotecas locales, para seguir explorando los secretos que las quimeras aún guardan entre muros y cornisas.

¿Quién fue Tarkovski?

Andréi Tarkovski (1932–1986) fue uno de los cineastas más influyentes del siglo XX. Su obra marcó profundamente el cine europeo y mundial con películas como Andrei Rublev, Solaris, El espejo y Stalker. Su enfoque poético, metafísico y lento contrastaba con la narrativa convencional, convirtiéndolo en una figura de culto tanto para cinéfilos como para artistas de todas las disciplinas.

¿De qué trata Esculpir en el tiempo?

En este libro, Tarkovski comparte su visión personal y filosófica sobre el cine. Más allá de un tratado técnico, Esculpir en el tiempo es una meditación profunda sobre el sentido del arte, la misión del artista y la dimensión espiritual de la creación cinematográfica.

Para Tarkovski, el cine no es entretenimiento ni espectáculo: es un medio para explorar la experiencia humana a través del tiempo. Él afirma que el cine, a diferencia de otras artes, tiene la capacidad única de “esculpir el tiempo”, es decir, de moldear la duración real como material expresivo.

A lo largo del libro, analiza escenas de sus propias películas, cuestiona el montaje como forma de manipulación y defiende la honestidad artística por encima del efectismo. También se pronuncia contra la banalización del arte, planteando que el verdadero creador debe estar al servicio de la verdad, del alma y de lo invisible.

Esculpir en el tiempo es, entonces, una obra donde Tarkovski no solo explica su método, sino también su ética y su fe: una fe en el arte como vía para tocar lo trascendente, lo esencial, lo humano.

Frase destacada:

“El arte es una oración. Una forma de revelación. No debe agradar, sino despertar.”

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Antes de adentrarnos en los detalles, Ocean of Sound es una invitación a reaprender a escuchar: David Toop nos lleva de la mano desde los recovecos de la selva amazónica hasta las torres de cristal de Tokio, combinando historia, anécdotas de pioneros musicales y reflexiones que borran la línea entre ruido y música. Publicado en 1995 con un álbum compañero en 1996, este ensayo redefine la escucha activa, presentando el entorno sonoro —incluido el silencio— como materia prima de lo musical. A continuación encontrarás una mirada más cercana, con un tono cercano y fuentes al final.

Contexto y propósito

En 1995, el británico David Toop, músico y crítico experto en sonidos experimentales, publicó Ocean of Sound: Aether Talk, Ambient Sound and Imaginary Worlds, su segundo libro tras afianzarse como voz clave en el periodismo musical (Wikipedia). El proyecto nació con la intención de explorar la música ambient más allá de meros fondos sonoros, viéndola como un medio para profundizar en la conciencia y en las corrientes que recorren nuestro entorno (Wikipedia). Un año después, en enero de 1996, Virgin Records lanzó el álbum de dos discos que Toop compiló como banda sonora del ensayo (Wikipedia).

Contenido y estructura

Viaje histórico

Toop abre el libro remontándose a la Exposición Universal de París de 1889, donde Debussy descubre la música javanesa y percibe por primera vez el concepto de un sonido envolvente (riffraffpvd.com). A partir de ahí, traza un hilo que conecta desde Erik Satie y las vanguardias de principios del siglo XX hasta el dub jamaicano, el minimalismo y los experimentos electrónicos de la segunda mitad del novecientos (riffraffpvd.com).

Compañero sonoro

El álbum adjunto —32 pistas cruzadas de King Tubby a Aphex Twin, pasando por grabaciones de focas o tormentas tropicales— funciona como una banda sonora inmersiva y continua, diseñada para ilustrar los conceptos del texto y sumergir al oyente en ese “océano” de sonidos (Wikipedia).

Temas principales

• Sonido ambiente como protagonista: Toop celebra el canto de las ranas, el murmullo del viento o el zumbido urbano, alentándonos a escuchar el mundo como si fuese una partitura infinita (In Sheeps Clothing).

• Tecnología y misticismo: Analiza desde prácticas chamánicas hasta innovaciones electrónicas, mostrando cómo lo ancestral y lo futurista conviven en un mismo espacio sonoro (In Sheeps Clothing).

• Memoria e imaginación: Anécdotas como las de Aphex Twin pinchando discos de lijar o el monje japonés comisionado por Brian Eno ilustran la capacidad del sonido para evocar paisajes mentales y culturales (WIRED).

Estilo narrativo

La prosa de Toop equilibra rigor académico con descripciones vívidas y cercanas, salpicada de detalles que animan la lectura sin caer en tecnicismos impenetrables. Su tono es a menudo conversacional, como si conversara contigo en un estudio de grabación, invitándote a formar parte de la exploración (WIRED).

Recepción y legado

La crítica recibió Ocean of Sound con entusiasmo: el álbum compilatorio ocupó el cuarto lugar en la encuesta Pazz & Jop de The Village Voice en 1996 (Wikipedia), y voces como la de Peter Shapiro en The Wire destacaron la coherencia del viaje musical propuesto (Wikipedia). Con el tiempo, la obra se ha convertido en texto de referencia para estudios de cultura sonora y música experimental, inspirando a oyentes, músicos y académicos a repensar la frontera entre ruido y música (Crack Magazine).

Conclusión

Casi treinta años después, Ocean of Sound sigue siendo una experiencia reveladora: un mapa de posibilidades sonoras que nos recuerda que el silencio y el ruido cotidiano pueden ser tan fascinantes como la música más sofisticada. Si buscas ampliar tu forma de escuchar y sumergirte en paisajes auditivos insospechados, este libro es un compañero imprescindible.

Fuentes

-Ocean of Sound (Wikipedia). (Wikipedia)

-Review: “Book Review: Ocean Of Sound” (Kittysneezes, 2006). (Kittysneezes)

-“Read this: David Toop's Ocean of Sound” (In Sheep’s Clothing HiFi, 2021). (In Sheeps Clothing)

-“Ambient sound and radical listening…” (RiffRaff PVD). (riffraffpvd.com)

-Discogs: Various – Ocean Of Sound (1996). (Discogs)

-Amazon: Ocean of Sound: Aether Talk… (Review 2021). (Amazon)

-Goodreads: Ocean of Sound (Serpent’s Tail, 1995). (Goodreads)

-Wired: “Sonic Space Scribe” (1996). (WIRED)

-Crack Magazine: Extracto de Ocean of Sound (2018). (Crack Magazine)

-Acclaimed Music Forum: Datos biográficos de David Toop. (acclaimedmusic.net)

»AQUI PUEDES CONSEGUIRLO:

https://www.amazon.com.mx/Ocean-Sound-Aether-Ambient-Imaginary/dp/1852427434

En Vida y muerte de la imagen, Régis Debray ofrece una profunda exploración sobre la evolución de la mirada en la cultura occidental, desde las primeras representaciones visuales hasta la era digital. Publicado originalmente en 1992, este ensayo se ha consolidado como una obra fundamental en los estudios sobre la imagen y la mediología.

Debray propone una división tripartita de la historia de la mirada: la mirada mágica, la mirada estética y la mirada económica. La primera se asocia al ídolo, donde la imagen tiene un carácter sagrado y ritual; la segunda al arte, donde la imagen se convierte en objeto de contemplación estética; y la tercera a lo visual, donde la imagen se transforma en mercancía y objeto de consumo .

El autor argumenta que la imagen nace vinculada a la muerte, como una forma de prolongar la presencia de lo ausente. Esta relación inicial con la muerte otorga a la imagen un poder simbólico que ha ido transformándose con el tiempo .

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En su análisis, Debray también aborda el impacto de los medios de comunicación y la tecnología en la producción y distribución de imágenes. Señala que la saturación visual y la manipulación mediática han llevado a una pérdida de significado y a una disminución de la capacidad de las imágenes para generar un impacto duradero en el espectador .

Además, el autor introduce el concepto de “videosfera” para describir la era actual, caracterizada por la omnipresencia de imágenes en movimiento y la inmediatez de la información visual .

Vida y muerte de la imagen es una obra que invita a reflexionar sobre el papel de las imágenes en la sociedad contemporánea y su influencia en nuestra percepción del mundo. Con un enfoque interdisciplinario que combina filosofía, historia del arte y teoría de los medios, Debray ofrece una perspectiva crítica y profunda sobre la evolución de la mirada en Occidente.

Una juguetería filosófica. Cine, cronofotografía y arte digital, de David Oubiña, es un ensayo que funciona como un viaje por la historia del cinematógrafo, un permiso para introducirse en la “máquina del tiempo” de la imagen en movimiento. Con una prosa que destila la “materia fantasma” de la producción visual, Oubiña construye una suerte de fantasmagoría del cine, invitando al lector a contemplar tanto sus impresiones como sus ilusiones .

El recorrido arranca con un análisis detallado de los denominados “juguetes filosóficos” del siglo XIX: artefactos como el zootropo, el praxinoscopio, el fenakistiscopio o el taumatropo. El autor describe su funcionamiento y contexto cultural, y complementa el texto con un anexo gráfico que incluye imágenes de los aparatos y una línea del tiempo que mapea la transición de los juegos ópticos a los primeros experimentos cronofotográficos .

A continuación, Oubiña se detiene en los experimentos de Étienne‑Jules Marey y Eadweard Muybridge, mostrando cómo la cronofotografía segmenta el movimiento en sucesivas poses estáticas y plantea los primeros cuestionamientos sobre la idea de realidad visible. Esta paradoja —el cine como fragmentación y continuidad a la vez— se revela como el germen de la reflexión cinematográfica .

En el núcleo teórico, el ensayo despliega la célebre frase:

“El cine es la fotografía en movimiento; pero la fotografía era ya, desde el principio, el cine en suspenso” (p. 111),

para profundizar en la tensión entre realismo y artificio y, finalmente, derivar en una reflexión sobre las prácticas del arte digital y el video contemporáneo .

Más allá de la tecnología, Oubiña teje diálogos con pensadores y artistas como Borges, Baudelaire, Adorno, Sebald, Duchamp, Godard o Bill Viola, así como con creadores contemporáneos que exploran la deconstrucción del movimiento. Este enfoque interdisciplinario enriquece la obra y la convierte en lectura obligada para quienes buscan entender la dimensión cultural del cine .

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Con un estilo ágil y accesible, Una juguetería filosófica se perfila como una obra de referencia imprescindible para estudiosos del cine, historiadores del arte y creadores digitales interesados en las raíces tecnológicas y filosóficas de nuestra cultura audiovisual .

Fuentes:

https://dialnet.unirioja.es/descarga/articulo/7309169.pdf

https://proyectoidis.org/una-jugueteria-filosofica/

https://www.casadellibro.com/libro-una-jugueteria-filosofica-cine-cronofotografia-y-arte-digital/9789875001268/1612415

https://anatche.com/textos-una-jugueteria-filosofica-david-oubina/

Una mirada a los inicios del arte digital

Greene inicia su recorrido contextualizando los pioneros que, en los años 90, vieron en Internet no solo una herramienta de comunicación, sino un lienzo en blanco donde experimentar con nuevos lenguajes visuales y conceptuales. Con una prosa clara y amena, la autora desmenuza las raíces del movimiento net.art, haciendo hincapié en cómo los artistas rompieron con los paradigmas tradicionales y se atrevieron a desafiar los límites del medio.

Estética, tecnología y colaboración

Uno de los puntos fuertes de la obra es la forma en que Greene aborda la relación entre tecnología y estética. El libro analiza cómo el código y la programación se transformaron en instrumentos creativos, y cómo la interactividad y la participación del espectador se convirtieron en elementos fundamentales de las obras de arte. Además, se destaca la importancia de las comunidades digitales, que no solo permitieron la difusión de estas prácticas, sino que también fomentaron colaboraciones y nuevos modelos de producción artística.

Reflexiones sobre la transformación digital

La autora también dedica un espacio a examinar el impacto de la evolución tecnológica en el arte. La transición hacia la web 2.0 y el auge de las redes sociales abrieron nuevas posibilidades para la creación y distribución de obras, impulsando una democratización del arte digital que, si bien trajo consigo desafíos en cuanto a la comercialización, también enriqueció el panorama cultural global.

Conclusión

Internet Art es una obra imprescindible para quienes deseen comprender el dinamismo y la evolución del arte en la era digital. Con una narrativa que equilibra rigor académico y accesibilidad, Rachel Greene logra capturar la esencia de un movimiento artístico en constante transformación, invitando a reflexionar sobre cómo la tecnología sigue reconfigurando nuestras maneras de crear y experimentar el arte.

Sin duda, esta publicación se erige como una lectura obligada para artistas, críticos y entusiastas del arte contemporáneo, ofreciendo una perspectiva histórica y visionaria que sigue resonando en la actualidad.

»MÁS DETALLES SOBRE EL LIBRO

El cine no tiene un punto de inicio absoluto ni un límite fijo. Su historia es un proceso continuo de transformación, impulsado por avances tecnológicos y nuevas formas de narrar. En Pre-cine y post-cine: en diálogo con los nuevos medios digitales, Arlindo Machado nos invita a repensar el cine más allá de su definición clásica, explorando sus antecedentes y su evolución en la era digital.

El libro se divide en dos partes fundamentales. En la primera, Machado rastrea los orígenes del cine en dispositivos como la linterna mágica, el fenaquistiscopio y el zootropo, demostrando que el deseo de capturar el movimiento existía mucho antes de la invención del cinematógrafo. Con una mirada crítica y bien documentada, el autor resalta cómo estos inventos sentaron las bases para la percepción visual moderna.

En la segunda parte, el enfoque se desplaza hacia el impacto de los medios digitales en la producción y el consumo de imágenes en movimiento. Machado analiza fenómenos como el cine expandido, la interactividad y la realidad virtual, cuestionando los límites de lo que hoy entendemos como cine. Más que verlo en crisis, el autor plantea que el cine se ha disuelto en nuevas formas narrativas que aprovechan las posibilidades de la digitalización.

Con un estilo claro y accesible, Pre-cine y post-cine es una obra esencial para quienes buscan comprender el cine como un medio en constante evolución. Machado no solo ofrece una perspectiva histórica, sino que también nos deja con preguntas fundamentales sobre el futuro del lenguaje audiovisual en un mundo dominado por las pantallas.

Adquirir o saber más del libro.

En un mundo saturado de imágenes, donde lo visual domina la comunicación y la percepción de la realidad, Sergio Martínez Luna nos invita a detenernos y preguntarnos: ¿qué es realmente una imagen? En Cultura visual: La pregunta por la imagen, el autor no solo explora el significado de las imágenes en la era digital, sino que nos desafía a reconsiderar nuestra relación con ellas.

La imagen como un enigma

Martínez Luna no se conforma con una definición cerrada de la imagen. Al contrario, la presenta como un fenómeno escurridizo que se resiste a ser delimitado. Para él, la imagen no solo representa la realidad, sino que la crea, la problematiza y la manipula. A través de un enfoque performativo, el autor se aleja de las lecturas tradicionales de la imagen como simple signo o representación, y nos muestra cómo estas operan en la construcción de nuestra percepción cotidiana.

Lo digital y la transformación de lo visual

El libro también pone el foco en la era digital y en cómo la interconectividad ha cambiado las reglas del juego. Las imágenes ya no son estáticas ni unidimensionales; se han vuelto fluidas, híbridas, indistinguibles entre lo real y lo virtual. Este fenómeno ha generado nuevos dilemas sobre la autenticidad, la materialidad y el consumo de lo visual.

Martínez Luna nos lleva a cuestionar hasta qué punto estamos atrapados en un sistema visual que, aunque parece ofrecernos infinitas posibilidades de interpretación, en realidad nos condiciona dentro de un orden ya establecido.

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Un ensayo que interpela al lector

Más que un análisis académico, Cultura visual: La pregunta por la imagen es un ejercicio de reflexión continua. No busca respuestas definitivas, sino abrir un diálogo en el que cada lector se enfrente a sus propias percepciones y hábitos visuales. En este sentido, es un libro imprescindible para artistas, diseñadores, teóricos del arte y cualquier persona interesada en comprender el impacto de las imágenes en nuestra sociedad.

Con un estilo claro pero profundo, Martínez Luna nos recuerda que la imagen no solo es un reflejo del mundo, sino un agente activo en su construcción. Y en un tiempo donde la imagen se ha convertido en la moneda de cambio de la realidad, cuestionarla es más urgente que nunca.

En La cultura del diseño, Guy Julier nos ofrece una reflexión profunda sobre el diseño como algo mucho más que una mera herramienta estética o funcional. A lo largo de este libro, Julier nos invita a mirar el diseño desde una perspectiva crítica y cultural, analizando cómo impacta, define y moldea nuestra vida cotidiana, las identidades colectivas y las relaciones de poder. Lejos de centrarse solo en la creación de objetos, el autor coloca al diseño en el centro de una conversación más amplia sobre los valores, las ideologías y los movimientos sociales.

El texto explora cómo el diseño, desde su apariencia más simple hasta su función más compleja, tiene un poder significativo en la construcción de significados dentro de la sociedad. Según Julier, el diseño no solo responde a necesidades técnicas, sino que también está involucrado en la creación de experiencias, en el consumo de productos y, lo más importante, en la forma en que nos relacionamos con los objetos que nos rodean. Cada diseño, cada producto, lleva consigo un mensaje sobre lo que es importante, lo que es valorado, lo que se consume y lo que se descarta.

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A lo largo de La cultura del diseño, el autor examina cómo el diseño ha sido absorbido por la lógica del mercado y cómo, a menudo, se convierte en un motor de consumo y de tendencias más que en un vehículo de cambio social. Este aspecto, que Julier no duda en criticar, nos lleva a pensar sobre las dinámicas de poder que se esconden tras los objetos que consumimos: qué intereses están en juego y cómo el diseño influye en lo que deseamos, necesitamos o creemos necesitar. A pesar de esta crítica, también resalta las posibilidades que el diseño tiene para ser una fuerza positiva, como lo demuestra la creciente preocupación por la sostenibilidad y la responsabilidad ética en el ámbito del diseño.

Otro aspecto fascinante de la obra es la reflexión sobre la relación entre diseño y poder. Julier nos invita a pensar en los diseñadores no solo como trabajadores de la estética, sino como agentes activos que participan en la creación de una cultura material que refleja y reproduce determinadas estructuras sociales. Los diseñadores, según Julier, tienen la capacidad de reforzar, pero también de desafiar, las normas de poder que definen nuestras sociedades. Esta es una invitación a pensar sobre la ética del diseño y la responsabilidad que conlleva influir en el entorno cultural y social.

A lo largo del libro, Julier también aborda la globalización y la digitalización, que han transformado radicalmente el campo del diseño. Hoy, el diseño es un fenómeno global, presente en todos los aspectos de nuestra vida, desde la moda hasta el diseño de experiencias digitales. En un mundo interconectado, el diseño no solo responde a necesidades locales, sino que se expande y transforma constantemente, generando nuevas dinámicas, tanto culturales como económicas.

La cultura del diseño es un libro indispensable para quienes desean entender el diseño más allá de su faceta superficial. Julier nos invita a reflexionar sobre cómo el diseño influye en nuestra forma de vivir, pensar y consumir, y cómo tiene el poder de dar forma a las sociedades. Este libro no solo es una crítica al diseño tal como lo conocemos, sino una invitación a repensarlo y a reconocer su potencial para transformar el mundo en el que vivimos.

En definitiva, La cultura del diseño es una obra que nos permite mirar el diseño con otros ojos: no como una simple herramienta para crear objetos, sino como un fenómeno cultural, social y económico que tiene un profundo impacto en nuestras vidas.

Reseña: Show Your Work! (¡Aprende a promocionar tu trabajo!) de Austin Kleon

Austin Kleon, reconocido por su enfoque práctico y directo hacia la creatividad, vuelve a sorprendernos con Show Your Work!, un libro que se ha convertido en una brújula para artistas, creadores y emprendedores que desean conectar con su audiencia y destacar en el mundo digital. A través de diez capítulos llenos de sabiduría y ejemplos, Kleon nos invita a compartir nuestro proceso creativo y a construir una red auténtica basada en la transparencia y la colaboración.

El mensaje principal del libro es claro: en un mundo hiperconectado, el secreto para ganar relevancia no está en perseguir la fama, sino en compartir generosamente tu camino. Kleon derriba el mito del genio solitario y resalta la importancia de ser abierto y accesible. Al compartir no solo los resultados de tu trabajo, sino también las ideas, fracasos y aprendizajes que surgen en el camino, puedes atraer a una comunidad genuina de personas interesadas en lo que haces.

Uno de los aspectos más valiosos de Show Your Work! es su enfoque en la autenticidad. Kleon no promueve fórmulas mágicas ni estrategias de marketing agresivas; en su lugar, ofrece consejos prácticos que cualquiera puede aplicar, como documentar tu proceso diario, crear valor para otros a través de tu contenido, y aprender a aceptar las críticas como parte del crecimiento creativo. El libro también resalta la importancia de la constancia, animando a los lectores a mostrar su trabajo incluso cuando sienten que no es perfecto.

El estilo de escritura de Kleon es fresco, accesible y motivador, lo que convierte al libro en una lectura ligera pero profundamente transformadora. Las ilustraciones y diagramas que lo acompañan refuerzan las ideas principales y lo hacen aún más atractivo para quienes valoran el diseño visual. Además, los ejemplos de artistas, escritores y creadores que han aplicado estas estrategias le dan al lector la confianza de que este enfoque realmente funciona.

Show Your Work! también tiene un mensaje crucial para los tiempos actuales: en una era donde las redes sociales dominan nuestra interacción, es vital aprender a destacar sin perder tu esencia. En lugar de obsesionarse con los números o la popularidad, Kleon alienta a los creadores a enfocarse en aportar valor y construir relaciones significativas con su audiencia.

En resumen, Show Your Work! es una guía esencial para cualquier artista o creador que desee compartir su pasión con el mundo y abrir nuevas puertas en su carrera. Es más que un libro sobre promoción; es un manifiesto sobre cómo ser generoso, auténtico y persistente en tu camino creativo. Una obra indispensable para quienes buscan destacar sin comprometer su integridad artística.Reseña: Show Your Work! (¡Aprende a promocionar tu trabajo!) de Austin Kleon

Entre las páginas de la comedia griega Lisístrata, escrita por Aristófanes en el 411 a.C., se esconde una historia audaz y sorprendentemente moderna: un grupo de mujeres hartas de la guerra decide tomar medidas extremas para detener el conflicto entre Atenas y Esparta.

¿El arma?

Una huelga sexual que pone de rodillas a los hombres y deja claro que la paz es tan urgente como posible.

La Estrategia de Lisístrata: Una Huelga Sexual para Lograr la Paz

La protagonista, Lisístrata, es una mujer ateniense ingeniosa y decidida a cambiar el curso de los acontecimientos. Convencida de que la guerra no solo desgarra las ciudades, sino también las vidas familiares, reúne a mujeres de ambos bandos y propone un acuerdo sin precedentes: ninguna de ellas mantendrá relaciones con sus maridos hasta que los hombres firmen un tratado de paz. A través de esta trama, Aristófanes retrata a Lisístrata como una líder que desafía las convenciones de su época, enfrentando con inteligencia y coraje las barreras de género para lograr sus objetivos.

Una Comedia que Satiriza la Guerra y Desafía el Patriarcado

Con esta huelga, Aristófanes convierte a las mujeres en las protagonistas activas de la política, y a través de su sátira, critica con humor la ceguera de quienes sostienen el conflicto. Mientras los hombres, agotados y desesperados, van cediendo al poder de la huelga, Lisístrata demuestra que la paz es una responsabilidad compartida, y que los métodos para alcanzarla pueden ser tan inusuales como efectivos. La obra satiriza los roles de género de la antigua Grecia y deja claro que la habilidad para tomar decisiones no depende de géneros o rangos militares.

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Por Qué Lisístrata Sigue Tan Actual Hoy

La obra de Aristófanes ha sobrevivido a los siglos porque sus temas son universales: el anhelo de paz, el rechazo a la violencia y la igualdad entre géneros. A pesar de haber sido escrita hace más de dos mil años, Lisístrata es relevante en su mensaje pacifista y feminista. Nos recuerda que el poder para transformar una sociedad puede estar en manos de aquellos que, por costumbre o prejuicio, han sido considerados “ajenos” a la política. Con su huelga, las mujeres de Lisístrata se convierten en símbolos de resistencia pacífica y de un cambio genuino en la sociedad.

Un Humor que Desnuda la Realidad

La comedia de Aristófanes está llena de momentos exagerados y de ironía que no solo provocan risa, sino que también invitan a reflexionar. Al exponer la vulnerabilidad de los hombres y sus deseos, la obra cuestiona las prioridades y actitudes bélicas, mostrando el conflicto desde una perspectiva única. A través de la exageración y el sarcasmo, Aristófanes critica la guerra y deja una lección universal: a veces, los medios más inesperados y subversivos pueden ser los que logran los cambios más profundos.

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“El espectador emancipado”, publicado en 2008 por el filósofo francés Jacques Rancière, es una obra que invita a la reflexión sobre la relación entre el arte, la política y la percepción. A través de su análisis, Rancière desafía las nociones tradicionales del papel del espectador en la experiencia artística, proponiendo que esta figura es, en realidad, un agente activo en la construcción de significados.

El espectador como agente activo

Rancière comienza su obra cuestionando la concepción pasiva del espectador, quien históricamente ha sido visto como un simple receptor de la obra de arte. En lugar de ello, argumenta que el espectador debe ser considerado un participante activo. Este concepto de “disenso” destaca la capacidad del espectador para interpretar, cuestionar y desafiar las narrativas dominantes a través de su propia experiencia y perspectiva. La obra de arte, entonces, se convierte en un espacio donde se puede reconfigurar la percepción y la experiencia, favoreciendo un diálogo crítico y plural.

Educación y emancipación

La relación entre educación y emancipación es otro tema central en la obra de Rancière. El autor critica la idea de que la educación debe ser un instrumento de control social y homogenización. En cambio, sostiene que la educación debe promover el desarrollo del pensamiento crítico y la reflexión individual. Así, la emancipación se presenta como un acto de reconocimiento de la igualdad de todos los espectadores, sin distinción de su formación o contexto socioeconómico.

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Ejemplos y contexto histórico

A lo largo de “El espectador emancipado”, Rancière utiliza una variedad de ejemplos tomados de la historia del arte y la literatura, desde las vanguardias hasta el cine contemporáneo. Esta diversidad de referencias ilustra cómo diferentes manifestaciones artísticas pueden servir como plataformas para la emancipación y el pensamiento crítico. El estilo incisivo y accesible de Rancière invita a los lectores a reconsiderar su relación con el arte y su rol como espectadores en la sociedad contemporánea.

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Conclusión

“El espectador emancipado” es una obra fundamental para quienes buscan comprender la intersección entre arte y política. Jacques Rancière nos recuerda que la emancipación no es solo un ideal político, sino una posibilidad inherente a nuestra experiencia estética. Al cuestionar lo que vemos y cómo lo interpretamos, podemos abrir nuevos caminos hacia la libertad y la creatividad. Esta obra es imprescindible para artistas, críticos y cualquier persona interesada en la dinámica del arte contemporáneo y su capacidad transformadora.

Superar la culpa y la dependencia emocional

Dyer inicia su libro señalando la carga emocional que muchas personas llevan debido a la culpa. La culpa, según el autor, es una emoción inútil que impide el crecimiento personal al mantenernos anclados en el pasado. Nos invita a reflexionar sobre la futilidad de revivir constantemente errores pasados, sugiriendo en su lugar que el único enfoque productivo es aprender de ellos y seguir adelante.

Otra de las zonas erróneas más comunes es la dependencia de la aprobación externa. Dyer argumenta que gran parte de nuestras decisiones están influenciadas por lo que los demás piensan o esperan de nosotros. En lugar de buscar constantemente validación externa, el autor aboga por que desarrollemos una fuerte autovaloración y actuemos en función de nuestras propias convicciones y deseos. Este cambio de perspectiva nos permitirá tomar decisiones más auténticas y vivir con mayor libertad emocional.

Vivir en el presente

Una idea recurrente en Tus zonas erróneas es la importancia de vivir en el presente. Dyer señala que gran parte de nuestras ansiedades provienen de preocupaciones sobre el futuro o arrepentimientos por el pasado. Nos anima a centrarnos en el “aquí y ahora”, ya que este es el único momento que podemos controlar realmente. Este principio está estrechamente vinculado con la filosofía del mindfulness, un concepto que, aunque más común en la actualidad, Dyer promovía antes de que se popularizara en la cultura occidental.

Rompiendo con el miedo al fracaso

El miedo al fracaso es otra trampa emocional común que Dyer analiza con detenimiento. Según el autor, este miedo a menudo nos impide actuar y perseguir nuestros objetivos, paralizándonos ante la posibilidad de equivocarnos. Dyer sugiere que deberíamos aprender a ver el fracaso no como algo negativo, sino como una oportunidad de aprendizaje y crecimiento. Solo al aceptar la posibilidad de fracasar podremos arriesgarnos a vivir una vida plena y satisfactoria.

La responsabilidad personal como clave del cambio

Uno de los aspectos más poderosos del libro es su insistencia en la responsabilidad personal. Dyer deja claro que somos responsables de cómo nos sentimos y actuamos, y que no debemos culpar a las circunstancias, ni a otras personas, por nuestra infelicidad. Este principio de responsabilidad personal está en el corazón de la transformación que el autor propone: al tomar el control de nuestras emociones y nuestras decisiones, podemos liberarnos de las “zonas erróneas” que nos mantienen atrapados.

Estrategias prácticas para el cambio

A lo largo del libro, Dyer no solo identifica los problemas, sino que también ofrece estrategias concretas para superarlos. Propone un enfoque basado en la acción consciente, el pensamiento racional y el cambio gradual de hábitos. Anima a los lectores a observar sus pensamientos y emociones con objetividad, reconociendo cuándo están cayendo en patrones destructivos, y a tomar medidas para redirigir esas conductas hacia alternativas más constructivas.

Aquí puedes escucharlo

Conclusión

Tus zonas erróneas es un llamado a la autoexploración y al empoderamiento personal. A través de ejemplos claros y consejos prácticos, Wayne Dyer ofrece una hoja de ruta para identificar los pensamientos y comportamientos que limitan nuestro potencial y para desarrollar una nueva forma de vivir, más libre, equilibrada y plena. La simplicidad de su mensaje es su mayor fortaleza: todos tenemos la capacidad de cambiar, siempre que estemos dispuestos a asumir la responsabilidad de nuestras vidas y nuestras emociones.

Este libro continúa siendo una referencia esencial en el ámbito del desarrollo personal, inspirando a generaciones de lectores a tomar control de su bienestar emocional, romper con las creencias limitantes y vivir una vida más consciente y auténtica.

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Yael Hervert | Octubre 2024 | www.catarxis.com

¿Qué sucede cuando intentamos congelar un momento de deseo, movimiento o vida? En Ninfas, Giorgio Agamben nos invita a reflexionar sobre esa idea. Las ninfas, figuras que han habitado la mitología, el arte y la filosofía por siglos, se nos presentan como algo más que seres etéreos. Son símbolos de lo efímero, del deseo que nunca se apaga, de lo inalcanzable.

Las ninfas: Más allá del mito

Para Agamben, la ninfa no es solo un personaje mitológico, sino una representación del movimiento continuo y la transformación. ¿Qué puede ser más actual que eso? Vivimos en una época donde todo está en constante cambio, donde la tecnología y la cultura evolucionan a pasos agigantados. La ninfa, en su tránsito perpetuo, se convierte en un espejo de nuestra realidad: nunca estática, siempre en el límite de lo que puede ser y lo que ya fue.

El instante suspendido: La ninfa y el deseo

A través de las ideas de Aby Warburg y otros estudiosos de la imagen, Agamben descompone a la ninfa en algo más profundo: una manifestación del deseo. Ese deseo que siempre persiste, que no puede ser capturado, es lo que hace a las ninfas tan fascinantes.

Imagina un instante perfecto que nunca puedes retener, como el deseo inalcanzable que, al mismo tiempo, impulsa nuestras vidas. Las ninfas representan ese instante suspendido que es imposible atrapar, y en esa imposibilidad reside su belleza y su poder.

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¿Qué nos dicen las ninfas sobre las imágenes?

Agamben no se detiene ahí. En su reflexión, va más allá y utiliza la figura de la ninfa para hablar sobre la naturaleza de las imágenes. Las imágenes, al igual que las ninfas, nunca son definitivas. Siempre están en tránsito, entre lo que fue y lo que está por venir. Esto nos obliga a repensar cómo interactuamos con las imágenes en la cultura visual actual: ¿realmente podemos capturar algo por completo? ¿O es siempre algo que escapa, que está en constante transformación?

Un llamado a abrazar el cambio

Al final, Ninfas nos deja con una idea poderosa: el arte, al igual que la vida, está en constante movimiento. Las imágenes, los deseos, los momentos no pueden ser congelados ni definidos por completo. Como las ninfas, todo está en un ciclo continuo de transformación, y eso es lo que las hace tan eternamente fascinantes.

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Austin Kleon, en su exitoso libro Roba como un artista, nos enseña que la creatividad no es cuestión de inventar algo completamente nuevo, sino de reinterpretar lo que ya existe. Inspirarse en las ideas de otros para transformarlas y hacerlas propias es la esencia de este manifiesto creativo. A continuación, te compartimos los 10 principios que propone Kleon para que liberes tu lado más innovador:

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1. Roba como un artista: No te preocupes por ser completamente original. Toma lo que te inspira y hazlo tuyo, transformándolo a tu manera.

2. No esperes a saber quién eres para empezar: La identidad creativa se construye con el tiempo. No tienes que tener todo resuelto antes de empezar a crear.

3. Escribe el libro que quieres leer: Crea lo que te gustaría ver o consumir si no existiera ya. Sé tu primer público y deja que eso te guíe.

4. Usa tus manos: El trabajo manual puede desbloquear ideas. A veces, salir de la pantalla y crear algo físico despierta nuevas formas de pensar.

5. Proyectos secundarios y hobbies son importantes: Las actividades que haces fuera de tu trabajo principal nutren tu creatividad. No subestimes el poder de un hobby.

6. El secreto: Haz buen trabajo y compártelo: La clave está en crear algo de valor y después compartirlo con los demás. Tu trabajo habla por ti.

7. No tienes que vivir en una gran ciudad: Hoy en día, gracias a la tecnología, puedes estar conectado con cualquier parte del mundo. El lugar no limita tu creatividad.

8. Sé amable (el mundo es un pañuelo): El respeto y la colaboración son esenciales. Las conexiones que haces hoy pueden abrirte puertas en el futuro.

9. Sé aburrido (la creatividad necesita tiempo): No todo el proceso creativo es emocionante. La disciplina y el tiempo son ingredientes esenciales para lograr resultados.

10. La creatividad es restar: En lugar de agregar más, a veces lo que se necesita es simplificar. No te compliques, enfócate en lo esencial.

Si gustas leerlo, se encuentra disponible en Amazon y en otras plataformas de lectura.

Kleon nos recuerda que la creatividad es un proceso, no un resultado inmediato. Estos 10 principios son una guía para cualquier persona que quiera liberar su potencial creativo, sin importar en qué punto del camino se encuentre. Roba como un artista es una lectura ligera pero profunda, ideal para quienes buscan inspiración en un mundo lleno de ideas.

El acto de crear de Rick Rubin ofrece una visión introspectiva y práctica sobre el proceso creativo, presentada por uno de los productores musicales más influyentes de la industria. Rubin, conocido por su trabajo con artistas de diversos géneros, comparte sus experiencias y filosofías sobre la creatividad, abordando cómo fomentar un entorno que facilite la expresión auténtica y el florecimiento artístico.

El libro se estructura en torno a varias temáticas clave:

1. La Autenticidad en el Proceso Creativo:

Rubin enfatiza la importancia de conectar con el yo interior para generar ideas genuinas. Argumenta que la creatividad auténtica surge cuando se elimina la presión externa y se crea un ambiente libre de distracciones, permitiendo que las ideas fluyan de manera natural y auténtica.

2. Condiciones Óptimas para la Creación:

A través de anécdotas y experiencias personales, Rubin detalla su método de trabajo, que se basa en proporcionar un espacio de confianza y libertad para los artistas. Destaca cómo su papel como productor es facilitar el proceso creativo en lugar de imponer su propia visión, permitiendo que los artistas exploren y desarrollen su propio estilo.

sadhguru

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3. Superación de Obstáculos Creativos:

El libro ofrece estrategias para enfrentar bloqueos creativos y miedos, tales como el temor al fracaso y la falta de inspiración. Rubin ofrece consejos prácticos para superar estos desafíos, subrayando la importancia de la perseverancia y la apertura a nuevas experiencias como claves para desbloquear el potencial creativo.

4. El Rol del Productor:

Rubin profundiza en el papel del productor musical, destacando cómo su enfoque colaborativo y escuchador ayuda a los artistas a descubrir y perfeccionar su visión. Explica cómo un productor puede influir positivamente en el proceso creativo al crear un entorno de apoyo y entendimiento mutuo.

5. Reflexiones Filosóficas sobre el Arte:

Además de los aspectos prácticos, El acto de crear incluye reflexiones filosóficas sobre el arte, la vida y la espiritualidad. Rubin entrelaza estas ideas con sus experiencias para ofrecer una perspectiva más amplia sobre el acto creativo, invitando a los lectores a ver la creatividad como una expresión profunda del ser.

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En resumen…

En resumen, El acto de crear es una guía inspiradora y reveladora que combina consejos prácticos con una profunda reflexión filosófica. Rick Rubin ofrece una visión valiosa sobre cómo liberar la creatividad y cultivar un proceso artístico auténtico, haciendo de este libro una lectura esencial para cualquier persona interesada en el arte y la creación.

"La utilidad de lo inútil" de Nuccio Ordine es un ensayo que defiende la importancia de las disciplinas consideradas "inútiles" como la filosofía, la literatura y el arte en una sociedad dominada por la utilidad inmediata y el beneficio económico. Ordine argumenta que estas disciplinas, a menudo subestimadas, son esenciales para el desarrollo del pensamiento crítico, la creatividad y la humanidad.

El libro se estructura en tres partes:

1. La utilidad de lo inútil: Ordine sostiene que las actividades y conocimientos que no persiguen un beneficio inmediato son fundamentales para la realización personal y social. Cita a pensadores y escritores como Platón, Dante y Shakespeare para ilustrar cómo la búsqueda del conocimiento y la belleza por sí mismos enriquece la vida humana.

2. La universidad y su mercado: Esta sección critica la mercantilización de la educación superior y la tendencia a valorar solo las disciplinas que producen resultados tangibles y rentables. Ordine defiende que la universidad debe ser un lugar de formación integral y no solo una fábrica de profesionales al servicio del mercado.

3. Avaricia: En la última parte, el autor reflexiona sobre cómo la obsesión por la acumulación de riqueza y poder distorsiona los valores y prioridades de la sociedad. Aboga por un retorno a la valoración de lo "inútil" como una forma de resistir la deshumanización y recuperar la esencia de lo que nos hace humanos.

En resumen…

"La utilidad de lo inútil" es una defensa apasionada de la cultura humanística y una crítica a la tendencia contemporánea de valorar únicamente lo que es rentable. Ordine invita a los lectores a redescubrir el valor intrínseco de las artes y las humanidades y a reconocer su papel vital en la construcción de una sociedad más justa y plena.

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Biografía de Autor

Arnoldo es Licenciado en Ciencias de la Comunicación por el Tecnológico de Monterrey, emprendedor y autor.

Su libro, La leyenda de los Dolgias, es una obra de ciencia ficción juvenil, una aventura espacial futurista que narra los sueños y metas de una joven universitaria y sus amigos.

Radicado en Monterrey, México, supo canalizar su creatividad y capacidad de observación, las cuales desarrollaron sus sentidos literarios junto con viajes y libros.

Su deseo de convertir hojas de papel en historias interesantes, lo llevó a dar forma a su primer libro.

Antes de que te sentaras a escribir o redactar, ¿qué es lo que te motivó?

¿qué te acompañó?

Principalmente el sueño, el deseo de madurarla, terminarla y darla a conocer al mayor número de lectores posible, no quería dejar pasar el tiempo con apuntes sueltos con toda esta historia en mi mente.

Los recuerdos, momentos y lugares que conocí de niño, teniendo el deseo de adaptarlos al contexto de la historia.

Después de esto, las novelas de Julio Verne, Carl Sagan, Dan Brown, Suzanne Collins, Tolkien, Ken Follet y VeronicaRoth, junto con la música épica y orquestal cinematográfica. Todo esto fue y ha sido de gran influencia para mí al momento de inspirarme para escribir esta historia e imaginarme a la Federación Dolgia.

¿De qué trata el libro?

Es la historia de Gircelle Ganeve, joven universitaria de 18 años, quien viaja con su novio y amigas a la universidad en la que siempre soñó estar en el planeta capital de la Federación Dolgia.

Conforme transcurre la historia, Gircelle va logrando sus más grandes metas. Sin embargo, se va dando cuenta de que tiene una encomienda más grande de lo que ella había podido imaginar.

»PREMISA PRINCIPAL:

Encontrarán una trama de ciencia ficción más realista, que además de emocionarlos, haga que se identifiquen con ella al descubrir que los personajes viven de una manera muy similar a la nuestra en la Tierra.

»Lo que los lectores encontrarán:

Una federación interplanetaria ubicada unos años adelante de nosotros en el futuro, próspera y con avances tecnológicos, turísticos, culturales y educativos importantes. Una civilización muy similar a la nuestra en la Tierra, con personajes totalmente humanos, historia, valores, retos y adversidades, herederos de un legado importante.

Vías de distribución, ¿con quién se acudió?, ¿cómo te encontraste este proceso?

»Obstáculos, perspectivas:

El libro impreso lo pueden encontrar en Buscalibre, y en la página de la editorial, Bubok, bubok.es.

El libro digital está disponible en Amazon Kindle, Scribd, Storytel, Kobo, Barnes & Noble, Casa del Libro y Nextory.

Al terminar mi manuscrito, lo primero que me recomendaron fue revisar las puntuaciones y la corrección ortotipográfica, y después revisarlo varias veces con las personas indicadas para que el texto tuviera una apariencia más profesional y de acuerdo a como me había imaginado la historia.

Después de esta etapa, revisé las opciones de editoriales independientes, las cuales considero que son la mejor manera de publicar y que los lectores conozcan tu libro en poco tiempo.

Afortunadamente, pude encontrar una editorial que creyó en mi historia y me llevó de la mano en todo el proceso, Bubok, de España.  Desde el diseño de la portada, hasta los pequeños detalles del maquetado, tipo de papel y cubiertas.

Otra cosa muy importante que me llevó a elegir a Bubok fue la red de distribución con la que cuentan para subir tu novela en línea, y des esta manera darla a conocer a más personas.

Mis perspectivas con mi novela son que más personas puedan conocerla, y se emocionen e identifiquen con los personajes y la historia, como yo lo hice al escribirla.

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