Ese silbido no era solo un aviso, era una invitación a detenerse, a escuchar, a recordar.

El afilador es un oficio antiguo, ambulante, nacido de la necesidad de mantener vivas las herramientas y el trabajo diario.

Llegaba en bicicleta, de casa en casa,con su taller a cuestas y tiempo para escuchar historias.

El sonido del afilador era parte del paisaje, como el pregón, como el vendedor ambulante, como la vida misma en la calle.

Hoy ese sonido es cada vez más raro.

La modernidad afiló más rápido, pero también borró oficios.

Para muchos,escuchar ese silbido sigue siendo volver a la infancia,

al barrio,a lo que fuimos.

Un oficio no desaparece cuando deja de ejercerse, desaparece cuando deja de escucharse.

Esto es Voices.

Escuchamos lo cotidiano para entender quiénes somos.

¿Lo leíste y escuchaste?

En Catarxis FM.

Suscríbete ahora

LEER…

Columnista: Yael Hervert | Tampa FL | Enero 2026

Cada primer domingo de febrero, México celebra una bebida ancestral que une historia, sabor y creatividad.

El pulque no es una moda ni una simple bebida. Es un legado ancestral que nace del corazón del maguey y de las prácticas fermentativas de las civilizaciones mesoamericanas, con evidencia que lo sitúa en uso desde al menos hace 2 000 años.

Se obtiene del aguamiel, la savia dulce del maguey —un agave que puede tardar más de una década en madurar— que, al fermentar de forma natural, da lugar a esta bebida blanca, ligeramente ácida y espirituosa que acompañó a distintos pueblos de Mesoamérica desde tiempos de Teotihuacán (alrededor del 150 a. C.–650 d. C.) hasta la llegada de los mexicas.

Históricamente, el pulque tenía un carácter sagrado. Para los pueblos náhuatl, era más que un refresco: era un elemento ritual conectado con deidades como Mayahuel, la diosa del maguey, y con los Centzon Totochtin (los “400 conejos”), figuras asociadas a la embriaguez y al éxtasis.

La palabra pulque proviene probablemente de una adaptación de términos del náhuatl como poliuhqui (“deteriorado” o fermentado), mientras que los antiguos mexicas lo llamaban octli.

Además de su dimensión mitológica, el pulque cumplía funciones sociales y nutricionales: era usado no solo en ceremonias sagradas, sino también como parte de la dieta, fuente de nutrientes y bebida ritualizada que marcaba eventos comunitarios.

Suscríbete ahora

Con la llegada de los españoles, su consumo se transformó: pasó de ser restringido a élites religiosas y gobernantes a una bebida de consumo más amplio entre la población, aunque también fue objeto de estigmatización por parte de autoridades coloniales.

Hoy, con el establecimiento del Día del Pulque cada primer domingo de febrero, esta bebida milenaria se celebra como un símbolo de identidad, resistencia y creatividad que sigue inspirando a nuevas generaciones.

Este 1 de febrero, levanta tu vaso y celebra lo auténtico: la paciencia de la fermentación, la creatividad mexicana y la magia de lo cotidiano que se convierte en tradición. 🍶✨

Referencias

-Pulque es una bebida tradicional mexicana fermentada a partir de aguamiel, con historia que se remonta al menos a hace 1 500–2 000 años. Britannica

-Pulque se consumió desde la época prehispánica, en varias culturas mesoamericanas, con significado ceremonial y simbólico. MDPI

-La leyenda de Mayahuel, diosa del maguey, está asociada con el origen del pulque. Wikipedia en español

-El aguamiel, savia dulce del maguey, es recolectado y fermentado para producir la bebida. MDPI

-El pulque fue considerado sagrado y su consumo asociado a rituales y ceremonias en tiempos prehispánicos. MDPI

-Día del Pulque: celebración oficial cada primer domingo de febrero. Mexico News Daily

Pulque Day: The Birth of a Millenary Beverage

Columnist: Yael Hervert | Tampa, FL | January 2026

Every first Sunday of February, Mexico celebrates an ancestral beverage that brings together history, flavor, and creativity.

Pulque is not a trend or a simple drink. It is an ancestral legacy born from the heart of the maguey plant and from the fermentative practices of Mesoamerican civilizations, with evidence placing its use at least 2,000 years ago.

It is made from aguamiel, the sweet sap of the maguey—an agave that can take more than a decade to mature—which, through natural fermentation, becomes this white, slightly acidic, and spirited beverage that accompanied different Mesoamerican peoples from the time of Teotihuacan (around 150 BCE–650 CE) to the arrival of the Mexica.

Historically, pulque held a sacred character. For Nahuatl-speaking peoples, it was more than a refreshment: it was a ritual element connected to deities such as Mayahuel, the goddess of the maguey, and the Centzon Totochtin (the “400 rabbits”), figures associated with intoxication and ecstasy.

The word pulque likely comes from an adaptation of Nahuatl terms such as poliuhqui (“spoiled” or fermented), while the ancient Mexica called it octli.

Beyond its mythological dimension, pulque fulfilled social and nutritional functions: it was used not only in sacred ceremonies, but also as part of the daily diet, a source of nutrients, and a ritualized drink that marked community events.

With the arrival of the Spanish, its consumption changed: it went from being restricted to religious elites and rulers to a beverage consumed more widely among the population, though it was also stigmatized by colonial authorities.

Today, with the establishment of Pulque Day on the first Sunday of February, this millenary beverage is celebrated as a symbol of identity, resistance, and creativity that continues to inspire new generations.

This February 1st, raise your glass and celebrate the authentic: the patience of fermentation, Mexican creativity, and the magic of the everyday transformed into tradition.

El arte no es viral.

El arte es más hondo. Más lento. Menos predecible.

Pero en el ecosistema digital, la métrica manda.

Compartir

Instagram en 2020 tenía alrededor de 1 071 millones de usuarios. Hoy, en 2025, supera los 1 468 millones.

Eso significa casi 400 millones de perfiles nuevos en cinco años, un crecimiento constante entre +13 % y +5 % anual. Con más ojos en la plataforma, crece también la presión por encajar en su lógica: la del algoritmo que premia lo corto, lo rápido, lo viral.

En 2024, hubo un alza de +5,7 %, agregándose 70 millones de usuarios. En el periodo 2023‑2025, solo Instagram ganó más de 140 millones de nuevos usuarios mensuales ().

¿El resultado real?

• Ahora hay más contenido que nunca.

• Pero el algoritmo favorece el formato flash: Reels, loops, tendencias.

• Y lo sensible, lo lento, lo íntimo, pasa desapercibido.

Datos que duelen

• En 2024, aunque hubo crecimiento, muchos creadores (especialmente artistas visuales) reportaron que sus publicaciones no recibían vistas ni interacciones a menos que usaran formatos rápidos o música viral.

• Hashtags dejaron de funcionar como antes, y el alcance orgánico cayó.

Un mundo sin pulso

Este es el mundo donde estamos: una marea interminable de imágenes y sonidos, un mar de notificaciones que te pide más, más fuerte, más rápido.

“Instagram ya no es Instagram… se premia más el video corto, el algoritmo favorece lo rápido, y deja morir al arte que respira”  .

Deja un comentario

¿Dónde queda el lugar para la obra que se gesta en silencio?

Para el dibujo que se tarda en madurar, para la palabra que necesita ser leída lenta, para la música que no cabe en veinte segundos.

¿Cómo contraponerse?

1. Crea para ti, no para el algoritmo
   El arte que busca gusto, likes o viralidad termina perdiendo su pulso.
   Tu obra puede nacer en la resistencia al scroll.

2. Busca plataformas alternativas
   Substack, blogs, páginas propias: espacios donde el tiempo no vaya al doble click.

3. Activa comunidad, no audiencia
   Los círculos íntimos, los lectores, las amistades creativas: son lo opuesto al algoritmo.
   Alguien escucha a un amigo. Nadie ve un post viral como a un confidente.

4. Acepta el ritmo propio
   El arte sensible no compite con la infoxicación.
   Encierra tu obra en silencio, en contemplación, en contacto real.

Reflexión final

El algoritmo no entiende de arte. Y tal vez ahí está su valor. Si tus obras no encajan en su estética compulsiva, es porque pertenecen a otro tempo: el de la contemplación. El de la conexión íntima. El de lo que duele de verdad. Y eso también merece existir.

Fuentes y enlaces

1. Statista – Monthly active Instagram users worldwide 2013–2025

2. The Global Statistics – Instagram Global Users Statistics

3. Reddit – ¿Los Reels son la única forma de ser visto en Instagram?

4. Oberlo – How Many People Use Instagram in 2024?

Inspiración y propósito

La obra se basa en relatos reales de migrantes mexicanos y centroamericanos, cuyas historias son contadas de manera que el espectador pueda “ponerse en sus zapatos”. Iñárritu relata:

“Quería romper con la pasividad del espectador y hacer que sintiera, aunque sea virtualmente, la angustia y la esperanza de quienes arriesgan todo por un futuro mejor.”

---

Una experiencia inmersiva que despierta emociones

La instalación no es solo un cortometraje en VR, sino un recorrido sensorial:

• Interacción física: Los participantes deben descalzarse para sentir la textura del suelo, conectando de forma tangible con el desierto.

anoncontent

A post shared by @anoncontent

• Ambiente envolvente: Con sonidos de helicópteros, voces de agentes y el crujido de la arena, cada detalle contribuye a recrear la atmósfera del cruce fronterizo.

• Narrativa personalizada: La experiencia, que dura entre 6.5 y 15 minutos, se vive de forma individual o en pequeños grupos, permitiendo que cada quien interiorice la historia a su ritmo.

carlosfilm

A post shared by @carlosfilm

Tecnología y colaboraciones que marcan la diferencia

Para alcanzar este nivel de inmersión, Iñárritu se asoció con destacados colaboradores:

• Emmanuel Lubezki, su habitual director de fotografía, cuya visión aporta la estética visual del proyecto.

• ILMxLAB, Legendary Entertainment y Fondazione Prada, cuyas aportaciones tecnológicas y logísticas hicieron posible este ambicioso reto.

thebushcenter

A post shared by @thebushcenter

Impacto y reconocimiento internacional

Carne y Arena debutó en el 70º Festival de Cine de Cannes como el primer proyecto de realidad virtual en la historia del festival. Su enfoque innovador le valió un Oscar® especial y ha sido exhibido en instituciones de renombre como el Los Angeles County Museum of Art (LACMA) y la Cidade da Cultura de Galicia. Este reconocimiento no solo celebra la excelencia técnica, sino también la capacidad de la obra para conectar emocionalmente con el público.

“La experiencia logra transformar el entendimiento del migrante en algo visceral, haciendo que el espectador no solo vea, sino sienta la historia.”

Reflexión final

En un mundo saturado de cifras y datos fríos, Carne y Arena nos recuerda la importancia de humanizar la información. Al sumergirnos en la realidad de quienes se enfrentan a la adversidad migratoria, Iñárritu nos invita a repensar la narrativa mediática y a sentir, de manera profunda, la condición humana.

Para conocer más sobre esta experiencia y su impacto, te recomendamos revisar las siguientes fuentes:

• LACMA – Alejandro G. Iñárritu: Carne y Arena

• Cidade da Cultura de Galicia – Carne y Arena

• Wikipedia – Flesh and Sand (Carne y Arena)

• Wikipedia – Alejandro González Iñárritu

• Trailer de Carne y Arena en YouTube

A través de murales, fotografías, pinturas y poemas visuales, los creadores yemeníes están desafiando las narrativas del conflicto y demostrando que la belleza puede surgir incluso en los momentos más oscuros.

Deja un comentario

~Murad Subay: El arte de las calles como protesta

muradsubay

A post shared by @muradsubay

“Cuando las bombas caen, las paredes hablan”, podría resumir la filosofía de Murad Subay, conocido como el “Banksy de Yemen”. Con una lata de aerosol y una misión en mente, Murad invita a su comunidad a transformar las calles en un espacio de diálogo y denuncia. En sus murales, se reflejan las pérdidas humanas, las promesas de paz y los gritos de justicia.

streetartunitedstates

A post shared by @streetartunitedstates

Uno de sus proyectos más conocidos, “Colorea las paredes de tu calle”, convierte las ciudades yemeníes en lienzos colectivos. En cada pincelada, hay una historia de quienes anhelan un futuro mejor. “Mi arte no es mío, es de todos los que viven estas historias”, dice Murad.

• Explora más: Murad Subay en Global Voices

~Almutawakel y Yumna Al-Arashi: El lente como herramienta de empoderamiento

En Yemen, las mujeres son narradoras silenciosas de una sociedad compleja, y a través de su arte, Boushra Almutawakel y Yumna Al-Arashi se aseguran de que esas historias encuentren una voz.

cultureando

A post shared by @cultureando

Boushra, con su emblemática serie “The Hijab Series: Mother, Daughter, Doll”, explora cómo el uso del velo se convierte en una metáfora de identidad y opresión. “Mis fotografías no son críticas, son reflexiones. Quiero que las personas vean más allá de lo que les han contado”, explica.

Yumna, por otro lado, utiliza la fotografía para celebrar el cuerpo femenino. Sus imágenes desafían las normas sociales al mostrar a las mujeres como figuras de fuerza, sensualidad y autonomía.

mcsaatchiuk

A post shared by @mcsaatchiuk

“Ser mujer no debería significar estar encasillada. Mi arte es un grito de libertad”, afirma.

• Descubre más:

• Boushra Almutawakel en WikiArt

• Yumna Al-Arashi en Mujeres Mirando Mujeres

~Pinturas y recuerdos: Shatha Altowai y Amna Al-Nasiri

Las pinturas de Shatha Altowai son como ventanas a la vida diaria en Yemen. Cada trazo narra las luchas y la esperanza de su gente, mezclando lo tradicional con una visión profundamente personal. “Pintar es mi forma de mantener vivos los recuerdos de quienes no están”, dice Shatha, con una mezcla de melancolía y orgullo.

romoozfoundation

A post shared by @romoozfoundation

Amna Al-Nasiri, en cambio, ha sido una pionera en llevar el arte contemporáneo a Yemen. Con obras que combinan modernidad y raíces tradicionales, su trabajo desafía a quienes creen que el arte no puede sobrevivir en tiempos de crisis.

desoriental_

A post shared by @desoriental_

• Conoce más sobre ellas: Lista de artistas yemeníes en Wikipedia

~El arte como testimonio: Ameen Alghabri

hadhihialyemen

A post shared by @hadhihialyemen

Ameen Alghabri captura con su cámara la belleza y la fragilidad de Yemen. Su lente se enfoca en las sonrisas de los niños, las tradiciones que resisten y las heridas que el país lleva consigo. En documentales como Karamah Has No Walls, Ameen muestra cómo la fotografía puede ser un arma poderosa contra el olvido. “El arte no cura, pero nos ayuda a seguir adelante”, reflexiona.

• Más sobre su obra: Ameen Alghabri en Global Voices

Compartir

~Un arte que trasciende el dolor

Yemen es más que las noticias sobre guerra y conflicto. Es un lugar lleno de colores, historias y manos creativas que se niegan a rendirse. Los artistas de este país no solo crean obras bellas, sino también necesarias: piezas que invitan al mundo a mirar más allá de las fronteras y entender que, incluso en el dolor, el arte puede ser un acto de resistencia y un faro de esperanza.

Descubre más

Visita los enlaces y déjate inspirar por los artistas que están transformando Yemen, uno a uno, en un país donde la creatividad nunca se rinde.

1. Introducción

2. El canto como expresión espiritual

3. La educación y el canto en la tradición oral

4. Instrumentos que acompañaban los cantos

5. La poesía cantada: El legado de Netzahualcóyotl

6. Cantos comunitarios: Ritual y vida cotidiana

7. El canto indígena en la actualidad

8. Conclusión: Voces que resuenan en el tiempo

Introducción

Desde tiempos remotos, el canto ha sido un vehículo poderoso para las culturas indígenas de México. Más que un arte, era un medio de comunicación espiritual, una herramienta para transmitir conocimientos y una forma de cohesión social. Este artículo explora cómo las civilizaciones antiguas como los mexicas y los mayas integraron el canto en su vida cotidiana y ceremonial, revelando una rica tradición que aún resuena en nuestros días.

El canto como expresión espiritual

Para los pueblos antiguos de México, el canto tenía un carácter sagrado. Era empleado para honrar a las deidades, invocar fuerzas naturales y guiar rituales religiosos. Los mexicas utilizaban los cuicatl, cantos dedicados a dioses como Tláloc y Quetzalcóatl, mientras que los mayas acompañaban sus ceremonias agrícolas y astronómicas con cánticos profundamente simbólicos. Cada nota era una plegaria que buscaba armonizar al ser humano con el cosmos.

La educación y el canto en la tradición oral

El aprendizaje del canto era una práctica formal en instituciones educativas como el calmécac y el telpochcalli. Los jóvenes memorizaban canciones que contenían historias de héroes, mitos de creación y preceptos morales. Estas melodías aseguraban la preservación del conocimiento y la identidad cultural, transmitiéndolo de generación en generación.

Suscríbete ahora

Instrumentos que acompañaban los cantos

El canto rara vez era interpretado sin acompañamiento. Instrumentos como el teponaztli (tambor de madera), el huéhuetl (tambor vertical) y las flautas de barro o carrizo aportaban ritmos y tonalidades. Otros instrumentos, como las conchas marinas y los silbatos, imitaban sonidos naturales, conectando a los intérpretes con la energía de la tierra.

La poesía cantada: El legado de Netzahualcóyotl

La poesía cantada alcanzó su máxima expresión en figuras como Netzahualcóyotl, el rey-poeta de Texcoco. Sus versos, que combinaban metáforas profundas con reflexiones filosóficas, eran entonados en ceremonias y reuniones. Estas composiciones no solo exaltaban la espiritualidad, sino que también reflexionaban sobre la fugacidad de la vida y la conexión del ser humano con la eternidad.

Cantos comunitarios: Ritual y vida cotidiana

El canto no se limitaba a los templos; también formaba parte de las actividades diarias. En bodas, funerales, nacimientos y guerras, las canciones expresaban emociones colectivas. Por ejemplo, los cánticos guerreros inspiraban valor en los ejércitos, mientras que los cantos funerarios ayudaban a guiar a las almas al inframundo.

El canto indígena en la actualidad

Hoy en día, muchas comunidades indígenas mantienen vivas estas tradiciones de canto. En celebraciones como el Día de Muertos o las ceremonias de los pueblos nahuas, los cánticos ancestrales siguen transmitiendo sabiduría y espiritualidad. Además, movimientos contemporáneos han comenzado a revalorizar estos cantos como patrimonio cultural.

Conclusión: Voces que resuenan en el tiempo

El canto en las culturas antiguas mexicanas fue más que una forma de expresión artística: fue un puente entre lo terrenal y lo divino, un medio para transmitir la historia y un reflejo de la compleja cosmovisión de estos pueblos. A través de sus melodías, podemos escuchar los ecos de una sabiduría que sigue inspirando a nuevas generaciones.

¿Qué otras historias esconden los cantos indígenas? Quizá el tiempo aún nos susurre respuestas en sus notas eternas.

• Un legado que sobrevive a la gentrificación

• El arte en la era digital

• Trabajo informal, cultura viva

• Sostenibilidad y memoria cultural

• Un llamado a la reflexión

• MENSAJE IMPORTANTE

En el corazón de las calles mexicanas, el sonido del organillo sigue resonando como un eco del pasado que se niega a desaparecer. Este oficio, profundamente arraigado en la identidad cultural del país, no solo evoca nostalgia, sino que también plantea preguntas sobre la relevancia de las tradiciones en un mundo marcado por la modernidad, la digitalización y el cambio urbano.

Suscríbete ahora

Un legado que sobrevive a la gentrificación

El avance de la gentrificación en los barrios tradicionales ha transformado el paisaje urbano y la vida comunitaria. Calles que alguna vez fueron hogar de los organilleros y su música se han convertido en destinos turísticos o en zonas comerciales dominadas por cafeterías boutique y departamentos de lujo. Aunque estos cambios prometen progreso, suelen desplazar a las expresiones culturales locales, relegando a los organilleros a espacios cada vez más reducidos.

Sin embargo, su presencia se mantiene como un acto de resistencia. En barrios como Coyoacán o el Centro Histórico de la Ciudad de México, el organillero sigue siendo una figura cotidiana que conecta a los transeúntes con un México que aún valora lo auténtico frente a lo globalizado.

El arte en la era digital

Mientras la música se consume hoy mayoritariamente a través de plataformas de streaming, el organillo se presenta como un contraste poderoso: un arte analógico que no depende de algoritmos ni playlists. Cada giro de la manivela crea un momento único, irrepetible y profundamente humano.

La pregunta es: ¿cómo competir con un mercado saturado de opciones digitales? Quizás la respuesta no sea competir, sino reivindicar la importancia del contacto directo con el arte en su forma más simple. Escuchar un organillo en la calle puede ser una experiencia que no solo conecta con el pasado, sino que invita a reflexionar sobre el valor de lo tangible y lo efímero en un mundo hiperconectado.

Compartir

Trabajo informal, cultura viva

Los organilleros también representan una realidad actual: la precariedad del trabajo informal. A menudo, dependen de la buena voluntad de los transeúntes para subsistir, enfrentando desafíos como la falta de regulación laboral y el desinterés de las autoridades. A pesar de esto, su labor mantiene viva una tradición que, sin ellos, desaparecería.

Al reflexionar sobre su rol, surge una discusión más amplia sobre la necesidad de proteger y visibilizar a quienes desempeñan trabajos culturales en las calles. ¿Cómo puede una ciudad equilibrar su desarrollo económico con la preservación de estas manifestaciones?

Sostenibilidad y memoria cultural

En tiempos donde lo sostenible y lo reciclado son valores esenciales, el organillo puede ser visto como un acto de reciclaje cultural. Su música, que ha sobrevivido generaciones, continúa adaptándose a contextos nuevos, mostrando que lo viejo puede mantenerse relevante si encuentra un espacio para dialogar con lo contemporáneo.

Un llamado a la reflexión

El organillero no solo toca música; narra historias. Es un recordatorio de que las tradiciones no son reliquias estáticas, sino pilares que sostienen nuestra identidad en un mundo en constante cambio. En un momento donde las ciudades enfrentan desafíos como la homogenización cultural y la desconexión comunitaria, la figura del organillero nos invita a detenernos, escuchar y recordar quiénes somos.

A medida que las calles cambian y las tecnologías avanzan, el organillo sigue girando, llevando consigo una lección esencial: en la búsqueda del progreso, no debemos olvidar las raíces que nos conectan con lo humano, lo local y lo auténtico.

MENSAJE IMPORTANTE

Nos encanta el arte y escribir sobre el. Su apoyo nos ayuda a mantener en funcionamiento la revista.

Catarxis Magazine necesita tu apoyo. Cada contribución, por grande o pequeña que sea, es muy valiosa para nuestro futuro. Gracias a ello, podremos sostener y hacer crecer la Revista. ¡Gracias por tu ayuda!

AQUÍ PUEDES DONAR

FUENTES:

•AD MÉXICO

•MUY INTERESANTE MX

En el mundo de hoy, donde cada día trae nuevos retos y oportunidades, la creatividad es una habilidad que todos necesitamos. José Zaiter, Ángela Ridao y Juana Eva Robinson, en su artículo “¿Cómo educar la creatividad en el contexto actual?” (2004), nos muestran por qué y cómo la creatividad puede enseñarse y desarrollarse. Aquí te contamos las ideas clave de su análisis y cómo puedes usarlas para liberar tu potencial “ .

La Creatividad: Mucho Más que Arte

Zaiter y sus colegas insisten en que la creatividad no es solo para los artistas. Es una habilidad esencial en cualquier área de la vida porque nos permite resolver problemas de manera original, adaptarnos a lo nuevo y aportar ideas frescas “ . Así, seas estudiante, emprendedor o artista, la creatividad puede abrirte puertas en cualquier camino que tomes.

Compartir Catarxis [Magazine]

¿Cómo se Fomenta la Creatividad?

Los autores proponen que aprender de forma creativa significa salir de lo tradicional: menos memorización y más exploración “. En vez de solo seguir instrucciones, la idea es que cada persona aprenda a descubrir sus propias soluciones, a hacer preguntas y a experimentar. Esta forma de aprendizaje no solo es más divertida, sino que te ayuda a desarrollar la confianza para intentar, fallar y volver a intentar, que es clave para cualquier proceso creativo “.

La Creatividad: Un Camino que No Tiene Fin

Para los autores, la creatividad es como una espiral que no deja de moverse “. Cada experiencia y cada reto es una oportunidad para mejorar y afinar nuestras habilidades creativas. El proceso creativo es constante: siempre hay algo nuevo que aprender, algo diferente que intentar “.

Aquí puedes leer el articulo de investigación completo

Un Sistema Abierto y Flexible

La creatividad prospera en entornos dinámicos. Según los autores, un sistema rígido puede limitar el crecimiento creativo, mientras que un entorno flexible nos permite descubrir y aplicar nuestras habilidades de maneras únicas “. Aquí es donde los educadores juegan un papel vital, guiándonos para que exploremos nuestras ideas y nos sintamos cómodos tomando riesgos “.

Conclusión: La Creatividad, la Habilidad que Nos Transforma

Zaiter, Ridao y Robinson nos recuerdan que la creatividad es mucho más que una habilidad para solucionar problemas. Es una manera de ver el mundo que puede transformar nuestra forma de aprender, trabajar y vivir “. Al desarrollar esta capacidad, ganamos la confianza para explorar, para experimentar y para ver el mundo desde una perspectiva única.

Educar en creatividad es educar para la vida. Si cada uno de nosotros aprende a enfrentar los desafíos con una mente abierta y dispuesta a innovar, construiremos juntos un futuro lleno de posibilidades “.

REFERENCIAS:

Zaiter, José, Ridao, Ángela, Robinson Juana Eva . ¿Cómo educar la creatividad en el contexto actual?. Intangible Capital [en linea]. 2004, (2), [fecha de Consulta 8 de Noviembre de 2024]. ISSN: 2014-3214. Disponible en: https://www.redalyc.org/articulo.oa?id=54900205

Yael Hervert | Octubre 2024 | www.catarxis.com

Introducción al Arte Azteca

El arte azteca, desarrollado entre los siglos XIV y XVI en el actual México, es una manifestación cultural rica y variada que refleja la complejidad de esta civilización. Los aztecas eran maestros en diversas disciplinas artísticas, incluyendo la escultura, la arquitectura, la cerámica y la pintura, cada una de las cuales servía para honrar a sus dioses y registrar su historia.

Escultura y Arquitectura

Escultura Monumental

Los aztecas eran conocidos por sus esculturas monumentales, que a menudo representaban a deidades, guerreros y figuras mitológicas. Utilizaban materiales como la piedra, el basalto y la obsidiana. Una de las obras más emblemáticas es el Templo Mayor, situado en Tenochtitlán, que albergaba impresionantes esculturas de dioses como Huitzilopochtli y Tlaloc.

Arquitectura Ceremonial

La arquitectura azteca no solo era funcional, sino que también estaba imbuida de simbolismo. Las pirámides escalonadas, como las de Teotihuacán, servían como plataformas para ceremonias religiosas. Estas estructuras eran una fusión de arte y religión, diseñadas para conectar a los aztecas con lo divino.

Compartir

Pintura y Cerámica

Pintura Mural

Los murales aztecas eran una forma importante de expresión artística. Utilizaban colores vibrantes y representaban escenas de la vida cotidiana, así como mitos y rituales. Las pinturas en templos y palacios no solo decoraban, sino que también contaban historias y transmitían conocimientos.

Cerámica Decorativa

La cerámica azteca era funcional y decorativa. Los aztecas creaban una variedad de objetos, desde utensilios de cocina hasta figuras rituales, utilizando técnicas de modelado y pintado que reflejaban su estilo distintivo. Estas piezas eran a menudo adornadas con diseños geométricos y figuras mitológicas.

Simbolismo y Religión en el Arte Azteca

El arte azteca está profundamente entrelazado con su religión y cosmología. Cada obra tenía un propósito ceremonial y estaba destinada a honrar a sus dioses y a la naturaleza. Los aztecas creían que su arte era un medio para comunicarse con lo divino y asegurar la prosperidad de su pueblo.

Suscríbete ahora

Influencia del Arte Azteca en la Cultura Contemporánea

El legado del arte azteca perdura en la cultura mexicana actual. Elementos de su estética y simbolismo pueden encontrarse en la artesanía, el diseño y las expresiones artísticas contemporáneas. La recuperación y celebración del arte azteca han sido parte fundamental en la construcción de la identidad nacional mexicana.

Conclusión

El arte azteca es un testimonio del ingenio humano y de la rica historia de una civilización que floreció en el corazón de México. Su influencia sigue viva en la cultura moderna, recordándonos la importancia de preservar y valorar nuestras raíces artísticas.

La masacre de estudiantes, ocurrida en la Plaza de las Tres Culturas, fue un punto de inflexión en la historia contemporánea de México. Ante la represión y el silencio mediático, los artistas respondieron con obras que no solo buscaban mantener viva la memoria de los caídos, sino también generar conciencia sobre la importancia de la libertad de expresión y la necesidad de cambio. Desde la literatura y la música, hasta el cine y las artes visuales, el legado artístico que emergió a raíz de este evento se convirtió en un faro de resistencia.

La literatura como testigo y denuncia

Uno de los primeros ámbitos en los que se reflejó la respuesta artística fue en la literatura. Escritores como José Revueltas, uno de los intelectuales más comprometidos con el movimiento estudiantil, plasmó en su obra El Apando (1969) una feroz crítica al sistema penitenciario y la brutalidad policial. A través de su pluma, Revueltas se convirtió en una de las voces más potentes contra la represión.

librerialosdemasiadoslibros

A post shared by @librerialosdemasiadoslibros

Asimismo, Carlos Monsiváis, con su aguda crónica social, capturó las secuelas de la matanza y el impacto que tuvo en la sociedad mexicana. Su capacidad para entrelazar el análisis crítico con el testimonio de la época ayudó a mantener viva la memoria de los hechos, especialmente en momentos en que el gobierno intentaba suprimir la verdad.

librosenlaroma

A post shared by @librosenlaroma

El muralismo y la gráfica: el arte en las calles

El arte visual también se convirtió en un vehículo para la protesta. Siguiendo la tradición del muralismo mexicano, artistas como Arnulfo Aquino y colectivos como el Taller de Gráfica Popular utilizaron el mural y el grabado para denunciar la violencia del Estado. Sus obras, muchas veces realizadas en espacios públicos, ofrecían una contranarrativa a la versión oficial y llevaban al arte a las calles, donde era accesible para todos.

El Taller de Gráfica Popular fue uno de los grupos más destacados en este ámbito, produciendo carteles y grabados que condenaban la represión y apoyaban las demandas estudiantiles. Su trabajo fue crucial para generar una conciencia crítica en la población y para visibilizar las atrocidades cometidas durante el movimiento.

lasritaetc

A post shared by @lasritaetc

La música de protesta: un grito de justicia

La música también jugó un papel importante en la respuesta artística post-Tlatelolco. El auge de la canción de protesta en México estuvo estrechamente vinculado a los eventos de 1968. Cantautores como Óscar Chávez y Amparo Ochoa se convirtieron en voces emblemáticas de la resistencia, con canciones que abordaban el dolor y la injusticia vividos por los estudiantes y sus familias.

Canciones como La Marcha de la Dignidad o 2 de Octubre No Se Olvida de Óscar Chávez se convirtieron en himnos de lucha que, hasta el día de hoy, son recordados como testimonios musicales de esa época de represión. Estas composiciones no solo fueron un medio de catarsis, sino también una forma de mantener viva la memoria colectiva.

El cine como memoria y crítica social

El cine fue otro de los espacios donde la matanza de Tlatelolco dejó una huella indeleble. Aunque el tema fue tabú durante varios años, en 1989, el director Jorge Fons rompió el silencio con la película Rojo Amanecer. El filme, protagonizado por Héctor Bonilla y María Rojo, retrata los eventos del 2 de octubre desde el interior de un departamento en Tlatelolco, mostrando cómo una familia se ve atrapada en medio de la represión.

Rojo Amanecer no solo marcó un hito en la cinematografía mexicana, sino que abrió la puerta a una serie de producciones que abordarían el tema de la represión política en México. Fue una pieza clave en la construcción de una memoria visual sobre el movimiento estudiantil.

Compartir

Un legado artístico que perdura

Cincuenta y seis años después de la matanza de Tlatelolco, el legado artístico que surgió en respuesta a estos eventos sigue vivo. La literatura, la música, el arte visual y el cine continúan siendo vehículos esenciales para la memoria, la denuncia y la exigencia de justicia. Cada 2 de octubre, las calles de México se llenan de marchas y manifestaciones, recordando que este capítulo oscuro de la historia no ha sido olvidado.

El arte, como respuesta a la violencia y la represión, se ha mantenido como un faro de esperanza y resistencia. A través de él, las voces que fueron silenciadas en 1968 encuentran un eco que resuena hasta nuestros días, recordándonos que el arte no solo es un reflejo de la sociedad, sino también un motor de cambio y justicia.

“𝙀𝙡 𝘼𝙛𝙞𝙡𝙖𝙙𝙤𝙧” : 𝙐𝙣 𝙊𝙛𝙞𝙘𝙞𝙤 𝙙𝙚 𝙡𝙖 𝘾𝙪𝙡𝙩𝙪𝙧𝙖 𝙈𝙚𝙭𝙞𝙘𝙖𝙣𝙖 𝙚𝙣 𝙋𝙚𝙡𝙞𝙜𝙧𝙤 𝙙𝙚 𝙀𝙭𝙩𝙞𝙣𝙘𝙞ó𝙣

La cultura mexicana es un mosaico de tradiciones ancestrales que han enriquecido la identidad de este país a lo largo de los siglos. Entre las múltiples manifestaciones culturales que México ha legado al mundo, existe un oficio poco conocido pero sumamente emblemático: el oficio de "El Afilador". Aunque este antiguo arte ha desempeñado un papel crucial en la vida cotidiana de los mexicanos durante generaciones, hoy se encuentra en peligro de extinción.

Suscríbase ahora

𝘿𝙚𝙨𝙖𝙧𝙧𝙤𝙡𝙡𝙤:

𝙇𝙖 𝙃𝙞𝙨𝙩𝙤𝙧𝙞𝙖 𝙙𝙚 “𝙀𝙡 𝘼𝙛𝙞𝙡𝙖𝙙𝙤𝙧”

"El Afilador" es un oficio que se remonta a los tiempos precolombinos en México. Los antiguos habitantes de estas tierras utilizaban instrumentos de piedra para afilar sus herramientas y armas. Con la llegada de la colonización española, la técnica de afilado se diversificó y se adaptó a las nuevas herramientas introducidas por los conquistadores. A lo largo de los siglos, este oficio se convirtió en una parte esencial de la vida de los mexicanos, ya que los afiladores viajaban de pueblo en pueblo, ofreciendo sus servicios para mantener las herramientas de la comunidad en perfecto estado.

𝙀𝙡 𝙑𝙖𝙡𝙤𝙧 𝙙𝙚 "𝙀𝙡 𝘼𝙛𝙞𝙡𝙖𝙙𝙤𝙧"

El trabajo de "El Afilador" va más allá de mantener las herramientas afiladas. Estos expertos artesanos han sido testigos y guardianes de la historia de sus comunidades. A menudo, eran los narradores de anécdotas y cuentos locales mientras desempeñaban su labor. Además, su oficio también tenía una dimensión social, ya que ayudaban a fortalecer los lazos comunitarios al proporcionar un servicio esencial.

Mi abuelo cada que pasa en la colonia un afilador (hace mucho que no escucho uno) me dice: “oiga ! El afilador …ora! Mijo sacudase!…“ , enseguida se levanta y se empieza a sacudir el cuerpo con ambas manos, con esto ahuyenta la mala vibra y suerte ; tus papás, abuelos o familia también lo hacen ? Cuéntame.

Deje un comentario

𝙍𝙖𝙯𝙤𝙣𝙚𝙨 𝙙𝙚 𝙨𝙪 𝙀𝙭𝙩𝙞𝙣𝙘𝙞ó𝙣

A pesar de su importancia histórica y cultural, el oficio de "El Afilador" se encuentra en peligro de extinción por varias razones:

1. Tecnología Moderna: La llegada de herramientas eléctricas y la automatización de procesos ha disminuido la necesidad de afilar manualmente herramientas. La rapidez y eficiencia de las máquinas modernas han desplazado gradualmente a los afiladores tradicionales.

2. Falta de Interés Generacional: La falta de interés de las generaciones más jóvenes en aprender este oficio ha acelerado su declive. La profesión de afilador no se considera atractiva ni lucrativa en comparación con otras oportunidades laborales.

3. Economía Informal: Muchos afiladores trabajan en la economía informal, lo que dificulta su acceso a servicios de salud y educación, además de limitar sus oportunidades de desarrollo económico.

Compartir

𝘾𝙤𝙣𝙘𝙡𝙪𝙨𝙞ó𝙣

El oficio de "El Afilador" representa un tesoro cultural de México que está al borde de la extinción. A través de la conciencia pública, el apoyo gubernamental y la colaboración entre comunidades, podemos trabajar juntos para preservar esta tradición invaluable y asegurarnos de que las futuras generaciones puedan seguir disfrutando de la riqueza de la cultura mexicana en todas sus formas. La supervivencia de "El Afilador" depende de nuestra voluntad de mantener vivo este legado cultural.

Copyright © 2023 Revista Catarxis. Todos los derechos reservados.

A menos que se indique lo contrario, todo el texto, las imágenes y los medios de este blog son propiedad de los fotógrafos acreditados y de la revista Catarxis y están protegidos por las leyes de derechos de autor. Algunos contenidos pueden ser propiedad de terceros y ser utilizados en este blog con permiso o bajo uso justo.

No puede reproducir, modificar, distribuir o volver a publicar ningún contenido de este blog sin el permiso expreso por escrito de los propietarios de los derechos de autor. Para el contenido propiedad de terceros, debe obtener permiso directamente del propietario de los derechos de autor antes de usar, reproducir o distribuir el contenido.

Si cree que cualquier contenido de esta revista infringe sus derechos de autor o los derechos de autor de alguien a quien representa, póngase en contacto con nosotros inmediatamente para su eliminación inmediata.

Para cualquier consulta o permiso de derechos de autor, póngase en contacto con: contacto@catarxis.com